La rutina de estudios musicales, como muchas otras rutinas de vida, dependen mucho de nuestra personalidad y actividades diarias. Es complicado imponer una serie de reglas que sirvan universalmente ya que cada persona tiene objetivos musicales distintos, disponibilidad de tiempo distinta, resistencia física y mental distintas.
Además, estas variables se modifican con el pasar del tiempo y nuestro progreso como ejecutantes, es distinto el nivel de exigencia para un principiante que para alguien con habilidades intermedias-avanzadas. Lo que sí es inevitable es la necesidad de ser constantes; toda clase de músico, desde los instrumentistas, cantantes, compositores, arreglistas, deben estudiar de manera regular para alcanzar nuevos niveles técnicos, musicales o de entendimiento en general.
Con constancia y regularidad no hablamos necesariamente de estudiar todos los días a toda hora. Para algunas personas funciona mejor estudiar media hora al día o por bloques de diez minutos; lo importante es procurar una concentración del 100% en este período, evitando al máximo cualquier distracción. Recientes estudios hechos en el Reino Unido concluyen que el ser humano promedio puede mantener su atención enfocada por un período de aproximadamente 15 a 20 minutos.
Una técnica que puedes utilizar para aprovechar este período es colocar una alarma a 20 minutos y concentrarte en un único objetivo durante este tiempo. Al terminar de practicar haz un descanso donde permitas a la mente divagar y vuelve a repetir con el mismo objetivo o con uno distinto si ya cumpliste el anterior. Esto entrena a la mente a enfocarse en completar una tarea antes de continuar con otras.
Rutina de ejemplo: Steve Vai
En 1990 el virtuoso guitarrista eléctrico Steve Vai dio a conocer al mundo su régimen de ejercicios de manera muy detallada, donde explicó una extensa rutina de 10 horas diarias que mantuvo por años y cómo la distribuía.
1. La primera hora consistía de ejercicios técnicamente incómodos:
Tocar tres o cuatro notas en una cuerda y repetir en otra, pero evitando siempre las cuerdas contiguas.
Repetir el ejercicio a una velocidad extremadamente lenta con la ayuda del metrónomo y hacerlo a lo largo de todo el mástil del instrumento.
Desarrollar elasticidad al tocar notas que estén muy separadas en el mástil, dejando la menor separación posible entre el sonido de una y otra. Aquí es importante evitar cualquier sensación de dolor; el dolor siempre es una advertencia de que debemos pausar la sesión.
A veces trabajaría en otras técnicas como el vibrato, hammer-on y pull-offs, trinos, etc…
2. La segunda hora es de escalas.
Tocar las 12 escalas mayores a distintas velocidades.
Tocar los modos griegos con distintos patrones de intervalos. Aquí sugiero escuchar la nota base de la escala como nota pedal mientras se realiza este ejercicio, para así interiorizar al máximo el sonido del modo en cuestión.
Tocar las escalas desde la nota más grave hasta la más aguda posible del mástil, pero sin seguir una posición ni una secuencia en particular. De esta manera se desarrolla el movimiento en diagonal en vez de vertical y una conexión estrecha entre el oído y los dedos.
3. La tercera hora es de acordes.
Tocar standards del real book.
Experimentar con acordes y voicings inusuales.
Crear un groove rítmico sobre un solo acorde e improvisar encima.
Estas tres horas eran repetidas tres veces al día para completar 9 horas, haciendo de vez en cuando algunas variaciones.
4. La última hora del día era de sensibilidad.
Lo primero que hacía era olvidar todo lo que había estudiado durante el día.
Improvisar, tratando de tocar con la mayor sensibilidad posible.
Tratar de reproducir frases habladas con la guitarra (un ejemplo fenomenal de esto puede escucharse en la canción “The Dangerous Kitchen” de Frank Zappa)
Al emular la voz con el instrumento, podemos llegar al punto de hablar con nosotros mismos, de decirnos cosas que solo nosotros podemos comprender, que pertenecen a nuestro mundo interno, y exteriorizarlas mediante nuestro instrumento. Esto sin duda ayuda a desarrollar un lenguaje propio, uno que no se produce desde la pura intelectualidad musical.
¿Qué piensan al respecto otros músicos profesionales?
A continuación, compartimos algunas reflexiones de distintos músicos consagrados sobre la importancia de la práctica y de cómo afrontar una rutina de estudios saludable. Al contrastarlas te darás cuenta de que hay elementos en común pero no todos comparten exactamente el mismo enfoque.
Víctor Wooten (bajista)
“Es más importante disfrutar de lo que estás aprendiendo y practicando, que lograrlo más rápido que los demás”
“La belleza del alfabeto musical A, B, C, D, E, F, G, no es usarlo en orden, sino en desorden. Ahí es donde viene el crecimiento, en la exploración y mezcla de estas letras. Al igual que tomamos las letras del alfabeto y creamos palabras para expresarnos, lo hacemos con la música.”
