<p>La escala pentatónica como su nombre indica es una escala de cinco sonidos, alturas o notas distintas. Es la escala típica del rock y también es perfecta para quienes desean empezar a improvisar ya que contiene menos notas que las siete de las escalas mayores y menores.</p>
<p>A continuación te presentamos distintas maneras en que puedes construirlas por ti mismo.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica mayor desde cero</h2>
<h3>Usando semitonos o trastes</h3>
<p>Recuerda que cada traste en la guitarra representa un semitono, por lo que la fórmula en este caso sería:</p>
<p>Nota Base + 2 + 2 + 3 + 2</p>
<p>Esa fórmula podemos aplicarla en cualquier traste de cualquier cuerda para escuchar las notas de la escala:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/87/GuitarMajorPentaOneStringByFrets.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/87/GuitarMajorPentaOneStringByFrets.png" alt="GuitarPentaFrets"></picture></figure>
<h3>Usando intervalos:</h3>
<p>Si manejas mejor los intervalos, dos semitonos constituyen una segunda mayor y tres semitonos una tercera menor, la fórmula sería:</p>
<p>Nota Base + 2da mayor + 2da mayor + 3 menor + 2da mayor</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/88/GuitarMajorPentaOneStringByIntervals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/88/GuitarMajorPentaOneStringByIntervals.png" alt="GuitarMajorPentaIntervals"></picture></figure>
<h3>Usando acordes:</h3>
<p>Si ya eres un experto de los acordes, podemos pensar en que las notas de una escala pentatónica mayor son las mismas de un acorde sexta y novena ó acorde 6/9.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica mayor a partir de la escala mayor</h2>
<p>Si dominas el concepto de la escala mayor natural, puedes conseguir la escala pentatónica mayor al eliminar el cuarto y séptimo grados, por ejemplo en do mayor sería:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/89/ComparacionMayorPenta.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/89/ComparacionMayorPenta.png" alt="PentaComparison"></picture></figure>
<h2>Diagrama vertical</h2>
<p>En la guitarra existen patrones que te ayudan a moverte de manera vertical con las escalas pentatónicas, para la pentatónica mayor puedes usar el siguiente. Recuerda que el color rojo es para la nota base o tónica, negro para el resto de notas de la escala.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/98/GuitarMajorPentaPatternOne.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/98/GuitarMajorPentaPatternOne.png" alt="PentaMajorPattern"></picture></figure>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor desde cero</h2>
<h3>Usando semitonos o trastes</h3>
<p>Recuerda que cada traste en la guitarra representa un semitono, la fórmula en este caso sería:</p>
<p>Nota Base + 3 + 2 + 2 + 3</p>
<p>De nuevo podemos aplicarla en cualquier traste de cualquier cuerda para escuchar las notas de la escala:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/96/GuitarMinorPentaOneStringByFrets.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/96/GuitarMinorPentaOneStringByFrets.png" alt="GuitarPentaFrets"></picture></figure>
<h3>Usando intervalos:</h3>
<p>Si manejas mejor los intervalos, dos semitonos constituyen una segunda mayor y tres semitonos una tercera menor, la fórmula sería:</p>
<p>Nota Base + 3era menor + 2da mayor + 2da mayor + 3 menor</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/97/GuitarMinorPentaOneStringByIntervals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/97/GuitarMinorPentaOneStringByIntervals.png" alt="GuitarPentaMinorIntervals"></picture></figure>
<h3>Usando acordes:</h3>
<p>Si ya eres un experto de los acordes, podemos pensar en que las notas de una escala pentatónica mayor son las mismas de un acorde menor séptima con onceava ó m7add11.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor a partir de la escala menor</h2>
<p>Si dominas el concepto de la escala menor natural, puedes conseguir la escala pentatónica menor al eliminar el segundo y sexto grados, por ejemplo en la menor sería:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/92/ComparacionMenorPenta.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/92/ComparacionMenorPenta.png" alt="PentaMinorComparison"></picture></figure>
<h2>Diagrama vertical</h2>
<p>En la guitarra existen patrones que te ayudan a moverte de manera vertical en las escalas pentatónicas, para la pentatónica menor puedes usar el siguiente. Recuerda que el color rojo es para la nota base o tónica, negro para el resto de notas de la escala.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/95/GuitarMinorPentaPatternOne.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/95/GuitarMinorPentaPatternOne.png" alt="GuitarPentaMinorPattern"></picture></figure>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor desde la pentatónica mayor</h2>
<p>Al igual que tenemos escala mayor y menor (que son relativas) tenemos también escalas pentatónicas mayor y menor (también relativas), esto quiere decir que contienen las mismas notas pero varían en su nota inicial.</p>
<p>Por ejemplo la escala pentatónica de do mayor y la menor son relativas, por lo que contienen las mismas notas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/93/ComparacionPentaMayorMenor.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/93/ComparacionPentaMayorMenor.png" alt="PentaMinorMajorRelative"></picture></figure>
<p>En Escuela de Guitarristas tenemos videos dedicados por completo a la <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/solista-1/pentatonica-menor-a">escala pentatónica</a> ¡no dejes de verlos!</p>
<p>Te recordamos además a leer el resto de nuestros artículos, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-sacar-canciones-de-oido">cómo sacar canciones de oído</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te presentamos distintas maneras en que puedes construir la escala pentatónica por ti mismo en la guitarra, lo aprenderás en minutos

Cómo tocar la escala pentatónica en la guitarra

<h2>El orden de las cuerdas</h2>
<p>Lo primero que debes saber es el orden de las cuerdas, las cuales se nombran de la más aguda o delgada (1era), a la más grave o gruesa (4ta).</p>
<h2>El nombre de las cuerdas</h2>
<p>Luego el nombre de cada una de las cuerdas cuando se tocan al aire, es decir sin presionar ningún traste del mástil.</p>
<p>El nombre de las cuerdas de la más delgada (primera cuerda) a la más grave (cuarta cuerda) es el siguiente:</p>
<h3>G = sol</h3>
<h3>D = re</h3>
<h3>A = la</h3>
<h3>E = mi</h3>
<p>En la siguiente imagen verás el orden y nombre de las cuerdas como se representa comúnmente en las tablaturas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/83/BassStrings.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/83/BassStrings.png" alt="Bass Strings"></picture></figure>
<h2>Diagrama con todas las notas</h2>
<p>Con el siguiente diagrama podrás conseguir cualquier nota que necesites en el bajo. Recuerda que luego del traste 12, las notas se repiten desde el inicio:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/82/BassFretboardGrayBackground.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/82/BassFretboardGrayBackground.png" alt="Bass Fretboard"></picture></figure>
<p>Si necesitas ver el mástil con las notas ampliadas sólo debes hacer click <a href="https://api.escuelademusica.com/storage/82/BassFretboardGrayBackground.png">aqui</a></p>
<h3>Recuerda que en Escuela de Bajistas tenemos videos relacionados:</h3>
<p>• <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/fundamentos/notas">Las doce notas</a></p>
<p>• <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/fundamentos/ejercicios-visualizar-notas-mastil">Visualizar las doce notas en el mástil</a></p>
<p>Además tenemos otro artículo donde podrás <a href="https://escuelademusica.com/articulos/conoce-todas-las-notas-en-el-mastil-de-la-guitarra">conocer todas las notas en el mástil de guitarra</a></p>


Con este diagrama podrás encontrar fácilmente todas las notas en el mástil del bajo

Conoce todas las notas en el mástil del bajo

<h2>El orden de las cuerdas</h2>
<p>Lo primero que debes saber es el orden de las cuerdas, las cuales se nombran de la más aguda o delgada (1era), a la más grave o gruesa (6ta).</p>
<h2>El nombre de las cuerdas</h2>
<p>Luego el nombre de cada una de las cuerdas cuando se tocan al aire, es decir sin presionar ningún traste del mástil.</p>
<p>El nombre de las cuerdas de la más delgada (primera cuerda) a la más grave (sexta cuerda) es el siguiente:</p>
<h3>E = mi</h3>
<h3>B = si</h3>
<h3>G = sol</h3>
<h3>D = re</h3>
<h3>A = la</h3>
<h3>E = mi</h3>
<p>En la siguiente imagen verás el orden y nombre de las cuerdas como se representa comúnmente en las tablaturas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/81/GuitarStrings.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/81/GuitarStrings.png" alt="Guitar Strings"></picture></figure>
<h2>Diagrama con todas las notas</h2>
<p>Con el siguiente diagrama podrás conseguir cualquier nota que necesites en la guitarra. Recuerda que luego del traste 12, las notas se repiten desde el inicio:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/80/GuitarFretboardGrayBackground.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/80/GuitarFretboardGrayBackground.png" alt="Fretboard Grey"></picture></figure>
<p>Si necesitas ver el mástil con las notas ampliadas sólo debes hacer click <a href="https://api.escuelademusica.com/storage/80/GuitarFretboardGrayBackground.png">aqui</a></p>
<h3>Recuerda que en Escuela de Guitarristas tenemos videos relacionados:</h3>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/alfabeto-musical">El alfabeto musical</a></p>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/notas-mastil">Las notas en el mástil de la guitarra</a></p>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/notas-mastil">Cómo numerar dedos, cuerdas y trastes</a></p>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/notas-mastil">Cómo leer diagramas del mástil</a></p>
<p>Además tenemos otro artículo donde podrás <a href="https://escuelademusica.com/articulos/conoce-todas-las-notas-en-el-mastil-del-bajo">conocer todas las notas en el mástil del bajo</a></p>


Con este diagrama podrás encontrar fácilmente todas las notas en el mástil de la guitarra

