<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/249/Joe-Dart.jpeg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/249/Joe-Dart.jpeg" alt="Joe Dart"></picture></figure>
<p>Si mezclas lo mejor de Rocco Prestia, Marcus Miller y la mano izquierda de Stevie Wonder, el resultado es Joe Dart, un verdadero fenómeno.</p>
<p>Sus padres quisieron formar una banda de música familiar, que no tuvo el éxito que esperaban, pero si acercó a Dart al bajo eléctrico. Después de participar en el ensamble de jazz de su escuela secundaria, siguió estudiando música en Berklee y Michigan donde conocería a sus actuales compañeros de Vulfpeck.</p>
<p>El objetivo de la banda desde el inicio fue rendir homenaje a las grandes secciones rítmicas del pasado, creando música basada en el groove. Dart es uno de los bajistas más representativos de su generación justamente por su increíble dominio del ritmo.</p>
<p>En distintas entrevistas deja entrever algunas de sus aproximaciones musicales:</p>
<p>“Mi consejo siempre será desarrollar el mejor ritmo posible y la resistencia para poder tocar con buen groove durante toda la canción. La resistencia viene con la práctica, y el vocabulario se puede aprender escuchando bajistas de calidad.”</p>
<p>“Para mí la única cosa que no puedes obviar, sobre todo cuando eres joven y estás aprendiendo, es el desarrollo de buen ritmo. A lo largo de tu vida tocarás con distintos tipos de bateristas. Cada uno tendrá una propuesta rítmica distinta y como bajista tu labor es ser el puente entre el baterista y el resto de la banda para que todo fluya. Eso es algo en lo que pienso reiteradamente cuando me pregunto qué debo practicar.”</p>
<p>“Uno de mis bajistas preferidos sigue siendo Flea, fue mi primera influencia en el instrumento. Me impresiona su compromiso al tocar cada nota como si fuese la última, dedicando su cuerpo y alma al groove. Hace todo esto mientras mantiene la unión en Red Hot Chili Peppers, una banda formada esencialmente por tres componentes. Él me inspiró de niño y aún lo hace.”</p>
<hr />
<p>“Schvitz”, es el nuevo álbum de la banda americana de funk experimental Vulfpeck; podemos disfrutar de su primer single “Sauna”, que cuenta con una alineación de lujo: Woody Goss (wurlitzer) y Jack Stratton (batería) como compositores, Joe Dart en el bajo, Cory Wong en la guitarra, Joey Dosik al piano, y Theo Katzman y Antwaun Stanley en las voces.</p>
<p>Los podemos ver a todos en el particular escenario del video musical.</p>
<p>@youtube(9qoXa5_w3Gw)</p>


Si mezclas lo mejor de Rocco Prestia, Marcus Miller y la mano izquierda de Stevie Wonder, el resultado es Joe Dart, un verdadero fenómeno.

Conociendo a: Joe Dart

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/248/conversions/george_gershwin-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/248/george_gershwin.jpg" alt="George Gershwin"></picture></figure>
<p>El estilo musical de George Gershwin pudo haber sido despreciado por no encajar en ninguno de los dos mundos que mezclaba; ni tan jazzero para los clubes, ni tan serio para los teatros de música académica. Pero muy al contrario, su música fue bien recibida tanto por el público del jazz como por las élites clásicas. Su creación sirvió para abrir los oídos del mundo a nuevas sonoridades.</p>
<p>I Got Rhythm la compuso para el musical “Girl Crazy”, del año 1930. La canción presenta una estructura de 32 compases, cuatro secciones de 8 compases que conforman la forma musical AABA.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/246/Rhythm-Changes.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/246/Rhythm-Changes.png" alt="Rhythm Changes"></picture></figure>
<p>Un Rhythm Changes en do mayor tendría las siguientes secciones:</p>
<h3>A:</h3>
<h3>C Am7 | Dm7 G7 | C Am7 | Dm7 G7 |</h3>
<h3>C7 | F7 | C G7 | C G7 |</h3>
<p>• La primera línea son acordes diatónicos de la tonalidad</p>
<p>• La segunda línea convierte el acorde fundamental en dominante que resuelve en el cuarto dominante, semejante al primer y segundo acorde de una tonalidad blues.</p>
<p>• Existe una variación muy pequeña que podríamos llamar A' donde el último compás contiene un acorde de C sin el dominante G7.</p>
<h3>B:</h3>
<h3>E7 | E7 | A7 | A7 |</h3>
<h3>D7 | D7 | G7 | G7 |</h3>
<p>• La sección B consta de una progresión típica de turn-arounds diatónicos (iii-vi-ii-V) pero donde todos los acordes son dominantes.</p>
<p>Este molde sirvió como modelo para muchos otros temas exitosos del jazz como Anthropology y Moose the Mooche (Charlie Parker), Cottontail (Duke Ellington), Oleo (Sonny Rollins) y Straighten Up and Fly Right (Nat King Cole). Incluso el famoso tema de la seria animada Los Picapiedra se basa en esta progresión.</p>
<p>El término Rhythm Changes se refiere justamente a la progresión de acordes de esta pieza, pero cabe destacar que la progresión cambió a una mucho más simple y amigable a la hora de improvisar, por conveniencia de los músicos de jazz de la época. Si eres fanático de este género, es una de esas progresiones que te debes aprender en todas las tonalidades, después del blues es la estructura más adaptada y copiada.</p>