“No aprendes a hablar estudiando en un cuarto, aprendes a hablar literalmente haciéndolo, junto a otras personas, igual con la música”
“La ciencia defiende la posibilidad de que estudiar por períodos cortos sea mejor, porque el momento real en el que aprendes, es en el descanso, cuando dejas de estudiar”
“Algunas de las preguntas que me hago al estudiar conceptos básicos como escalas son: ¿Puedo hacer que una escala mayor suene funky? ¿Puedo hacer que una escala suene a swing? ¿Puedo hacer que suene a blues? ¿Puedo hacer que suene a metal o progresivo? Así te darás cuenta de que los géneros musicales no tienen tanto que ver con qué notas tocas sino como se siente o haces sentir a los demás con ellas”
Joe Dart (bajista - Vulfpeck)
“Trabajo regularmente algo de velocidad, destreza y resistencia, pero siempre pienso en el pulso y el groove. Cuando me preguntan acerca de un rudimento importante para practicar, es el pulso, trato de pensar como un baterista mientras toco”
“Al ser bajista siento cierta responsabilidad, porque mientras otros instrumentos pueden parar y continuar, el bajo tiene que seguir sonando; si el bajo se detiene, todos lo notan. Mi trabajo es groovear y mantener la base para el resto de la banda, algo que me encanta”
Jaco Pastorious (bajista)
“Mantengan sus mentes abiertas, la primera vez que vine a New York, todos querían tocar jazz, nadie sabía de rock n' roll, de funk, de nada, ahora en New York está bien tocar de todo. En Florida donde crecí tuve la oportunidad de tocar con todo tipo de músicos, toqué hasta en bandas de country y me encantó. Mantengan los oídos abiertos, es mi único consejo”
Flea (bajista – Red Hot Chili Peppers)
“Algo que trato de emular de los bajistas que admiro es que, aunque estén tocando líneas simples siempre puedes escuchar sutilezas que hacen toda la diferencia. Estoy seguro de que no lo hacen por el simple hecho de lucirse, sino porque reaccionan a lo que hace el resto de la banda, y logran que el todo se escuche mucho mejor”
Michael Brecker (saxofonista)
“Tomo cualquier idea melódica y la toco en todas las tonalidades, empiezo en la nota más grave del instrumento y llego tan agudo como puedo. Es posible que las frases no suenen bien en todas las tonalidades, o en el registro agudo o grave, pero igualmente las estudio, me parece productivo practicar de esa manera”
“Si tienes que escribir la frase o idea, hazlo en una sola tonalidad. Apréndela de oído, relacionándola con la escala o grados de los acordes; si la escribes en cada tonalidad nunca te la aprenderás realmente”
“No soy de esas personas que tiene una memoria perfecta de lo que estudio, a veces me aprendo un lick de algún músico que admiro, y luego de dos meses lo olvido. Pero luego reaparece en mis improvisaciones de una manera completamente modificada. Me convencí a mí mismo de que a pesar de no recordar exactamente muchas frases, se manifestarían en mi psique. La música para mí es muy intuitiva, no soy un ejecutante intelectual, mi mente no funciona así”
Chris Potter (saxofonista)
“No soy del tipo de persona que dice, voy a estudiar por 2 horas, 15 minutos esto, después esto, después esto. Nunca lo he hecho así, para mí se trata más de un flujo de ideas, busco mis limitaciones e invento cualquier manera de sobrepasarlas”
“El proceso más duradero por el que he pasado implicó escuchar muchos discos una y otra vez, tratando de imitar lo que escuchaba lo más parecido posible, así de simple. Desde discos de jazz hasta la consagración de la primavera de Stravinsky o ritmos de tabla india, siempre trato de hacer música a partir de cualquier fuente”
“No recuerdo haber transcrito muchos solos, simplemente tocaba una y otra vez encima de las pistas, tratando de adoptar el lenguaje como hace cualquier niño. No hablas pensando ‘debo decir este verbo en participio pasado’, simplemente lo haces, porque si lo piensas mucho se te escapa la oportunidad de hablar”
Steve Vai (guitarrista)
“No creo que exista una regla de oro, si tratas de hacer lo que alguien más dice que es una regla de oro, puede que actúes en contra de tu buen juicio, la mayoría del tiempo la innovación aparece cuando las personas rompen las reglas”
“Si tuviera que dar una regla de oro sería: no tomes lo que nadie te dice por sentado, la música es una forma de arte, una expresión propia, debes hacer las cosas a tu manera. Es muy importante escuchar lo que otros han aprendido y les ha funcionado, pero no debes dejarte llevar por completo, porque empezarás a sonar como alguien más y perderás tu identidad musical en el proceso”
“Podría decirte ‘toca desde el corazón’, pero eso ¿qué significa? Creo que significa ‘toca desde tu propio corazón’. Para conocer que hay en tu corazón, tienes que conocerte a ti mismo, y para conocerte tienes que ser tú mismo”
“El trabajo técnico es muy importante, siempre he tratado de balancear lo técnico con lo emocional y me he dado cuenta de que, una vez que mis habilidades motoras están pulidas, es mucho más fácil expresarme. Lo que debes evitar es dejarte llevar únicamente por estas habilidades, de lo contrario se pierde de vista la razón por la cual estudias técnica en un principio, que es la de comunicar”
Te recordamos que puedes revisar nuestra sección de artículos de la web, en el anterior hablamos sobre la diferencia entre el bajo pasivo y activo por si quieres echarle un vistazo