Conoce todas las notas en el mástil de la guitarra

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/68/PlayingByEar.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/68/PlayingByEar.jpg" alt="Playing By Ear Header"></picture></figure>
<h3>Escuchar</h3>
<p>Lo más importante es cultivar la escucha consciente. Así como enfocamos la vista para ver mejor un objeto en la distancia, los oídos tienen la capacidad de “enfocarse” en un instrumento específico para escuchar las sutilezas que realiza. Es una habilidad muy útil a la hora de aprender la parte de un instrumento cuando escuchamos al grupo en su totalidad.</p>
<h3>Concéntrate en la melodía</h3>
<p>En la música tonal la melodía es lo fundamental, y hacia lo que apunta todo lo demás que sucede en una canción. Trata de memorizar la melodía, cántala, tócala en el instrumento con distintas digitaciones y posiciones.</p>
<h3>Una nota a la vez</h3>
<p>No trates de hacer todo a la vez, una nota o un acorde a la vez es suficiente. Mejor dar un paso seguro que muchos en falso.</p>
<h3>Baja la velocidad</h3>
<p>Toca lento y si es posible reproduce la canción a menor velocidad. En la música si no tocas correctamente algo lento, difícilmente saldrá a más velocidad.</p>
<h3>Escribe las notas en un papel</h3>
<p>Puedes inventarte un método o aprender el cifrado americano, que es la manera más sencilla y universal de cifrar notas y acordes.</p>
<h3>Aprende a leer música</h3>
<p>Después de ejercitar el oído y desarrollar las habilidades anteriores en cierto grado, leer música en modo de tablatura o partituras te ayudará a ampliar tu repertorio de manera continua. Lo ideal es que leas lo necesario para aprender una canción en tu instrumento y dependas lo menos posible de algo escrito.</p>
<h3>Sé paciente</h3>
<p>La música es una de esas disciplinas donde nos equivocaremos muchas veces antes de lograr lo que deseamos. Es importante desarrollar la seguridad de que algo que no logramos hoy, lo lograremos más adelante con práctica constante. Lleva tiempo, pero te aseguramos que es así.</p>
<p>Una técnica consiste en escuchar la canción con atención muchas veces, específicamente el instrumento que toquemos y, luego, tratar de recrearla sin escuchar la canción. Este proceso es la analogía del pensamiento al lenguaje. Así la tendremos en la mente y podremos proceder al instrumento para sacar las partes.</p>
<h3>Aprender a escuchar intervalos</h3>
<p>Puedes escuchar notas de manera absoluta o relativa. De esta forma, la manera de escuchar cambia por completo.</p>
<h3>Identificar la tonalidad de la canción</h3>
<p>Hay muchas técnicas. Aprender algo de armonía ayudará a saber en qué tonalidad está una canción y qué acordes son los más usuales.</p>
<h3>Practica todo el tiempo que puedas</h3>
<p>Ten el instrumento en la mano el máximo tiempo posible y trata de descifrar lo que escuchas en la televisión o los trozos de música que escuchas en redes sociales en tiempo real.</p>
<h3>Usa las herramientas tecnológicas que tenemos a nuestro alcance</h3>
<p>Hoy en día existen programas como Transcribe que permiten reducir la velocidad de una canción sin deformar demasiado lo que escuchas. También hay programas como Moises, basados en inteligencia artificial, que permiten separar algunas de las pistas de una canción para escucharlas de manera aislada.</p>
<p>En Escuela de Guitarristas tenemos una sesión en vivo por parte de <a href="https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs">Gnaposs</a> dedicada a <a href="https://escueladeguitarristas.com/live/live-7-como-mejorar-nuestro-oido/repeticion">cómo educar nuestro oído</a></p>
<p>Te recordamos que en nuestro artículo anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/para-que-sirven-los-simuladores-de-amplificadores">los simuladores de amplificadores</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te damos algunos consejos para que puedas sacar canciones de oído, como todo en la música ¡lo principal es la práctica!

¿Cómo sacar canciones de oído?


<p>Como su nombre indica, los simuladores son programas o equipos que simulan el funcionamiento de un amplificador real. Generalmente, hablamos de modelar varios amplificadores y no de un solo tipo o marca específica. Cabe destacar que estos simuladores no crean realmente el sonido. Lo que hacen es manipular el sonido que sale de nuestro instrumento, como si estuviese conectado directamente al amplificador en cuestión.</p>
<p>Pueden ser de mucha utilidad cuando no se cuenta con el dinero o espacio suficiente en el estudio de grabación para apilar varios tipos de amplificadores, compararlos y probarlos en el momento indicado.</p>
<p>En el mundo de los simuladores virtuales, el espacio se transforma en cantidad de gigas de requerimiento en disco duro. También existen versiones físicas similares a los pedales multiefectos como el Neural DSP Quad Cortex o el Kemper Profiler en el rango de 1000-2000 dólares.</p>
<p>Las distintas combinaciones de cabezales y parlantes pueden llegar a ocupar mucho espacio, cuando te das cuenta de que debes añadir cables, parales, micrófonos y demás accesorios.</p>
<p>Este asunto se solventa también con los simuladores. Con ellos podemos experimentar con distintas acústicas, disposición y cantidad de micrófonos, una colección diversa de sonidos y pedales fácilmente ajustables que nos permite conseguir atmósferas sonoras difíciles o imposibles de conseguir con un amplificador real.</p>
<p>Microfonear y grabar un amplificador real puede dar dolores de cabeza y es una tarea que generalmente consume mucho tiempo. Pero en el mundo virtual no se necesita de ningún esfuerzo físico y las posibilidades son casi infinitas.
Como desventajas podemos nombrar que, a pesar de que las simulaciones se han ido perfeccionando con el paso de los años, difícilmente son perfectas recreaciones de lo real. Podemos confirmar esto comparando el sonido de cualquier equipo analógico con su representación o modelo virtual.</p>
<p>Pero esto no tiene necesariamente un gran impacto en el proceso creativo. Que algo no suene exactamente como el equipo real, no significa que suena mal o que no pueda ser un complemento valioso en tus creaciones. Existen ingenieros de mezcla que prefieren una técnica híbrida; usar una parte de la grabación real del amplificador y mezclarla con otra parte procesada mediante un simulador.</p>
<p>Finalmente, el último uso que le podemos dar a estos simuladores es el de la saturación, una técnica que puede ser utilizada no solo en guitarras sino en otros instrumentos como baterías, bajos, sintetizadores o voces, para añadir una capa de dinámicas extra.</p>


¿No sabes qué es un simulador de amplificador? Explicamos sus características y además las ventajas y desventajas comparándolos con amplificadores reales.

¿Para qué sirven los simuladores de amplificadores?

<p>Hay un montón de aplicaciones de música gratis en las tiendas online, sin embargo, muchas de ellas están llenas de anuncios y flaquean en sus funciones. A continuación te detallamos algunas apps de música gratis que sí son muy recomendables:</p>
<h2>Bandlab - DAW</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/70/bandlab.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/70/bandlab.png" alt="Bandlab"></picture></figure>
<p>Una aplicación que apuesta por la creación colaborativa de música entre personas de todo el mundo, con herramientas que permiten grabar y una red social para compartir ideas. También tiene la opción de una estación de trabajo de audio digital (DAW) sencilla, con una interfaz multipista.</p>
<h2>Boss Tuner - Afinador</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/71/bosstuner.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/71/bosstuner.png" alt="Boss Tuner"></picture></figure>
<p>El Boss TU-3 puede que sea el afinador más reconocido en el mundo y con esta aplicación lo tendrás en tu dispositivo. Tienes la opción de cambiar la apariencia de la app, la referencia de 440hz si lo necesitas o escuchar un tono específico para afinar. Tiene notificaciones actualizadas de Boss que pueden ser un tanto molestas, pero al ser gratis, es entendible.</p>
<h2>Ear Gym - Entrenamiento Auditivo</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/72/EarGym.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/72/EarGym.png" alt="Ear Gym"></picture></figure>
<p>Con esta aplicación podrás aprender a identificar intervalos, acordes y cadencias. Podrás elegir específicamente qué acordes o intervalos deseas identificar, comparar, cantar, leer, construir o invertir. Integra 29 tipos de acordes y también incluye lectura en distintas claves y niveles de dificultad para todo tipo de usuario.</p>
<h2>Metronome Soundbrenner - Metrónomo</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/73/SoundbrennerMetronome.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/73/SoundbrennerMetronome.png" alt="Soundbrenner Metronome"></picture></figure>
<p>En nuestra opinión, el mejor metrónomo. Cuenta con un amplio rango de velocidades, tap tempo, indicaciones de compás complejas y mucho más.  Ya lo habíamos recomendado antes en <a href="https://escuelademusica.com/articulos/el-metronomo">nuestro artículo sobre el metrónomo</a>.</p>
<h2>Moises - Separador de Pistas</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/74/MoisesAI.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/74/MoisesAI.png" alt="Moises AI"></picture></figure>
<p>Es una aplicación utilizada para aislar y extraer los instrumentos o voces de una canción mediante inteligencia artificial para poder crear remixes, pistas o karaokes. En la versión gratuita se pueden cargar 5 canciones al mes de hasta 5 minutos cada una. Además, tiene solo dos algoritmos de separación: en 2 pistas (voz, instrumental) o 4 pistas (voz, batería, bajo, otros).</p>
<h2>MusicVolume EQ - Ecualizador</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/75/MusicVolume-EQ-app.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/75/MusicVolume-EQ-app.jpg" alt="Music Volume App"></picture></figure>
<p>Existe una cantidad enorme de aplicaciones de ecualización gratuitas, pero esta tiene todo lo necesario: ecualizador de cinco bandas con nueve presets, control de volumen y potenciador de bajos.</p>
<h2>RealDrum - Batería Electrónica</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/76/RealDrum.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/76/RealDrum.png" alt="Real Drum"></picture></figure>
<p>Una simpática aplicación que simula una batería real que podrás tocar con la punta de tus dedos. Permite personalizar con imágenes y sonidos, grabar y exportar las grabaciones en formato MP3.</p>
<h2>Real Piano - Piano Electrónico</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/77/RealPiano.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/77/RealPiano.png" alt="Real Piano"></picture></figure>
<p>Existen muchas aplicaciones de piano, pero esta funciona completa y rápidamente. El único problema es que está únicamente en inglés. Si necesitas confirmar notas o escuchar un acorde específico rápidamente, esta app es más que suficiente.</p>
<p>Te recordamos que en nuestro artículo anterior hablamos sobre algunos consejos al <a href="https://escuelademusica.com/articulos/que-auriculares-me-compro">elegir nuevos auriculares</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Hay un montón de aplicaciones de música, muchas de ellas llenas de anuncios y flaquean en sus funciones, aquí te recomendamos algunas