La estructura Rhythm Changes originada por el tema I Got Rhythm de George Gershwin se convirtió en un estándar para el jazz y la música popular

Rhythm Changes: I Got Rhythm

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/247/conversions/progression-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/247/progression.png" alt="Progression"></picture></figure>
<p>Así como las melodías se conforman por notas que se tocan o escuchan sucesivamente, los acordes (que a su vez son grupos de notas simultáneas) también tienen una sucesión o progresión.</p>
<p>Las progresiones de acordes no son más que tocar un acorde después de otro. Existen numerosas variantes y en las canciones más sencillas, todos los acordes forman parte de la misma tonalidad. Es decir, tienen muchas notas en común, lo que es naturalmente agradable para el oído.</p>
<p>Para notar los acordes que pertenecen a una progresión, usamos los números romanos para cada grado de la escala que estemos utilizando, mayúscula para los mayores y minúscula para los menores: I, ii, iii, IV, V, vi, viiØ</p>
<h3>I: 1er grado mayor</h3>
<h3>ii: 2do grado menor</h3>
<h3>iii: 3er grado menor</h3>
<h3>IV: 4to grado mayor</h3>
<h3>V: 5to grado mayor</h3>
<h3>vi: 6to grado menor</h3>
<h3>viiØ: 7mo grado semi-disminuido</h3>
<p>En la música contamos con progresiones de acordes tan famosas que terminaron siendo la marca de un género musical específico como en el blues, donde todos los acordes son dominantes:</p>
<h3>• I7 – IV7 – I7 – V7 – IV7 – I7</h3>
<h3>• (C7 – F7 – C7 – G7 – F7 – C7)</h3>
<p>La progresión del Canon de Pachelbel, una famosa pieza del repertorio académico creada cerca del año 1680:</p>
<h3>• I - V - vi - iii - IV - I - IV - V</h3>
<h3>• (C - G - Am - Em - F - C - F - G)</h3>
<p>La progresión “doo-wop” o “progresión de los años 50” famosa por su amplio uso en la música estadounidense de los años 50 y 60:</p>
<h3>• I – vi – ii – V</h3>
<h3>• (C – Am – Dm – G)</h3>
<p>La cadencia andaluza que podemos escuchar en el flamenco y los géneros musicales relacionados:</p>
<h3>• i – bVII – bVI – V</h3>
<h3>• (Am – G – F – E)</h3>
<p>O la sencilla progresión fundamental del jazz que ha evolucionado con el paso del tiempo a niveles increíbles:</p>
<h3>• iim7 – V7 - IMaj7</h3>
<h3>• (Dm7 – G7 - CMaj7)</h3>
<p>Al practicar e interiorizar las progresiones empezaremos a reconocerlas en todo tipo de música, y entenderemos que muchas canciones pueden mezclar distintos tipos de progresiones en cada una de sus secciones.</p>


Las progresiones nos permiten entender y recordar mejor la estructura de canciones, al poder comparar y reconocer diferencias y semejanzas entre unas y otras.