Las mejores apps de música gratis

<p>En el día a día tendemos a consumir música en reproductores de muy mala calidad como auriculares o parlantes genéricos de computadoras y speakers de laptops. Si eres un melómano y quieres elevar el nivel de tu escucha, ha llegado el momento de que inviertas en un buen equipo.</p>
<p>La primera gran diferencia que podemos hacer va en la clasificación de los auriculares:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/78/InearOnearOverear.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/78/InearOnearOverear.png" alt="Inear-onear-overear"></picture></figure>
<h2>In-Ear</h2>
<p>Los músicos profesionales tienden a utilizarlos como monitores para las presentaciones en vivo. Son los más pequeños de tamaño por lo que la reproducción de frecuencias graves tiende a ser menos fiel, además pueden crear incomodidad al ser introducidos en la cavidad auditiva y deben limpiarse regularmente para procurar una buena higiene.</p>
<h2>On-Ear</h2>
<p>Tienden a ser más cómodos que los in-ear y la reproducción de bajos generalmente es mejor, permiten ajustar su posición y elongación.</p>
<h2>Over-Ear</h2>
<p>Es la elección preferida por los profesionales del audio ya que reproducen mejor la escena sonora de música, película o gaming. Son los más cómodos por regla general lo que permite largas sesiones de escucha. Al no ser intrusivos favorecen la higiene y la escucha social.</p>
<p>Los over-ear podemos dividirlos a su vez en abiertos y cerrados: los cerrados aíslan mejor el sonido interno y externo, por lo que se prefieren para sesiones de grabación; los abiertos dan una sensación más “natural” o “real” de lo que escuchamos, por lo que se prefieren para sesiones de mezcla o mastering.</p>
<p>Si te das cuenta, usamos palabras como “generalmente” y “tienden a” para diferenciar las categorías. La razón es que no necesariamente unos sean mejor que otros solo por su categoría, hay distintas características que pueden hacer a in-ears de 1000 USD reproducir frecuencias y tener una escena sonora mejor que over-ears de 200 USD.</p>
<p>Algunas características para tener en cuenta:</p>
<h3>Tamaño del driver</h3>
<p>Generalmente no es tan importante. En equipos de la misma gama, un mayor tamaño del driver puede ser mejor, pero si un equipo de menor gama tiene un driver grande, seguramente producirá más distorsión armónica.</p>
<h3>Tipo de driver</h3>
<p>Cada tipo de driver tiene sus pro y contras, precio incluido.
Los dinámicos tienden a tener más distorsión en las frecuencias agudas. Los electroestáticos son los más costosos y realistas.
Los planares magnéticos u ortodinámicos generalmente requieren de un amplificador y son más costosos pero producen menos distorsión a volúmenes altos.
Los balanceados típicos en los in-ear, no reproducen bien las frecuencias bajas.</p>
<h3>Impedancia</h3>
<p>Se mide en OHMS (Ω), a menor cantidad de OHMS se necesita menos energía para reproducir el sonido, a mayor cantidad de OHMS se necesita más energía. El rango es tan amplio como desde 16 OHMS a 600 OHMS, la calidad de sonido incrementa con la cantidad de OHMS.
Si se necesita usar un amplificador, la impedancia de los audífonos debe ser al menos 8 veces la impedancia del amplificador, por ejemplo:
Impedancia del amplificador 10 Ohm, Impedancia de audífonos 80 Ohms o más.</p>
<p>Por regla general para auriculares de entre 1-32 OHMS un smartphone es suficiente para reproducir el sonido; entre 33-100 OHMS es posible desde un smartphone pero la potencia de volumen será menor; para más de 100 OHMS se recomienda el uso de un amplificador.</p>
<h3>Sensibilidad o SPL (Sound Pressure Level)</h3>
<p>100db es una sensibilidad relativamente alta, 80dB es una sensibilidad relativamente baja.
No es una característica útil ya que cada compañía realiza las medidas de distintas maneras, por lo que los resultados que se muestran no son objetivos. Una alta sensibilidad (que en principio es mejor) en un equipo de baja gama, causa un aumento en la cantidad de ruido que filtran los componentes del equipo. Si el auricular utiliza amplificador y no son de alta calidad, también pueden generar ruido extra.</p>
<h3>Distorsión armónica</h3>
<p>Menos distorsión siempre será mejor, 1% en 100 decibeles es una buena relación.</p>
<h3>Respuesta de frecuencia o rango de frecuencia</h3>
<p>El oido humano percibe frecuencias entre 20Hz a 20.000Hz, más grave o más agudo de ese rango es poco relevante.</p>
<p>A continuación una tabla de referencia con información cruzada entre la lista de In-Ears y Over-Ears de <a href="https://crinacle.com/">Crinacle</a> y Amazon. Para cada rango de precios se lista la opción preferida en ambos listados:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/79/AuricularesMedicion.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/79/AuricularesMedicion.png" alt="lista referencia auriculares"></picture></figure>


Si eres un melómano y quieres elevar el nivel de tu escucha, ha llegado el momento de que inviertas en un buen equipo.

¿Qué auriculares me compro?

<h3>¿Qué es un músico de sesión?</h3>
<p>En pocas palabras es aquel músico que trabaja por sesión de grabación con un artista, generalmente el cantante, líder de una agrupación o productor. Este trabajo en ocasiones está planificado, lo que permite al sesionista prepararse con tiempo, pero a veces se trata de una reunión urgente, por lo que es ideal ser un músico versátil y estar preparado para cualquier imprevisto.</p>
<p>El trabajo básico para ser un músico de sesión no escapa al de un estudiante regular de música, pero tiene unos importantes añadidos que podríamos agrupar de la siguiente manera:</p>
<h3>Requisitos intelectuales</h3>
<p>•	Algo bastante obvio es que el trabajo del músico de sesión se basa mucho en la improvisación. Por lo tanto debes tener a tu disposición toda la cantidad de herramientas de conocimiento posibles, dominar la teoría, armonía, escalas, progresiones, modulaciones, etc.</p>
<p>•	El uso correcto de la tecnología es un factor importante, aprender a usar las estaciones de trabajo de audio digital (DAW) al máximo es algo que optimizará el uso del tiempo.</p>
<h3>Requisitos de grabación</h3>
<p>•	Además de dominar el proceso y conceptos de grabación como tracking y overdubs, debes conocer al extremo cuál es la función por regla general de tu instrumento específico. En algunos casos tendrás que desarrollar un estilo más rítmico, en otros casos atmosférico, melódico o de solo relleno dependiendo del artista y género musical.</p>
<p>•	Es necesario abarcar un amplio rango de posibilidades de ensamble, desde tocar a solas con un cantante o ser parte de una banda grande con más de 30 integrantes.</p>
<p>•	Debes preocuparte en conseguir un sonido versátil, desde el trabajo de los dedos mismos, independiente de cualquier elemento externo, hasta el uso de pedales y efectos sonoros que puedan incrementar tu flexibilidad en cuanto a distintos géneros musicales.</p>
<p>•	Algunos artistas pueden creer que si el resultado se obtiene demasiado rápido no es el correcto y pedirán hacer muchas variaciones. Trabaja a su ritmo, pero también graba las distintas etapas del proceso por si es necesario regresar a un momento anterior.</p>
<h3>Factores espaciales</h3>
<p>•	Debes decidir si el espacio de trabajo será en tu lugar propio o en un estudio de grabación ajeno. En el primer caso debes invertir tiempo, espacio físico y dinero en acondicionarlo correctamente para que el artista se sienta cómodo y puedan interactuar visualmente sin interrupciones. En el segundo caso debes acomodar tus equipos con suficiente tiempo en el estudio y tu posición de manera que tengas un campo de visión e interacción correctos a toda hora con el artista, productor e ingeniero de sonido.</p>
<p>•	Es importante poder comunicarse directamente y en tiempo real con el artista, poder ver sus cambios de expresión. Adaptarte si sientes que se emocionan o si lo ves incómodo.</p>
<h3>Factores psicológicos/sociales</h3>
<p>•	Como músico de sesión te encontrarás con distintas personalidades, algunos artistas querrán darte todas y cada una de las directrices, dejando el margen de improvisación al mínimo, mientras que otros te darán mucha libertad para que imprimas tu estilo a su producción.</p>
<p>•	Recuerda que cada proyecto es un mundo completamente distinto, es importante mantener la actitud de seguir intentando y profundizando en la canción.</p>
<p>•	Puede tener el caso de un artista joven que te diga que no le gusta lo que estás haciendo. En repetidas ocasiones será necesario dejar al lado el ego por un momento para recibir con serenidad críticas constructivas de quienes te rodean y proponer variaciones.</p>
<p>•	Una estrategia para mantener el ánimo del artista alto es por ejemplo comenzar trabajando en el coro de la canción. Si el coro suena grande, lleno y amplio, por ejemplo usando efectos de paneo, será más fácil conseguir el sentimiento de que se está avanzando en una canción, algo que generalmente requiere de mucho tiempo y esfuerzo.</p>
<p>Recuerda que tu objetivo final es el de descifrar exactamente lo que necesita el artista y entregárselo, que puede o no ser alguien que maneje a cabalidad la jerga musical.  Tendrás que traducir, preguntar, probar y reintentar las veces que sean necesarias, esta puede ser la clave para vivir como sesionista, por lo tanto ¡mucha paciencia!</p>


Si quieres convertirte en un músico de sesión muy completo aquí te explicamos sus detalles y los requisitos que necesitas cumplir.

¿Cómo ser un músico de sesión?

<h3>Pero, ¿qué es una Jam Session?</h3>
<p>Las Jam son sesiones de improvisación que sirven para que los músicos de todo nivel interactúen con otros en base a ciertos lineamientos básicos como pueden ser una tonalidad, una idea rítmica base o un tema de referencia.</p>
<p>La ventaja principal de este tipo de sesiones es que te obligan a dominar tu instrumento de manera práctica, desarrollar ideas musicales al instante, al tiempo que ganas experiencia y conoces nuevos músicos.</p>
<h3>Estructura de una Jam Session</h3>
<p>Generalmente una banda abre el evento con un concierto corto y empieza la sesión, los músicos de la banda base podrán tocar si no hay otros músicos en el público que los releve.</p>
<p>Las melodías de los temas se sobreentiende que las tocará un instrumento melódico; si hay varios en escena se deben repartir las voces a común acuerdo, de lo contrario algún instrumento armónico tomará el papel.</p>
<h3>Antes de la Jam</h3>
<p>•	Antes de adentrarte en el mundo de las Jam Sessions, es recomendable que seas parte del público. Fíjate en el comportamiento de otros músicos con más experiencia. Observa con qué equipos puedes contar en escena y cuáles debes llevar.</p>
<p>•	Lleva tu propio instrumento, lo mínimo necesario para que puedas conectarte y desconectarte rápidamente y ceder tu espacio a otro músico sin ocasionar retrasos.</p>
<p>•	Conoce el género o géneros musicales que se tocan a lo largo de la Jam. Generalmente, todo gira en torno a un mismo tipo de música, por lo que es posible que cada día de la semana se enfoque en un estilo diferente.</p>
<p>•	Intenta tocar con gente de tu nivel y evalúa si la Jam está por encima de tus habilidades técnicas actuales. Por ejemplo, intentar tocar siguiendo una partitura no suele estar bien visto.</p>
<p>•	Aprende los temas clásicos o standards, las canciones típicas del repertorio. Cada género musical tiene un buen puñado de canciones que se consideran imprescindibles, aprende la melodía por separado y los acordes. Si no conoces ninguna, ¡pregunta cuáles son!</p>
<p>•	Estudia los temas a distintos tempos, más rápido y más lento de lo que son originalmente.</p>
<p>•	Incluye en tu rutina de estudios distintas maneras de terminar un solo, también de comenzar (intro) y terminar (outro) la canción entera. Practica cómo dar la entrada a los temas al resto de tus compañeros de una manera bastante obvia.</p>
<p>•	Es recomendable pero no imprescindible desarrollar la lectura a primera vista por si se da la ocasión.</p>
<p>•	Programas como iReal Pro permiten practicar en casa a solas en vísperas de la siguiente Jam.</p>
<h3>Durante la Jam</h3>
<p>•	Saluda a tus compañeros de Jam siempre con una sonrisa.</p>
<p>•	Acata siempre las normas que indique el organizador u organizadores de la Jam.</p>
<p>•	Trata de no imponer temas que conozcas sino de negociar, por esta razón es importante tener varias opciones bajo la manga.</p>
<p>•	Ajusta la ecualización y volumen rápidamente, trata de no sobresalir si eres principalmente acompañante.</p>
<p>•	Es muy recomendable que no toques más de dos temas las primeras veces que participes, permite todos los músicos tengan tiempo de intervenir y escucha atentamente lo que hace el resto.</p>
<p>•	Concéntrate en escuchar mucho lo que hace cada instrumento mientras no sea tu momento de tocar o solear, reacciona cuando hacen algo inesperado o también cuando mantienen un mismo patrón por mucho tiempo.</p>
<p>•	Si conoces la estructura del tema, al final de cada vuelta sucederá algo nuevo, una nueva improvisación, tú turno, o el verdadero final.</p>
<p>•	Haz tus solos preferiblemente cortos y no interrumpas el solo de otro músico, debes desarrollar la escucha para saber cuando ha terminado el solo de otra persona.</p>
<p>•	Es típico hacer citas de trozos o secciones de solos famosos de otros músicos legendarios, pero no está bien visto tocarlos enteramente iguales.</p>
<p>•	No es necesario que todos los integrantes de la Jam hagan solos en todos los temas, el silencio también es parte importante de la música.</p>
<p>•	A veces la labor de acompañante es más que suficiente si se realiza bien, aplicando las dinámicas y haciendo que el solista brille.</p>
<h3>Luego de la Jam</h3>
<p>•	Trabaja en ampliar poco a poco tu red de músicos, de esa forma tendrás con quien practicar y con quien compartir ideas y conocimiento. La música es un mundo social donde aprendemos y enseñamos a partes iguales en todo momento.</p>


¡Aquí encontrarás los mejores consejos para adentrarte en el mundo de las Jam Sessions y salir ileso!

¿Cómo prepararme para una Jam Session?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/50/TeacherHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/50/TeacherHeader.jpg" alt="Music Teacher"></picture></figure>
<h2>Prólogo personal</h2>
<p>Una persona allegada, pianista graduado de conservatorio, logró ver una clase presencial y personal luego de muchos intentos con un pianista clásico/académico de muy alto nivel, concertista, bastante conocido en el medio a nivel internacional. Mi curiosidad de qué había aprendido durante la sesión me hizo preguntarle al respecto, a lo que me respondió que había sido la peor, si no una de las peores clases de música que había recibido en su vida.</p>
<h2>El error común</h2>
<p>Creer que porque un músico es buen ejecutante será inmediatamente un buen profesor, es algo que muchos novatos y padres asumen por error. Generalmente luego de ver a un músico lucirse en escena, el aspirante querrá lograr ese mismo nivel para también cautivar al público. Es más común de lo esperado que músicos con una habilidad muy alta e innata, generalmente no sean buenos profesores, pero ¿por qué?</p>
<p>Esos músicos que consideramos virtuosos o que tienen un control muy alto de su instrumento, tienden desde muy jóvenes a desarrollar habilidades poco comunes, con las cuales evitan los problemas técnicos a los que la mayoría de las personas nos enfrentamos en nuestro camino musical. Generalmente resolvieron muy rápidamente estas dificultades por lo que no recuerdan qué fue lo que hicieron exactamente para mejorar.</p>
<p>Por el contrario, aquellas personas que han llegado a dominar su instrumento mediante muchísimas más horas de estudio, práctica y errores, generalmente podrán compartir contigo su camino, el que les funcionó a ellos, que puede o no, funcionarte a ti.</p>
<p>Siguiendo esta lógica, los mejores profesores de música podrían ser quienes te den distintos caminos a elegir para resolver un problema y a su vez, aquellos que expliquen con paciencia conceptos que parecen muy complejos de distintas maneras hasta que logres entenderlos. Puede que no te enamores de su forma de tocar, pero seguramente sí lo harás de su forma de enseñar.</p>
<p>Es decir, hay que tener en cuenta que un buen ejecutante no necesariamente será un buen profesor y aún menos ese profesor que estás buscando. Es importante que tu personalidad y la del profesor hagan “match”, que sientas cómodo y divertido el proceso de aprender música, a veces solo lo sabrás experimentando al menos una clase.</p>
<p>Si consigues un profesor al que admiras por su forma de tocar y de enseñar ¡considérate una persona muy afortunada!</p>
<h2>¿Qué recomendamos?</h2>
<p>No temer a preguntar mucho. Recuerda que estás pagando por servicios profesionales y que el profesor trabaja para ti, no al contrario. Toma las primeras lecciones como una entrevista o un período de prueba, y fíjate como te sientes con el método que comparte esta persona.</p>
<p>No asumas que el profesor que ha funcionado para tus amigos, servirá para ti.No pierdas tiempo con un instructor con el que no te sientes bien, solo por la presión de haber sido referido por una persona en común.</p>
<p>Consigue alguien que pueda ayudarte a cumplir tus objetivos. Si quieres aprender un género musical específico, busca al profesor que lo conozca a fondo. Si quieres saber un poco de todo, también, sé directo y pregunta quién puede guiarte durante todo el camino. Si no sabes por donde quieres empezar ¡También debes decirlo! Si la respuesta del educador te hace sentir bien, de seguro has encontrado una buena opción.</p>
<p>Es importante que se especialice en tu nivel, no cualquier persona puede enseñar a principiantes, intermedios y avanzados de la mejor manera. Un profesor casi siempre se especializa en solo uno de estos grupos, y debería crear un plan de acción que se ajuste a tus necesidades.</p>
<p>No pierdas de vista que hay cosas fundamentales que todos debemos saber, no evadas las críticas de un profesor que quiere enseñarte las bases universales de tu instrumento. Mientras un profesor muy estricto puede hacer que abandones la música por completo, con uno muy descuidado tampoco llegarás lejos. Un buen profesor te explicará por qué aprender tal cuestión técnica es relevante ahora y en el futuro para que seas un mejor ejecutante.</p>
<p>Por último busca alguien que te haga disfrutar de la música, que se alegre por tu crecimiento personal y espiritual al tiempo que te empuja a romper tus propios límites.</p>
<h3>Antes de conseguir un buen profesor,  ¿qué deberías saber de ti?</h3>
<p>Tu nivel musical: principiante, intermedio o avanzado.</p>
<p>Lo que deseas aprender: leer partituras, aprender teoría, armonía, sacar canciones de oído…</p>
<p>El género musical que quieres aprender: jazz, clásica, rock, soul, blues, metal, latino, funk…</p>
<p>El lugar donde deseas aprender: en un ambiente grupal, en una institución o escuela, lecciones particulares presenciales…</p>
<p>Transporte: ¿el profesor debe ir a tu domicilio o te desplazas? De ser así ¿qué tan lejos estás dispuesto a movilizarte?</p>
<p>Online: ¿quieres aprender desde casa?</p>
<p>Frecuencia: quieres clases cada semana, mes, trimestre…</p>
<h3>¿Qué puedes preguntar a un (futuro) profesor de música?</h3>
<p>¿Cuál es su historia musical?</p>
<p>¿Prefiere enseñar estudiantes de qué edad?</p>
<p>¿Cómo ha sido su experiencia musical?</p>
<p>¿Cuánta práctica requiere diariamente?</p>
<p>¿Requiere que sus estudiantes hagan presentaciones en público?</p>
<p>¿Usa algún tipo de tecnología para sus clases?</p>
<p>¿Cuál es el costo y método/plan de pago preferido?</p>
<p>¿Ofrece una clase introductoria o período de prueba?</p>
<h3>Preguntas adicionales para los padres</h3>
<p>¿El profesor enseña varios instrumentos?</p>
<p>Muchos grandes músicos tocaron varios instrumentos hasta encontrar el que realmente querían, tu hijo puede empezar a tocar el violín porque fue el primer instrumento que tuvo a disposición o porque estaba en casa o porque lo vio en un concierto. Pero con el tiempo puede que prefiera el timbre de un instrumento “semejante” como el violonchelo, o uno completamente distinto como la guitarra eléctrica. ¡Tampoco está de más saber si el profesor incluye la voz como instrumento en sus clases! Posiblemente tu hijo quiera ser un cantante profesional.</p>
<p>¿Cómo enseña a los niños la práctica musical?</p>
<p>Preferiblemente la respuesta a esta pregunta deba estar ligada a cómo el niño aprende activamente y no a cómo los padres tienen que vigilar el tiempo de práctica del estudiante. Es importante establecer el interés del niño y lo que lo motiva a hacer música, conseguir la manera ideal de resolver los problemas técnicos y no enfocarse en la lectura musical sino en la práctica, mediante el canto, el movimiento y el baile.</p>
<h2>La visión de Lore Paz</h2>
<p>Hace poco Miki realizó una entrevista en EDB a Lore Paz, una reconocida guitarrista/bajista que comparte la labor de educación musical con nosotros. Su punto de vista es bastante claro al respecto:</p>
<p>“Las clases online están para quedarse, hasta las compañías más grandes se han concentrado en el teletrabajo. En el tiempo de pandemia hubo músicos que se especializaron en clases a distancia, tenemos muchos ejemplos de buenos profesores y plataformas entregando conocimiento y habilidades. La ventaja de esta metodología es que puedes tomar solo una, dos o tres clases, o pagar un mes de suscripción y atreverte, ya no tienes la obligación de engancharte con alguien, ir hasta su casa o sentirte esclavizado por un profesor. Puedes saltar entre páginas o profesores y eso es lo más lindo de este nuevo espacio en línea”</p>
<p>@youtube(F_ziOqQPykE)</p>


Te regalamos algunos consejos para conseguir el profesor perfecto y puedas disfrutar durante todo el proceso de aprendizaje de música.