¿Qué es una progresión de acordes?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/245/conversions/Open-String-Tunings-485x360-1-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/245/Open-String-Tunings-485x360-1.png" alt="Open Tunings"></picture></figure>
<p>Si tocamos las notas al aire de una guitarra afinada de manera estándar, estaremos tocando las notas (desordenadas) de una escala menor pentatónica de mi (o también de un acorde m7add11)</p>
<h3>E – A – D – G – B – E = E – G – A – B – D – E</h3>
<p>Al ser 5 sonidos completamente distintos puede que no sea el sonido más natural o reconocible para nuestros oídos, pero con las afinaciones alternativas, también llamadas abiertas, podemos conseguir sonoridades de acordes más típicos.</p>
<h1>¿Por qué se usan?</h1>
<p>●	Ciertas posiciones de acordes que no son posibles en la afinación estándar si lo serán en afinaciones abiertas.</p>
<p>●	Para quienes tocan guitarra slide es bastante conveniente.</p>
<p>●	Si tocas algún género musical donde se use la técnica del dron, es perfecto porque las cuerdas al aire serán consonantes.</p>
<p>●	Aumenta tu creatividad al componer, ya que te enfrentas a un nuevo sistema de digitación.</p>
<h1>Algunas canciones que usan afinaciones alternativas</h1>
<h2>Drop D (DAEGBE): Everlong (Foo Fighters)</h2>
<p>@youtube(eBG7P-K-r1Y)</p>
<hr />
<h2>Drop Db (DbAbEbGbBbEb): Aenima (Tool)</h2>
<p>@youtube(CehYA3omb5o)</p>
<hr />
<h2>Open D (DADF#AD): Over Now (Alice in Chains)</h2>
<p>@youtube(Id3h3eRiuOs)</p>
<hr />
<h2>Open A (EAEAC#E): Seven Nation Army (White Stripes)</h2>
<p>@youtube(0J2QdDbelmY)</p>
<hr />
<h2>DADGAD: Kashmir (Led Zeppelin)</h2>
<p>@youtube(tzVJPgCn-Z8)</p>
<hr />
<h2>DGDGBD: Start Me Up (Rolling Stones)</h2>
<p>@youtube(SGyOaCXr8Lw)</p>


¿Has escuchado hablar de las afinaciones abiertas o alternativas? Son una herramienta que puede ampliar tu creatividad musical

Afinaciones abiertas o alternativas

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/241/conversions/chord-wheel1-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/241/chord-wheel1.png" alt="Chord Wheel"></picture></figure>
<p>El concepto de círculo de quintas o cuartas es fundamental en la música, específicamente en la construcción de acordes y en las progresiones.</p>
<p>Debe su nombre al intervalo de quinta justa que se da, por ejemplo, entre las notas do y sol. Es la distancia entre la nota raíz y la quinta nota de una escala mayor o menor, y está presente por ejemplo en los acordes de quinta tan típicos del rock.</p>
<p>Una de las razones teóricas que se han dado para la importancia de este intervalo es que aparece después de la octava en el orden de los armónicos que se desprenden al tocar una nota, lo que otorga su consonancia natural.</p>
<p>El círculo contiene en el sentido de las agujas del reloj las notas en quintas ascendentes (o cuartas descendentes), y en el sentido contrario a las agujas del reloj en cuartas ascendentes (o quintas descendentes), como se ve a continuación:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/242/conversions/CirculoQuintas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/242/CirculoQuintas.png" alt="Circulo Quintas"></picture></figure>
<p>Al tener todas las 12 notas de la escala cromática, nos puede ayudar a entender movimientos como la modulación de una tonalidad a otra.
Existe también una variación más sencilla que es el circulo diatónico de quintas, donde solo tenemos las 7 notas de la escala mayor o menor, como se ve a continuación:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/243/conversions/CirculoQuintasDiatonica-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/243/CirculoQuintasDiatonica.png" alt="Circulo Quintas Diatonica"></picture></figure>
<p>Aquí tendríamos las notas de la escala de do mayor, o de la menor. Por ejemplo la primera parte de la conocida canción de jazz “Fly me to the moon” es un ejemplo idóneo de movimiento de quintas, si lo vemos en acordes tríada:</p>
<h3>Am – Dm – G – C – F – Bº - E - Am</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/244/conversions/FlyMeToTheMoon-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/244/FlyMeToTheMoon.png" alt="Fly Me To The Moon Sheet"></picture></figure>


Si no sabes de qué trata el círculo de quintas o cuartas en la música, en este artículo resolveremos tus dudas rápidamente