Cómo conseguir un buen profesor de música

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/54/StudyHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/54/StudyHeader.jpg" alt="Study Header"></picture></figure>
<p>La rutina de estudios musicales, como muchas otras rutinas de vida, dependen mucho de nuestra personalidad y actividades diarias. Es complicado imponer una serie de reglas que sirvan universalmente ya que cada persona tiene objetivos musicales distintos, disponibilidad de tiempo distinta, resistencia física y mental distintas.</p>
<p>Además, estas variables se modifican con el pasar del tiempo y nuestro progreso como ejecutantes, es distinto el nivel de exigencia para un principiante que para alguien con habilidades intermedias-avanzadas.
Lo que sí es inevitable es la necesidad de ser constantes; toda clase de músico, desde los instrumentistas, cantantes, compositores, arreglistas, deben estudiar de manera regular para alcanzar nuevos niveles técnicos, musicales o de entendimiento en general.</p>
<p>Con constancia y regularidad no hablamos necesariamente de estudiar todos los días a toda hora. Para algunas personas funciona mejor estudiar media hora al día o por bloques de diez minutos; lo importante es procurar una concentración del 100% en este período, evitando al máximo cualquier distracción. Recientes estudios hechos en el Reino Unido concluyen que el ser humano promedio puede mantener su atención enfocada por un período de aproximadamente 15 a 20 minutos.</p>
<p>Una técnica que puedes utilizar para aprovechar este período es colocar una alarma a 20 minutos y concentrarte en un único objetivo durante este tiempo. Al terminar de practicar haz un descanso donde permitas a la mente divagar y vuelve a repetir con el mismo objetivo o con uno distinto si ya cumpliste el anterior. Esto entrena a la mente a enfocarse en completar una tarea antes de continuar con otras.</p>
<h2>Rutina de ejemplo: Steve Vai</h2>
<p>En 1990 el virtuoso guitarrista eléctrico Steve Vai dio a conocer al mundo su régimen de ejercicios de manera muy detallada, donde explicó una extensa rutina de 10 horas diarias que mantuvo por años y cómo la distribuía.</p>
<h3>1.	La primera hora consistía de ejercicios técnicamente incómodos:</h3>
<p>Tocar tres o cuatro notas en una cuerda y repetir en otra, pero evitando siempre las cuerdas contiguas.</p>
<p>Repetir el ejercicio a una velocidad extremadamente lenta con la ayuda del metrónomo y hacerlo a lo largo de todo el mástil del instrumento.</p>
<p>Desarrollar elasticidad al tocar notas que estén muy separadas en el mástil, dejando la menor separación posible entre el sonido de una y otra. Aquí es importante evitar cualquier sensación de dolor; el dolor siempre es una advertencia de que debemos pausar la sesión.</p>
<p>A veces trabajaría en otras técnicas como el vibrato, hammer-on y pull-offs, trinos, etc…</p>
<h3>2.	La segunda hora es de escalas.</h3>
<p>Tocar las 12 escalas mayores a distintas velocidades.</p>
<p>Tocar los modos griegos con distintos patrones de intervalos. Aquí sugiero escuchar la nota base de la escala como nota pedal mientras se realiza este ejercicio, para así interiorizar al máximo el sonido del modo en cuestión.</p>
<p>Tocar las escalas desde la nota más grave hasta la más aguda posible del mástil, pero sin seguir una posición ni una secuencia en particular. De esta manera se desarrolla el movimiento en diagonal en vez de vertical y una conexión estrecha entre el oído y los dedos.</p>
<h3>3.	La tercera hora es de acordes.</h3>
<p>Tocar standards del real book.</p>
<p>Experimentar con acordes y voicings inusuales.</p>
<p>Crear un groove rítmico sobre un solo acorde e improvisar encima.</p>
<p>Estas tres horas eran repetidas tres veces al día para completar 9 horas, haciendo de vez en cuando algunas variaciones.</p>
<h3>4.	La última hora del día era de sensibilidad.</h3>
<p>Lo primero que hacía era olvidar todo lo que había estudiado durante el día.</p>
<p>Improvisar, tratando de tocar con la mayor sensibilidad posible.</p>
<p>Tratar de reproducir frases habladas con la guitarra (un ejemplo fenomenal de esto puede escucharse en la canción “The Dangerous Kitchen” de Frank Zappa)</p>
<p>@youtube(RPR149vOsls)</p>
<p>Al emular la voz con el instrumento, podemos llegar al punto de hablar con nosotros mismos, de decirnos cosas que solo nosotros podemos comprender, que pertenecen a nuestro mundo interno, y exteriorizarlas mediante nuestro instrumento. Esto sin duda ayuda a desarrollar un lenguaje propio, uno que no se produce desde la pura intelectualidad musical.</p>
<h2>¿Qué piensan al respecto otros músicos profesionales?</h2>
<p>A continuación, compartimos algunas reflexiones de distintos músicos consagrados sobre la importancia de la práctica y de cómo afrontar una rutina de estudios saludable. Al contrastarlas te darás cuenta de que hay elementos en común pero no todos comparten exactamente el mismo enfoque.</p>
<h2>Víctor Wooten (bajista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/55/Wooten.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/55/Wooten.jpg" alt="Wooten"></picture></figure>
<p>“Es más importante disfrutar de lo que estás aprendiendo y practicando, que lograrlo más rápido que los demás”</p>
<p>“La belleza del alfabeto musical A, B, C, D, E, F, G, no es usarlo en orden, sino en desorden. Ahí es donde viene el crecimiento, en la exploración y mezcla de estas letras. Al igual que tomamos las letras del alfabeto y creamos palabras para expresarnos, lo hacemos con la música.”</p>
<p>“No aprendes a hablar estudiando en un cuarto, aprendes a hablar literalmente haciéndolo, junto a otras personas, igual con la música”</p>
<p>“La ciencia defiende la posibilidad de que estudiar por períodos cortos sea mejor, porque el momento real en el que aprendes, es en el descanso, cuando dejas de estudiar”</p>
<p>“Algunas de las preguntas que me hago al estudiar conceptos básicos como escalas son: ¿Puedo hacer que una escala mayor suene funky? ¿Puedo hacer que una escala suene a swing? ¿Puedo hacer que suene a blues? ¿Puedo hacer que suene a metal o progresivo? Así te darás cuenta de que los géneros musicales no tienen tanto que ver con qué notas tocas sino como se siente o haces sentir a los demás con ellas”</p>
<h2>Joe Dart (bajista - Vulfpeck)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/56/Dart.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/56/Dart.png" alt="Dart"></picture></figure>
<p>“Trabajo regularmente algo de velocidad, destreza y resistencia, pero siempre pienso en el pulso y el groove. Cuando me preguntan acerca de un rudimento importante para practicar, es el pulso, trato de pensar como un baterista mientras toco”</p>
<p>“Al ser bajista siento cierta responsabilidad, porque mientras otros instrumentos pueden parar y continuar, el bajo tiene que seguir sonando; si el bajo se detiene, todos lo notan. Mi trabajo es groovear y mantener la base para el resto de la banda, algo que me encanta”</p>
<h2>Jaco Pastorious (bajista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/57/Jaco.jpeg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/57/Jaco.jpeg" alt="Pastorius"></picture></figure>
<p>“Mantengan sus mentes abiertas, la primera vez que vine a New York, todos querían tocar jazz, nadie sabía de rock n' roll, de funk, de nada, ahora en New York está bien tocar de todo. En Florida donde crecí tuve la oportunidad de tocar con todo tipo de músicos, toqué hasta en bandas de country y me encantó. Mantengan los oídos abiertos, es mi único consejo”</p>
<h2>Flea (bajista – Red Hot Chili Peppers)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/58/Flea.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/58/Flea.jpg" alt="Flea"></picture></figure>
<p>“Algo que trato de emular de los bajistas que admiro es que, aunque estén tocando líneas simples siempre puedes escuchar sutilezas que hacen toda la diferencia. Estoy seguro de que no lo hacen por el simple hecho de lucirse, sino porque reaccionan a lo que hace el resto de la banda, y logran que el todo se escuche mucho mejor”</p>
<h2>Michael Brecker (saxofonista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/59/Brecker.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/59/Brecker.png" alt="Brecker"></picture></figure>
<p>“Tomo cualquier idea melódica y la toco en todas las tonalidades, empiezo en la nota más grave del instrumento y llego tan agudo como puedo. Es posible que las frases no suenen bien en todas las tonalidades, o en el registro agudo o grave, pero igualmente las estudio, me parece productivo practicar de esa manera”</p>
<p>“Si tienes que escribir la frase o idea, hazlo en una sola tonalidad. Apréndela de oído, relacionándola con la escala o grados de los acordes; si la escribes en cada tonalidad nunca te la aprenderás realmente”</p>
<p>“No soy de esas personas que tiene una memoria perfecta de lo que estudio, a veces me aprendo un lick de algún músico que admiro, y luego de dos meses lo olvido. Pero luego reaparece en mis improvisaciones de una manera completamente modificada. Me convencí a mí mismo de que a pesar de no recordar exactamente muchas frases, se manifestarían en mi psique. La música para mí es muy intuitiva, no soy un ejecutante intelectual, mi mente no funciona así”</p>
<h2>Chris Potter (saxofonista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/60/Potter.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/60/Potter.jpg" alt="Potter"></picture></figure>
<p>“No soy del tipo de persona que dice, voy a estudiar por 2 horas, 15 minutos esto, después esto, después esto. Nunca lo he hecho así, para mí se trata más de un flujo de ideas, busco mis limitaciones e invento cualquier manera de sobrepasarlas”</p>
<p>“El proceso más duradero por el que he pasado implicó escuchar muchos discos una y otra vez, tratando de imitar lo que escuchaba lo más parecido posible, así de simple. Desde discos de jazz hasta la consagración de la primavera de Stravinsky o ritmos de tabla india, siempre trato de hacer música a partir de cualquier fuente”</p>
<p>“No recuerdo haber transcrito muchos solos, simplemente tocaba una y otra vez encima de las pistas, tratando de adoptar el lenguaje como hace cualquier niño. No hablas pensando ‘debo decir este verbo en participio pasado’, simplemente lo haces, porque si lo piensas mucho se te escapa la oportunidad de hablar”</p>
<h2>Steve Vai (guitarrista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/61/Vai.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/61/Vai.jpg" alt="Vai"></picture></figure>
<p>“No creo que exista una regla de oro, si tratas de hacer lo que alguien más dice que es una regla de oro, puede que actúes en contra de tu buen juicio, la mayoría del tiempo la innovación aparece cuando las personas rompen las reglas”</p>
<p>“Si tuviera que dar una regla de oro sería: no tomes lo que nadie te dice por sentado, la música es una forma de arte, una expresión propia, debes hacer las cosas a tu manera. Es muy importante escuchar lo que otros han aprendido y les ha funcionado, pero no debes dejarte llevar por completo, porque empezarás a sonar como alguien más y perderás tu identidad musical en el proceso”</p>
<p>“Podría decirte ‘toca desde el corazón’, pero eso ¿qué significa? Creo que significa ‘toca desde tu propio corazón’. Para conocer que hay en tu corazón, tienes que conocerte a ti mismo, y para conocerte tienes que ser tú mismo”</p>
<p>“El trabajo técnico es muy importante, siempre he tratado de balancear lo técnico con lo emocional y me he dado cuenta de que, una vez que mis habilidades motoras están pulidas, es mucho más fácil expresarme. Lo que debes evitar es dejarte llevar únicamente por estas habilidades, de lo contrario se pierde de vista la razón por la cual estudias técnica en un principio, que es la de comunicar”</p>
<p>Te recordamos que en nuestro artículo anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/en-que-se-diferencia-un-bajo-activo-de-un-bajo-pasivo">la diferencia entre el bajo pasivo y activo</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Comparamos aproximaciones de distintos músicos consagrados sobre la práctica y el estudio de la música en general.

Cómo crear una rutina de estudios

<p>Hay una serie de preguntas muy comunes entre personas que se inician en el mundo del bajo eléctrico: ¿Cuál es la diferencia entre un bajo pasivo y un bajo con sistema activo? ¿En qué afecta esto a la hora de elegir un bajo? ¿Afecta mi manera de tocar? A continuación resolveremos todas estas dudas.</p>
<h2>El bajo con sistema pasivo</h2>
<p>Al hablar de un sistema o circuito pasivo, nos referimos al primer sistema interno que tenían los bajos eléctricos en su construcción hasta los años 70. Usamos el adjetivo pasivo específicamente cuando el sistema no necesita de energía externa para funcionar.</p>
<p>El sistema pasivo tiene un control de volumen y uno de tono. Esto no es más que un filtro pasa-bajos o low pass que permite reducir agudos, una especie de ecualización sustractiva sencilla. En algunos sistemas pasivos como el PTB de Fender existe además un filtro pasa-altos o high pass que permitiría elegir entre reducir agudos o reducir bajos. La palabra clave en este caso es “reducir”.</p>
<p>El modelo Fender Precision es un ejemplo típico de un bajo con sistema pasivo, con un micrófono (aunque esté dividido, es un solo micrófono), un control de volumen y un control de tono.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/64/precisionbass.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/64/precisionbass.png" alt="Fender Precision"></picture></figure>
<p>El modelo Fender Jazz Bass también es un bajo con sistema pasivo. En este caso posee dos micrófonos, un control de volumen por cada micrófono y un control de tono que afecta en paralelo o simultáneamente ambos micrófonos.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/65/jazzbass.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/65/jazzbass.png" alt="Fender Jazz Bass"></picture></figure>
<p>Como curiosidad, existe un sistema pasivo de la compañía Villex que puede aumentar frecuencias. El truco está en que para poder aumentar de manera pasiva alguna frecuencia, debe “robar” energía de otras frecuencias cercanas. Por lo que, en realidad, el rango tonal del instrumento se reduce de alguna manera.</p>
<h2>¿Cómo es el bajo con sistema activo?</h2>
<p>El sistema activo se empezó a popularizar a partir de 1972, gracias a la compañía Alembic. Tal sistema permite una mejor ecualización y pre-amplificación del sonido desde el mismo instrumento. Usamos el adjetivo activo para todo lo que necesite energía externa para funcionar, en el caso del bajo eléctrico se utilizan baterías de 9V.</p>
<p>La recomendación principal al usar este tipo de sistema es desconectar el cable del instrumento cuando no lo usemos porque consume la batería mientras se encuentre conectado, aunque no lo estemos tocando.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/62/9v.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/62/9v.jpg" alt="Batería 9V"></picture></figure>
<p>La principal diferencia respecto al bajo con sistema pasivo es que además de reducir frecuencias, permite aumentarlas. Esta modificación permite mayor control en la ecualización que en el sistema pasivo. Se realiza mediante otros controles (por eso tendremos más controles en el cuerpo del bajo) y podrá ser generalmente de dos bandas, graves y agudos; o de tres bandas, graves, medios y agudos.</p>
<p>Hay dos configuraciones básicas del bajo con sistema activo:</p>
<p>Micrófonos pasivos + preamplificador activo: es por norma general lo que se conoce como bajo activo, el preamplificador se encuentra dentro del instrumento pero aparte de los micrófonos. Pueden tener un botón para cambiar del sistema pasivo al sistema activo o viceversa.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/67/IbanezSR300E.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/67/IbanezSR300E.jpg" alt="Bajo micrófono pasivo"></picture></figure>
<p>Micrófonos activos: donde el preamplificador está incluido dentro del armazón del micrófono. No tienen el switch para cambiar del sistema pasivo al sistema activo o viceversa. Típicamente, producen mayores frecuencias graves y agudas que los micrófonos pasivos, además de compresión.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/66/Dead4EMG.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/66/Dead4EMG.png" alt="Bajo micrófono activo"></picture></figure>
<p>Cabe destacar que el sonido del bajo siempre se tornará activo en algún momento de la cadena de sonido (ya sea en el punto en que se utilice un buffer, algún otro pedal o al llegar al amplificador), ya que todos estos equipos necesitan de energía externa para funcionar. Cuando hablamos de sistema pasivo o activo, hablamos del sistema interno del bajo.</p>
<h2>Ventajas y desventajas del bajo pasivo y del bajo con sistema activo</h2>
<h3>Ventajas del bajo con sistema pasivo</h3>
<p>No tendrás problemas con baterías para que funcione.</p>
<p>A niveles de señal altos, el clipeo o distorsión no es tan agresivo como en el sistema activo.</p>
<p>La interacción entre los micrófonos, el cable y el amplificador crea un tono particularmente deseable para algunas personas.</p>
<p>Es perfecto si deseas recrear un estilo musical donde se utilizaban este tipo de bajos.</p>
<h3>Desventajas del bajo con sistema pasivo</h3>
<p>Puedes perder agudos, especialmente al utilizar cables de más de tres metros de longitud (se puede utilizar un cable corto y un buffer para resolverlo).</p>
<p>Es posible que la señal llegue a su destino débil y con cierto nivel de ruido.</p>
<p>Un solo control de tono no permite gran modificación de las frecuencias.</p>
<h3>Ventajas del bajo con sistema activo</h3>
<p>No hay problemas con cables largos</p>
<p>Si posee switch para cambiar entre los sistemas, puedes cambiar drásticamente el sonido sin cambiar la ecualización.</p>
<p>Además, podrás cambiar la ecualización del instrumento sin utilizar los controles del amplificador.</p>
<p>El nivel de ruido que genera la señal es más bajo que en el sistema pasivo.</p>
<p>Ofrece un mayor rango de frecuencias a modificar, preferible para la música moderna.</p>
<h3>Desventajas del bajo con sistema activo</h3>
<p>Necesitas baterías y conocer el nivel de carga de las mismas (por lo general dan múltiples avisos en los niveles bajos de carga).</p>
<p>Algunos pedales sin ganancia de entrada o input gain pueden no reaccionar bien a la señal de estos sistemas.</p>
<h2>Curiosidad</h2>
<p>¿Qué crees que se puede hacer con los controles de este bajo?</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/63/knobfest.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/63/knobfest.png" alt="Bajo Alembic"></picture></figure>
<p>Te recordamos que en nuestro artículo anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/tutorial-para-crear-archivos-ireal-pro">cómo crear archivos para la apliación iReal Pro</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


¿Cuál es la diferencia entre un bajo pasivo y un bajo con sistema activo? ¿En qué afecta esto a la hora de elegir un bajo? ¿Afecta mi manera de tocar?

Diferencia bajo activo y pasivo

¿En qué se diferencia un bajo activo de un bajo pasivo?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/47/iRealProHeader.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/47/iRealProHeader.png" alt="iRealPro"></picture></figure>
<p>iReal Pro es una aplicación de la compañía Technimo utilizado por muchos músicos en sus rutinas de estudio. La app permite crear y coleccionar partituras de acordes y es utilizada por miles de estudiantes de música en todo el mundo.</p>
<p>Hoy te traemos un tutorial para crear archivos iReal Pro y sacarle el mayor partido a esta app.</p>
<h2>¿Qué son los archivos iReal Pro?</h2>
<p>Los archivos iReal Pro contienen lenguaje HTML, el mismo que se utiliza en la creación de páginas web. En este lenguaje se utilizan etiquetas para comenzar y para finalizar instrucciones.
La etiqueta principal en este tipo de archivos es la “a” que define un hipervínculo, se utiliza &lt; a &gt; para abrir el hipervínculo y &lt;/ a &gt; para cerrarlo. El texto que se encuentre entre las dos etiquetas será el texto del hipervínculo:</p>
<p>&lt; a &gt;Hipervínculo&lt;/ a &gt;</p>
<p>Para añadir un destino al hipervínculo, necesitamos añadir el atributo href. Por ejemplo, hagamos un hipervínculo que nos lleve a la página de Escuela de Música:</p>
<p>&lt; a href=&quot;https://www.escuelademusica.com&quot;&gt;Escuela de Música&lt;/ a &gt;</p>
<p>Para poder visualizar este archivo tenemos que guardarlo como un archivo HTML. La explicación está al final de este artículo en la sección “Crear el archivo HTML”.</p>
<p>Para que el hipervínculo no se dirija a una página web sino al programa iReal Pro debemos modificar el atributo href de la siguiente manera:</p>
<p>&lt; a href=&quot;irealbook://Título=Apellido Nombre=Estilo=Tonalidad=n=Progresión&quot;&gt;Título&lt;/ a &gt;</p>
<p>¿Demasiado complicado? No te preocupes, ¡vamos a examinarlo por partes!</p>
<h2>La estructura de los archivos iReal Pro</h2>
<p>Después del identificador irealbook://, tenemos seis componentes separados por el signo de igual “=”:</p>
<h3>Título</h3>
<p>El título de la canción.</p>
<h3>Apellido Nombre</h3>
<p>Apellido y nombre del compositor con un espacio de por medio, se coloca el apellido primero porque es como lo clasifica iReal Pro internamente.</p>
<h3>Estilo</h3>
<p>escripción corta del estilo para clasificarlo dentro de iReal Pro.
Tonalidad: tonalidad de la canción.</p>
<h3>n</h3>
<p>n es un parámetro que ya no se usa, pero necesario para que el programa identifique correctamente el archivo.</p>
<h3>Progresión</h3>
<p>La progresión de acordes de la canción, aquí se encuentra el grueso del archivo.</p>
<p>Para el primer ejemplo, utilizaremos la lección <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/blues/estructura-basica-blues">Estructura Básica del Blues</a> de Escuela de Bajistas, donde tenemos una estructura de 12 compases, cada compás de 4 pulsos. Sin la progresión de acordes, el archivo quedaría:</p>
<p>&lt; a href=&quot;irealbook://Estructura Básica del Blues=Santamaria Miki=Blues=C=n=&quot;&gt;Estructura Básica del Blues&lt;/ a &gt;</p>
<h2>Cómo crear la progresión de acordes</h2>
<p>La mayor parte de nuestro archivo iReal Pro contiene la progresión de acordes, con las siguientes simbologías:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/20/conversions/irealbarradecompas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/20/irealbarradecompas.png" alt="iReal barras de compás"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/21/conversions/irealindicacioncompas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/21/irealindicacioncompas.png" alt="iReal indicación compás"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/22/conversions/irealacordes-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/22/irealacordes.png" alt="iReal acordes permitidos"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/23/conversions/irealrepeticion-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/23/irealrepeticion.png" alt="iReal símbolos de repetición"></picture></figure>
<p>Para crear nuestra estructura de blues, tendríamos que insertar la siguiente progresión en el archivo:</p>
<p>{T44C7   |C7   |C7   |C7   |F7   |F7   |C7   |C7   |G7   |G7   |C7   |C7   }</p>
<p>Otra alternativa utilizando los símbolos de repetición, sería la siguiente:</p>
<p>{T44C7   |x   |x   |x   |F7   |x   |C7   |x   |G7   |x   |C7   |x   }</p>
<p>Es importante dejar cierta cantidad de espacios entre el acorde y la barra de compás para visualizar correctamente la partitura. En este caso hemos dejado tres (3) espacios en blanco siempre.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/24/conversions/irealbienmal-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/24/irealbienmal.png" alt="iReal correcto - incorrecto"></picture></figure>
<p>El archivo HTML completo tendría la siguiente cadena de texto:
&lt; a href=&quot;irealbook://Estructura Básica del Blues=Santamaria Miki=Blues=C=n={T44C7   |C7   |C7   |C7   |F7   |F7   |C7   |C7   |G7   |G7   |C7   |C7   }&quot;&gt;Estructura Básica del Blues&lt;/ a &gt;</p>
<p>La manera alternativa es:</p>
<p>&lt; a href=&quot;irealbook://Estructura Básica del Blues=Santamaria Miki=Blues=C=n={T44C7   |x   |x   |x   |F7   |x   |C7   |x   |G7   |x   |C7   |x   }&quot;&gt;Estructura Básica del Blues&lt;/ a &gt;</p>
<h2>Cómo crear el archivo HTML</h2>
<p>En Windows, podemos abrir el bloc de notas, escribir el código y al guardar cambiamos en la sección tipo de Documento de texto (<em>.txt), a Todos los archivos (</em>.*). Escribimos el nombre del archivo y al final agregamos “.html” sin las comillas.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/85/blocdenotasguardar.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/85/blocdenotasguardar.png" alt="Guardar sin formato Windows"></picture></figure>
<p>En Mac, abrimos TextEdit, seleccionamos Archivo &gt; Nuevo y luego Formato &gt; Convertir a texto sin formato. Escribimos el código, guardamos el archivo con el nombre del archivo seguido de la extensión “.html” sin las comillas. Cuando se te pregunte sobre la extensión, haz clic en “Usar .html”.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/86/textosinformatomac.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/86/textosinformatomac.png" alt="Guardar sin formato MAC"></picture></figure>
<p>Después de crear el archivo, podemos copiarlo en el dispositivo donde tengamos instalada la aplicación iReal Pro. Al abrirlo, por regla general, el dispositivo nos dará la opción de verlo directamente en iReal Pro.</p>
<p>Esperamos que te haya sido de utilidad este tutorial para crear archivos iReal Pro y que le saques todo el partido a la app en tu aprendizaje como músico.</p>
<p>Te invitamos a darle un vistazo al artículo anterior donde te enseñamos a <a href="https://escuelademusica.com/articulos/lectura-musical-i">leer partituras por primera vez</a></p>


Hoy te traemos un tutorial para crear archivos iReal Pro y sacarle el mayor partido a esta app.