Círculo de quintas o cuartas

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/229/Guitars.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/229/Guitars.png" alt="Guitarras"></picture></figure>
<p>Si no sabes qué guitarra te conviene adquirir, aquí te indicamos las principales diferencias entre los 3 tipos de guitarras.</p>
<p>Básicamente, podemos agrupar las guitarras en acústicas, eléctricas y electroacústicas:</p>
<h2>Acústicas</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/226/conversions/Guitarra-Acustica-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/226/Guitarra-Acustica.png" alt="Guitarra Acústica"></picture></figure>
<p>• Pueden tener cuerdas de nylon (para música clásica o música flamenca) o de acero como las folk o las que se usan para fingerstyle.
• Vienen en variedad de tamaños.
• No necesitan conectarse a un amplificador para tener un sonido lleno.
• Para aumentar su volumen necesitaremos un micrófono externo que puede generar feedback si no se posiciona correctamente.</p>
<h2>Electroacústicas</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/227/conversions/ElectroAcústica-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/227/ElectroAcústica.png" alt="ElectroAcústica"></picture></figure>
<p>• Pueden tener cuerdas de nylon o acero.
• Las guitarras acústicas de tamaño pequeño pueden no tener todo el volumen que necesitemos, y en este caso las guitarras electroacústicas nos dan la solución.
• Puede que no suenen tan fuerte al estar desconectadas, pero independientemente de su tamaño tienen un micrófono interno que nos permite conectarlas a un amplificador.
• Pueden generar feedback.</p>
<h2>Eléctricas</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/228/conversions/Electric-Guitar-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/228/Electric-Guitar.jpg" alt="Eléctrica"></picture></figure>
<p>• Están presentes en la mayoría de géneros musicales.
• Tienen el menor volumen de todas al estar desconectadas.
• Es tan importante la guitarra como el amplificador que usemos, por lo que se recomienda conseguir una pareja que nos agrade.
• Las guitarras eléctricas se dividen además en cuerpo hueco (hollow), semihueco (semi hollow) y sólido (solid).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/230/Hollow.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/230/Hollow.jpg" alt="Cuerpo hueco"></picture></figure>
<p>El cuerpo hueco se asemeja más al de una acústica, es el tipo de cuerpo que suena más, aún estando desconectado del amplificador. Tienen menos sustain y graves que las sólidas y también son más susceptibles a generar feedback cuando subimos el volumen.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/231/conversions/Semihollow-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/231/Semihollow.png" alt="Cuerpo semihueco"></picture></figure>
<p>El cuerpo semihueco añade un bloque interno de madera que permite reducir el efecto de feedback al subir el volumen. Las guitarras no sólidas se usan generalmente en géneros como el jazz y blues.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/232/solid.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/232/solid.png" alt="Cuerpo sólido"></picture></figure>
<p>El cuerpo sólido es el preferido para los volúmenes más altos y distorsiones, por eso las podemos ver casi siempre en géneros como el rock y el metal.
Otro detalle fundamental son los micrófonos o pastillas de la guitarra, que pueden ser de bobina simple o doble.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/233/conversions/singlecoil-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/233/singlecoil.jpg" alt="Single Coil"></picture></figure>
<p>La bobina simple tiene un sonido más delgado y brillante, las vemos en las guitarras eléctricas más antiguas como la Fender Telecaster, pero generan ruidos (hum, buzz) a altos volúmenes.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/234/conversions/humbucker-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/234/humbucker.png" alt="Double Coil"></picture></figure>
<p>La bobina doble tiene un sonido más lleno y cálido/oscuro, fue patentada por la marca Gibson, las encontramos por ejemplo en su modelo Les Paul y resuelve el problema de los ruidos a altos volúmenes que generan las pastillas de bobina simple.</p>
<hr />
<p>No dudes en probar diferentes tipos de guitarras antes de tomar una decisión. Ni tampoco en romper las reglas (o saltártelas un poco), cada guitarrista es único. Recuerda siempre que la prioridad en la búsqueda de una guitarra es que suene y se sienta bien para ti.</p>
<p>Ciertas guitarras representan el sonido (y el estilo visual) de algunos géneros musicales, pero muchas veces estas asociaciones son producto de coincidencias históricas o detalles que interesaron a un guitarrista o generación de guitarristas en específico. Algunos prefieren un sonido más clásico/antiguo mientras que otros prefieren la versatilidad que ofrecen los avances en la construcción del instrumento.</p>
<p>Recuerda que modificando un poco la manera de tocar (con púa o con dedos, más cerca del puente o del mástil, con más o menos intensidad) y con un poco de ayuda de ecualización y efectos, podrás acercarte lo suficiente al sonido que te gusta sin tener múltiples guitarras.</p>


Si no sabes qué guitarra te conviene adquirir, aquí te indicamos las principales diferencias entre los 3 tipos de guitarras.

Conoce los tipos de guitarra que existen

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/223/bajoelectricocover.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/223/bajoelectricocover.png" alt="Bajo Eléctrico Cover"></picture></figure>
<p>El bajo eléctrico es en realidad una guitarra de frecuencias graves, por eso en inglés su nombre es “bass guitar” que podríamos traducir como guitarra baja. Además de sus variantes eléctrica y acústica, debemos citar al instrumento que lo precede en cuanto a función.</p>
<h2>Contrabajo</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/224/contrabajo.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/224/contrabajo.png" alt="Contrabajo"></picture></figure>
<p>En la orquesta sinfónica moderna, el contrabajo es el instrumento de cuerdas con las frecuencias más graves, pudiendo ser ejecutado con los dedos de la mano (pizzicato) o con un arco como el violín y el resto de instrumentos de la familia.</p>
<p>Además, el contrabajo migró a otros géneros musicales como el blues, jazz, rock, country, tango y otros tipos de música tradicional. Por lo tanto podemos ver al contrabajo como el padre del bajo eléctrico, aunque este último esté basado en la construcción de la guitarra eléctrica, es el instrumento moderno que desempeña un papel similar en un ensamble musical, que es cubrir las frecuencias más graves.</p>
<h2>Bajo Acústico</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/235/conversions/acoustic-bass-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/235/acoustic-bass.png" alt="Bajo Acústico"></picture></figure>
<p>Podríamos decir que es el más parecido en cuanto a construcción al contrabajo, también en cuanto a sonido. Tiene un cuerpo hueco y no posee ningún tipo de electrónica, generalmente tienen bajo volumen por lo que deben utilizarse micrófonos externos para su amplificación, se pueden ver generalmente en conciertos tipo &quot;unplugged&quot;.</p>
<h2>Bajo Hueco/Semihueco</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/236/semihollow.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/236/semihollow.png" alt="Bajo Semihueco"></picture></figure>
<p>Son bajos que se sienten como uno eléctrico pero tienen el sonido de uno acústico. Generalmente tienen huecos en forma de f y una o dos pastillas de bobina doble. Tienden a usarse mucho en géneros musicales como jazz, blues, bluegrass, folk, country, indie.</p>
<h2>Bajo Sólido</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/239/conversions/solidbody-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/239/solidbody.png" alt="Bajo sólido"></picture></figure>
<p>Apareció cerca de 1930 y es el tipo de bajo eléctrico más utilizado en la actualidad. Internamente posee los micrófonos y la electrónica que permite amplificarlo, lo que permite clasificarlos en pasivos (sistema antigüo) o activos (sistema moderno).</p>
<h2>Bajo sin trastes (fretless)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/237/Fretless.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/237/Fretless.png" alt="Bajo Fretless"></picture></figure>
<p>Como su nombre indica, un bajo eléctrico sin trastes. Esto permite tocar notas que están &quot;entre&quot; las notas de la escala cromática, es decir, microtonos. Por lo tanto podemos conseguir sonidos y técnicas para tocar únicas. Este tipo de bajo fue popularizado por Jaco Pastorius, por lo que podemos encontrarlo en blues, pop, jazz, rock. Cabe destacar que no es el bajo idóneo para técnicas como el tapping, percusión o slap.</p>
<h2>Bajo multiescala</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/238/multiscale.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/238/multiscale.png" alt="Bajo Multiescala"></picture></figure>
<p>Son una variación moderna de los bajos eléctricos, tienen trastes angulados a lo largo del mástil. Los bajos comunes tienen cuerdas de la misma longitud, pero en los multiescala las notas graves tienen cuerdas más largas y las notas más agudas cuerdas más cortas, lo que pretende buscar un mejor sonido.</p>


Existe una variedad de instrumentos de cuerda asociados por sus frecuencias graves, aquí te mostramos los más conocidos