Tutorial para crear archivos iReal Pro

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/49/ReadMusicHeader.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/49/ReadMusicHeader.png" alt="Read Music"></picture></figure>
<p>Saber leer partituras no es algo imprescindible a la hora de tocar un instrumento, pero sí es una de las tantas habilidades que nos hará ser músicos más completos.</p>
<p>Al desarrollar suficientemente la lectura musical, podremos tocar un tema a primera vista, componer y transmitir de manera más fiel nuestras ideas a otro músico o grupo musical. En general, la lectura musical nos posibilita comunicarnos con otros músicos con la menor ambigüedad posible.</p>
<h2>El lenguaje de la música</h2>
<p>Para comenzar a aprender sobre lectura musical, repasaremos algunos conceptos básicos: el pentagrama, las figuras musicales, las claves de sol y fa, etc.</p>
<p>El pentagrama es como un lienzo de cinco líneas horizontales donde se escribe la música:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/10/conversions/pentagrama-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/10/pentagrama.png" alt="Pentagrama"></picture></figure>
<p>El pentagrama se conforma de 5 líneas y 4 espacios interiores:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/9/conversions/pentagrama2-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/9/pentagrama2.png" alt="lineasyespacios"></picture></figure>
<p>En este pentagrama podemos escribir distintas figuras musicales que, dependiendo de su aspecto, tienen distintas duraciones:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/11/conversions/figuras-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/11/figuras.png" alt="Figuras de notas"></picture></figure>
<p>Si nos damos cuenta, todas las figuras musicales tienen algo en común, un círculo que llamamos núcleo. Este núcleo puede situarse en el pentagrama, tanto en las líneas como en los espacios y dependiendo de esa altura cambia su nombre:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/12/conversions/figurasenpentagrama-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/12/figurasenpentagrama.png" alt="Figuras en pentagrama"></picture></figure>
<p>El último detalle para conocer el nombre exacto de las notas sobre el pentagrama son unos símbolos que llamamos claves y se colocan al inicio del pentagrama, en el extremo izquierdo.</p>
<p>Típicamente usamos la clave de sol para instrumentos agudos (guitarra, flauta, violín) y la clave de fa para instrumentos graves (bajo, trombón, fagot).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/13/conversions/claves-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/13/claves.png" alt="Claves de sol y fa"></picture></figure>
<p>En instrumentos como el piano que tienen ambos registros, usamos dos pentagramas, el superior con clave de sol para la mano derecha y el inferior con clave de fa para la mano izquierda.</p>
<p>El “apellido” de las claves (fa, sol) se debe a que le dan este nombre a la línea donde se escriben, y a partir de allí toman el nombre el resto de líneas y espacios (ascendentes y descendentes).</p>
<p>Por esta razón es muy importante aprender y dominar el nombre de las notas de manera ascendente:</p>
<p>Do, re, mi, fa, sol, la, si, do, re, mi…</p>
<p>Pero también de manera descendente:</p>
<p>Do, si, la, sol, fa, mi, re, do, si, la…</p>
<h2>Ejercicios de lectura músical</h2>
<p>Ejercicio #1: di el nombre de las notas en orden ascendente, empezando desde do. Luego empezando desde sol. Después desde re, desde la, desde mi, desde si y desde fa.</p>
<p>Ejercicio #2: ahora di el nombre de las notas en orden descendente desde do, desde sol, desde re, desde la, desde mi, desde si y desde fa. Este puede ser más complicado que el primero, pero es solo cuestión de práctica.</p>
<h3>Nombre de las notas en la clave de sol</h3>
<p>Si ya conoces el nombre de las notas ascendentes y descendentes desde sol, podemos leer las notas del pentagrama en la clave de sol. Fíjate que la nota base, está escrita en la segunda línea del pentagrama y de ahí toman el nombre las demás.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/14/conversions/clavesolnombres-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/14/clavesolnombres.png" alt="Notas clave de sol"></picture></figure>
<h3>Nombre de las notas en la clave de fa</h3>
<p>Después de practicar las notas ascendentes y descendentes desde fa, podemos leer las notas del pentagrama en la clave de fa. La nota base, está escrita en la cuarta línea del pentagrama y de ahí toman el nombre las demás.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/15/conversions/clavefanombres-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/15/clavefanombres.png" alt="Notas en clave de fa"></picture></figure>
<p>Reconoce que para movernos entre dos notas inmediatas, ya sea de manera ascendente o descendente, alternamos entre figuras escritas en las líneas y figuras escritas en los espacios.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/16/conversions/notasalternadas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/16/notasalternadas.png" alt="Notas alternadas"></picture></figure>
<p>Además, podemos escribir notas fuera de los límites del pentagrama usando líneas adicionales.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/17/conversions/lineasadicionales-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/17/lineasadicionales.png" alt="Líneas adicionales"></picture></figure>
<p>Para cerrar esta primera lección de lectura podemos concluir que para saber el nombre de una nota en el pentagrama, necesitamos saber al menos dos cosas: en qué línea o espacio se encuentra y qué clave se ha utilizado. Por lo tanto, en un pentagrama sin clave al inicio las notas no tienen nombre.</p>
<p>Ejercicio #3: escribe los nombres de las siguientes notas, trata de ver lo menos posible la referencia de arriba, concéntrate mientras cuentas la distancia entre las notas.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/18/conversions/ejercicioclavefa-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/18/ejercicioclavefa.png" alt="Ejercicio clave de fa"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/19/conversions/ejercicioclavesol-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/19/ejercicioclavesol.png" alt="Ejercicio clave de sol"></picture></figure>
<p>¡En el próximo artículo te enseñaremos algunos trucos para leer más rápidamente, pero no dejes de repetir estos tres ejercicios hasta que los domines!</p>


Saber leer partituras no es algo completamente necesario para tocar música, pero sí es una de tantas habilidades que nos hacen ser músicos más completos.

Lectura Musical I

Cómo leer partituras: Ejercicios de lectura musical para principiantes

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/53/MetronomeHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/53/MetronomeHeader.jpg" alt="Metrónomo Animado"></picture></figure>
<h2>¿Qué es el metrónomo?</h2>
<p>El metrónomo es un instrumento que utilizamos para medir el tiempo o el pulso en la música. En el pasado, era un aparato con una especie de péndulo que se encendía directamente al moverse hacia un costado y oscilaba de manera regular, produciendo un “tic” o sonido corto y brillante con cada oscilación.</p>
<p>En el cuerpo del metrónomo había una leyenda que indicaba la altura a la que debíamos mover verticalmente el peso para aumentar o disminuir la velocidad de la oscilación. Esta velocidad está medida en BPM o Beats Per Minute, o Batidos Por Minuto.</p>
<p>En la actualidad, los metrónomos han evolucionado a la era digital y se pueden descargar en ordenadores o teléfonos móviles, donde su funcionamiento es idéntico al de un reloj digital, pero con la ventaja de que podemos variar la velocidad de cada “tic”.</p>
<p>La relación es sencilla: 60 BPM significa 60 tics o 60 sonidos regulares por minuto, lo que es igual a la duración de un segundo. Si aumentamos los BPM tendríamos más tics por minuto o una velocidad más rápida. Si disminuimos los BPM tendríamos menos tics por minuto o una velocidad más lenta.</p>
<p>Para tener una referencia muy superficial, podemos decir que la música de velocidades más lentas se sitúa hasta los 80BPM. La música de velocidades medias oscila entre 80 y 120BPM y la música de velocidades más rápidas va de 120BPM en adelante. Hay géneros como la música electrónica donde la diferencia de BPM puede ser la diferencia entre un subgénero y otro.</p>
<p>CURIOSIDAD: en condiciones normales, los latidos del corazón de un ser humano se encuentran entre los 60 y 100 BPM. Se ha demostrado que la velocidad de la música que escuchamos o tocamos puede afectar nuestra frecuencia cardíaca. ¡Todo está conectado!</p>
<h2>¿Para qué sirve el metrónomo?</h2>
<p>La práctica musical incluye varios procesos simultáneos. Por ejemplo: sincronizar el movimiento de brazos, dedos, enfocar la vista y, a veces, moderar la velocidad de nuestra respiración al interpretar una pieza musical.</p>
<p>Para cualquier persona principiante en la música, es complicado estar completamente alerta de todo lo que sucede en el cuerpo al practicar. En estos casos, el metrónomo representa una ayuda que permite que un elemento externo nos “diga” con exactitud si estamos en el lugar correcto del compás, o si estamos acentuando correctamente un ritmo.</p>
<p>Por lo tanto, es completamente normal que al usar el metrónomo las primeras veces toquemos más rápido o más lento de lo que debemos. Nuestra mente y cuerpo se deben acostumbrar a predecir lo más exactamente posible cuando caerá el próximo “tic”, y esto se logra después de mucho tiempo de práctica.</p>
<p>La velocidad con que toquemos puede depender de nuestro estado de ánimo y de la velocidad de los latidos del corazón. El metrónomo nos ayuda a recordar la velocidad exacta a la que regularmente tocamos una canción para poder evaluar internamente si estamos acelerados o aletargados.</p>
<p>La práctica con metrónomo es comparable a presentarnos en público, donde solo tenemos una oportunidad de tocar nuestra canción lo mejor posible. El metrónomo nos produce la sensación de que cuando empezamos el pasaje, tenemos que terminarlo a como dé lugar.</p>
<p>Cuando no controlamos la velocidad, tendemos a tocar las notas rápidas con menos duración de lo que realmente son y las notas largas con mayor duración de la que deberían tener. El metrónomo nos ayuda a conseguir un punto medio, a equilibrar y controlar este problema, pudiendo estudiar una pieza rápida desde una velocidad lenta y subir los BPM muy poco a poco.</p>
<h2>Precauciones al usar el metrónomo</h2>
<p>Todos tenemos ciertas velocidades con las que nos sentimos más cómodos. Por lo tanto, en un principio es mejor no forzar velocidades muy rápidas o muy lentas, ambas son bastante difíciles de controlar.</p>
<p>El metrónomo puede generar un sentimiento de nerviosismo o ansiedad, esto es algo normal que con la práctica toleraremos cada vez mejor.</p>
<p>Las velocidades rápidas tienden a tensar los músculos, por lo que es muy importante ser conscientes del estado de nuestro cuerpo en cuanto a la tensión que generamos. Para esto, podríamos aplicar rutinas como la técnica de Jacobson (relajación muscular progresiva).</p>
<h2>Consejos para practicar con metrónomo</h2>
<h3>Conocer la pieza que vamos a tocar</h3>
<p>Antes de practicar cualquier pieza con metrónomo, debemos saber qué notas vamos a tocar, en qué orden, y poder movernos fluidamente entre cada una de ellas. El papel del metrónomo es obligarnos a tocar un pasaje de principio a fin sin dudar, donde cada nota se mantenga sonando durante su valor exacto. Si nos equivocamos, debemos volver al inicio hasta lograr tocar el pasaje sin interrupciones y sin tensión muscular.</p>
<h3>Practicar las canciones a la velocidad correcta</h3>
<p>Practicar las canciones a la velocidad en que podamos tocar de manera fluida la parte más complicada de la pieza. Esto nos obligará a que, si deseamos aumentar la velocidad, debamos poner más empeño en la parte técnicamente más exigente</p>
<h3>Usar distintas acentuaciones del metrónomo</h3>
<p>Después de usar el metrónomo con el acento en el pulso 1 del compás (el pulso fuerte), es recomendable usar distintas acentuaciones del metrónomo. Por ejemplo, en los pulsos 1 y 3, solo en el pulso 3, y uno más complejo con acentos en los pulsos 2 y 4.</p>
<h3>Aprender a tocar a una velocidad más rápida de lo que la pieza requiere</h3>
<p>Si nuestra técnica y relajación nos lo permiten, aprender la pieza musical a una velocidad más rápida de lo que debería ser es una buena opción. De esta manera, cuando la toquemos más lenta, psicológicamente todo cambiará. Sentiremos que los reflejos de nuestra mente y cuerpo se agudizan.</p>
<h3>Practica este ejercicio de alto nivel</h3>
<p>Inicia el metrónomo, internaliza la velocidad y luego baja el volumen del mismo hasta que no escuches los tics. Sigue contando mentalmente por unos 5 segundos, sube el volumen y comprueba si lo has hecho bien. Cada vez que lo controles, aumenta el rango de tiempo en silencio lo máximo que puedas.</p>
<h2>¿Qué metrónomo recomendamos?</h2>
<p>El metrónomo de la compañía <a href="https://www.soundbrenner.com/the-metronome-app/">Soundbrenner</a> es gratuito y se puede utilizar en dispositivos Windows, Apple y Android. Tiene un amplio rango de velocidades, desde 20bpm hasta 400bpm y tap tempo. Permite usar cualquier clase de indicación de compás, desde la típica 4/4 hasta otras más complejas como 15/8, añadiendo más que suficientes opciones de subdivisión. Por último, permite guardar los ritmos, agruparlos en listas de reproducción y cargarlos en el momento que necesitemos.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/6/conversions/metronome-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/6/metronome.png" alt="Metrónomo de Soundbrenner"></picture></figure>
<h2>Reflexión final</h2>
<p>El fin último del estudio con metrónomo no es otro que el de internalizar el pulso musical y desprendernos de él. En la mayoría de situaciones de la vida real, un músico empleará el metrónomo en contadas ocasiones. Además, la música necesita de ciertas variaciones de velocidad para que se sienta viva y real. Es mucho más importante y valiosa la conexión entre los integrantes de un grupo musical (ya sea que aceleren o desaceleren el pulso, siempre juntos) que la rigidez robótica de un metrónomo. Esas pequeñas variaciones de velocidades y dinámicas son las que llenan de humanidad a la música, separándonos de la música hecha exclusivamente por computadoras.</p>
<p>Te recordamos que en nuestro artículo anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-superar-miedo-escenico">el miedo escénico y técnicas que usan distintos músicos para superarlo</a></p>