¿Conoces los tipos de bajo que existen?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/219/conversions/pedalorder-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/219/pedalorder.jpg" alt="Pedal order"></picture></figure>
<p>Para quienes empiezan en el mundo de los pedales, existe un orden relativamente lógico. Pero a medida que nos adentramos en los efectos y su versatilidad, veremos que tal orden es algo muy personal y no hay una única manera de hacerlo correctamente. Es decir, como con casi todo en la música, es cuestión de gustos.</p>
<h2>Compresión</h2>
<p>Como su nombre dice, comprime el sonido para que el volumen más bajo y más alto se emparejen. Con la compresión podemos evitar que nos arrope el resto de la banda al tocar suave y no se escuche, o que al tocar fuerte no opaquemos al resto de instrumentos.</p>
<p>La compresión se puede colocar al inicio o al final de una cadena de efectos.</p>
<p>Al colocarla al inicio, emparejamos la señal de entrada, aumentamos el sustain y la información armónica. Al colocarla al final de la cadena conseguiremos emparejar el nivel de todos los pedales, pero generalmente haríamos compresión en el reverb, lo que aumentaría su volumen creando un efecto sintético, poco natural.</p>
<h2>Overdrive</h2>
<p>Este pedal se utiliza mayormente para impulsar o levantar la señal, lo que lleva en ajustes extremos a una distorsión natural. Generalmente se coloca en las primeras posiciones de la cadena de efectos, antes incluso que el fuzz.
Aunque podemos encontrar algunos guitarristas que prefieren el fuzz primero y el overdrive después, casi siempre por una cuestión de ecualización. Resulta que las frecuencias que disminuye el fuzz son añadidas nuevamente por el overdrive, lo que crea un equilibrio agradable para muchos.</p>
<h2>Fuzz</h2>
<p>Si deseas que el control de volumen de tu guitarra interactúe directamente con el fuzz, deberías colocarlo en la primera etapa de tu cadena de efectos. Los guitarristas rítmicos lo suelen colocar luego de preamplificadores y overdrives, porque crea un sonido más gordo. En cambio quienes usan el fuzz para guitarra líder generalmente lo colocan al final de la cadena.</p>
<h2>Delay</h2>
<p>Los pedales de delay los conseguimos casi siempre desde la mitad de la cadena de efectos en adelante. En algunas ocasiones se pueden colocar antes de los pedales de distorsión para crear un efecto más dramático.</p>
<h2>Reverb</h2>
<p>Generalmente va al final de la cadena, a menos de que uses pedales de modulación para finalizar la cadena. Si usas un pedal moderno del tipo efectos especiales es posible colocarlo en distintos lugares, pero si usas un pedal de reverb clásico, el beneficio se logra al final de la cadena al crear un sonido más realista.</p>
<h2>Modulación</h2>
<p>Se pueden colocar en distintos lugares de la cadena, pero tienden a utilizarse al final, proporcionando un color sutil o dramático dependiendo de cuanta intensidad le demos. Los flangers y phasers se benefician al estar luego de overdrives o fuzz.</p>
<h2>Wah</h2>
<p>Generalmente se colocan al inicio de la cadena, antes de la fase de distorsión. Si se coloca antes de un fuzz se convierte en un filtro vocal, si se coloca luego de un fuzz, modifica una especie de ruido blanco. También puede utilizarse como un phaser manual al moverlo muy lentamente. Por último se convierte en una herramienta poderosa al usarlo luego de un efecto de delay.</p>


Alguna vez te debes haber preguntado si un pedal debería ir antes o después de otro , en este artículo hacemos algunas reflexiones al respecto.

¿Hay un orden específico para los pedales?