¡Te damos todos los tips para que uses el metrónomo de manera correcta y sea tu mejor amigo de ahora en adelante!

¿Qué es y para qué sirve el metrónomo?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/52/FrightHeader.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/52/FrightHeader.png" alt="Fright Header"></picture></figure>
<h2>¿Eres músico y sufres miedo escénico?</h2>
<p>Si es así, no estás solo. El miedo escénico puede afectar a cualquier músico en cualquier momento de su carrera, independientemente de las habilidades o de la experiencia que tenga. Por lo general, es consecuencia de la ansiedad social o la falta de preparación al enfrentarse a un escenario.</p>
<p>A algunas personas no les gusta actuar frente a otros ni hacer contacto visual. Esto se puede llegar a somatizar en síntomas físicos como sequedad en la boca, sudor en las manos, temblores, ¡y hasta vómitos! En ciertos casos podemos estar hablando de un desorden de ansiedad que puede llegar a afectar hasta a los artistas consagrados.</p>
<p>En otras ocasiones, el miedo escénico puede ser producto de la falta de confianza por una escasa preparación. Hasta los músicos más virtuosos, los que parecen no tener que esforzarse en los pasajes musicales más acrobáticos, han tenido que ensayar durante mucho tiempo antes de poder presentarse en público.</p>
<p>Cuando sufrimos de miedo escénico, podemos creer que hay algo que está mal en nosotros, pero es justamente lo contrario. La respuesta de tu cuerpo a la presión es parte de la evolución del ser humano desde hace millones de años. Puede que no sea lo que esperabas, pero es perfectamente <strong>normal y saludable sentir miedo escénico como músico</strong>. De hecho, deberías preocuparte si tu cuerpo <strong>no</strong> reaccionara de esta manera. Ten en cuenta que para tener esa presentación perfecta y estar “en la zona” se necesita al menos sentir un poco de ansiedad.</p>
<p>Si crees que en un momento de presión debes sentir calma absoluta, puedes caer en una espiral destructiva donde fallarás al intentar tranquilizarte y generarás aún más ansiedad. Cuando aceptas que el miedo escénico es parte del proceso de todo músico al enfrentarse al público, ¡todo cambia! Imagina que <strong>esos nervios que sientes son en realidad emoción</strong> porque estás más cerca de lograr lo que quieres.</p>
<p>A continuación encontrarás una serie de consejos para superar el miedo escénico al tocar.</p>
<h2>Consejos para superar el miedo escénico en la música</h2>
<p>Uno de los consejos típicos para músicos que sufren de miedo escénico, consiste en ensayar y prepararse mentalmente para el peor caso posible, identificando esa situación que genera el miedo:</p>
<h3>Practica en casa</h3>
<p>Uno de los mejores consejos para superar el miedo escénico es practicar frente al espejo como si estuvieses en escena, mientras visualizas lo que podría salir mal en vivo. A medida que se crean nuevas situaciones problemáticas en tu cabeza, imagina también la manera de solucionarlas. Esta simple rutina te hará sentir más confianza y autoestima al saber que has practicado de antemano cómo resolver un escenario inesperado.</p>
<h3>Visualízate en escena</h3>
<p>Visualiza también que todo sale bien: imagínate disfrutando en el escenario, haciendo todo de la mejor manera, tocando todas las notas, conectando con el resto de músicos de la banda. Las visualizaciones positivas también son de gran ayuda para superar el miedo escénico y te traerán calma.</p>
<h3>Repasa lentamente las partes más complicadas</h3>
<p>Practica muy lentamente esas secciones que son técnicamente más complicadas de las piezas que vas a tocar. No es necesario que las practiques a la velocidad real y mucho menos más rápido de lo que son.</p>
<h3>Conecta con la música al practicar en privado</h3>
<p>Conectando con la música en privado, también conectarás con ella cuando te presentes en escena. No creas que mágicamente todo cambiará cuando estés en vivo frente a otras personas.</p>
<h3>Piensa en lo que el público quiere</h3>
<p>Imagínate siendo parte de la audiencia y entrega lo que te gustaría recibir. Si cambias la perspectiva será bueno para ellos y para ti, porque estarás pensando en lo <strong>bueno</strong> que puedes ofrecer, y evitarás los pensamientos negativos.</p>
<h3>Reemplaza los pensamientos negativos</h3>
<p>Es completamente normal que con los nervios aparezcan pensamientos pesimistas. Pero no te los quedes. Cada vez que lleguen, repítete a ti mismo: “todo estará bien” y sonríe. El hecho de sonreír, aunque no lo sintamos del todo, hace creer a nuestro cuerpo y mente que todo está realmente bien.</p>
<p>También puede ayudarte mirar algo gracioso que te haga reír, hacer bromas con tus compañeros músicos o escribirle a ese amigo que siempre te pone de buen humor. La risa es un buen remedio contra la ansiedad.</p>
<h3>Recuerda que no eres tan importante</h3>
<p>El público no presta tanta atención como tú crees. Como artistas tendemos a sobreestimar la cantidad de atención que los demás nos dan. Pero lo cierto es que las personas no están 100% concentradas en cada nota que tocamos. Durante la mayor parte de nuestra presentación, sus pensamientos estarán en otra parte.</p>
<h3>Haz una lista mental de expectativas realistas</h3>
<p>No seas tan duro contigo, no todas tus presentaciones pueden ser perfectas. Al tener objetivos que no son realistas, aumentarás los nervios exponencialmente. Ten en cuenta que estas expectativas pueden generarse de manera inconsciente. Medita un momento y pregúntate qué esperas conseguir. Si bajas las expectativas, seguro te divertirás más y tocarás o cantarás mejor.</p>
<h3>Respira hondo y lento</h3>
<p>Recuerda que muchos artistas salen a escena sintiendo las mismas dudas y nervios que sientes y salen victoriosos. Es decir, si ellos pueden, ¡tú también! No tienes que romper el récord de la respiración más lenta, hazlo a tu ritmo. Respira con todo el cuerpo, con el estómago y los pulmones. Toma conciencia de tu respiración, de cuándo inhalas y exhalas y cómo se siente en todo tu cuerpo. Esto te ayudará a enfocar tu atención en otra cosa.</p>
<h3>Deja fluir la adrenalina</h3>
<p>Para algunas personas puede ser mejor dejar fluir un poco de adrenalina, pero no demasiada. Si eres así, date un par de minutos antes de salir a escena para sentir todos esos nervios. Inmediatamente después, salta y sacude el cuerpo desde una extremidad hasta la otra. Algo de movimiento puede ayudar a calmarte.</p>
<h3>Crea una rutina de ejercicios antes de salir al escenario</h3>
<p>Inventa una rutina de ejercicios previa a la presentación y con el tiempo y la experiencia, la mejorarás. Los rituales nos ayudan a superar el miedo escénico, y mantenernos enfocados. Calienta la voz, los dedos, la respiración y lo que necesites. Puedes leer nuestro  artículo para <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-crear-una-rutina-de-estudios">crear una buena rutina de ejercicios</a>.</p>
<h3>Hazlo con nervios, pero hazlo</h3>
<p>Aprovecha todas las oportunidades posibles para hacer una presentación y plantarle cara al miedo escénico. Practica con tu familia, amigos, pareja o compañeros de trabajo. ¡Ponte nervioso hasta que te familiarices con ese sentimiento!</p>
<p>Por último, no te olvides de celebrar al final de cada presentación y hacerte un regalo. Has logrado superar el miedo escénico. ¡Lo has hecho! Date la enhorabuena por todas las cosas que salieron bien, por todo lo que has aprendido, haz un balance de lo positivo que te dejó la experiencia mientras disfrutas de una buena cena y relájate.</p>
<p>Si quieres seguir leyéndonos, a continuación te presentamos un artículo sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/el-metronomo">la historia e importancia del metrónomo para los músicos</a></p>


El miedo escénico puede afectar a cualquier músico en cualquier momento de su carrera, independientemente de las habilidades o de la experiencia que tenga.

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