<h2>Ukulele</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/217/conversions/ukulele-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/217/ukulele.png" alt="Ukulele"></picture></figure>
<p>El ukulele es un miembro de la familia de instrumentos del laúd, de origen portugués y popularizado en Hawaii. El tono y el volumen del instrumento varía de acuerdo a su tamaño y construcción. Generalmente lo encontramos en cuatro tamaños: soprano, concierto, tenor y barítono. Su afinación común es GCEA y sus cuerdas de nylon.</p>
<h2>Charango</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/218/conversions/Charango-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/218/Charango.png" alt="Charango"></picture></figure>
<p>El charango es otro instrumento de la familia del laúd, en este caso andino y hecho antiguamente de la concha del armadillo. Generalmente tienen 5 dobles cuerdas (10 en total) afinadas como el ukelele con un mi adicional, GCEAE. Sus cuerdas pueden ser de metal, nylon o mixtas.</p>
<h2>Cavaquinho</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/221/Cavaquinho.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/221/Cavaquinho.png" alt="Cavaquinho"></picture></figure>
<p>El cavaquinho es de origen portugués y similar al cuatro venezolano al que precede. Conseguimos dos tipos de afinaciones principales, en Portugal se suele afinar CGAD mientras que en Brasil DGBD. Es un instrumento importante en la samba y choro brasileros, generalmente usa cuatro cuerdas de acero.</p>
<h2>Cuatro Venezolano</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/220/cuatro-venezolano.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/220/cuatro-venezolano.png" alt="Cuatro Venezolano"></picture></figure>
<p>Es un instrumento descendiente del cavaquinho portugués, consta igualmente de cuatro cuerdas de nylon en afinación ADF#B. Es parecido al ukulele en afinación y forma; aunque se pueden utilizar las mismas posiciones de acordes, estos generan distintas inversiones, además la técnica para tocar de ambos es distinta.</p>
<h2>Tres Cubano</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/222/tres-cubano.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/222/tres-cubano.png" alt="Tres Cubano"></picture></figure>
<p>Se podría decir que es el instrumento más reconocible del son cubano, aunque originalmente se usó para tocar el changüí. Su afinación más típica es GCE con el G afinado en octavas y el E afinado a unísono u octavas. La forma de tocar se expresa en el guajeo, que es una melodía repetitiva generalmente basada en arpegios y con patrones sincopados.</p>


En el mundo existen muchos instrumentos de cuerda ¿cuáles de los siguientes conoces realmente?

Instrumentos de cuerdas que tal vez no conoces

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/215/GrooveHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/215/GrooveHeader.jpg" alt="Groove Header"></picture></figure>
<p>El término groove crea suficiente discusión entre músicos, principiantes y aficionados. No es para menos, ya que es un concepto que ha tomado importancia para el análisis formal solo a partir de la década de los noventa.</p>
<p>Podemos empezar reuniendo citas de diversas fuentes tratando de esclarecer lo que significa “groove”:</p>
<p>• El groove es algo completamente subjetivo: una persona puede creer que un baterista tiene un sentido rítmico estupendo, mientras otras piensa que el mismo baterista es muy rígido, mientras otra piensa que es muy suelto.</p>
<p>• El groove es una cosa evasiva, es lo que hace a la música respirar, el sentido de movimiento en el contexto de una canción.</p>
<p>• Un ritmo pronunciado y disfrutable.</p>
<p>• El acto de crear, bailar o disfrutar un ritmo musical.</p>
<p>• Un momento específico de una pieza musical donde las personas que no pueden bailar quieren sentir que bailan.</p>
<p>• La manera en la que un músico con experiencia toca un ritmo en comparación con lo que se puede escribir, al tocar mínimamente antes o después del pulso.</p>
<p>• Un elemento artístico, humano, que evoluciona dependiendo del contexto armónico, el momento de la canción, el sonido del instrumento y la interacción con el resto de músicos.</p>
<h2>Usos en distintos géneros musicales</h2>
<p>• En los estilos más tradicionales del Jazz, los músicos generalmente usan la palabra &quot;swing&quot; para describir un tipo de cohesión rítmica entre los integrantes experimentados de la banda. Pero en los estilos que florecen después de la década de los 50 es común escuchar la palabra &quot;groove&quot;.</p>
<p>• En Jamaica, existe un término criollo en el reggae, dancehall y la música dub, para definir un ritmo de batería o de bajo, &quot;riddim&quot;. Esta palabra se utiliza a veces como un sinónimo de &quot;groove&quot;.</p>
<p>• En estilos que vienen del R&amp;B, funk, soul, rock, específicamente los bateristas utilizan el termino &quot;pocket&quot; o &quot;in the pocket&quot; para aquel que tiene un ritmo sólido y con mucho &quot;groove&quot;.</p>
<p>• Lo que en el jazz se conoce como &quot;swing&quot; en la jerga del hip hop se conoce como &quot;flow&quot; y denota la habilidad creativa del ejecutante respecto al ritmo y pulso de la música.</p>
<h2>Micro-ritmos</h2>
<p>Uno de los términos más técnicos que se pueden utilizar para explicar el groove es el de &quot;microritmos&quot;. Se basa en la desviación de un pulso perfecto, por ejemplo el que nos proporciona un metrónomo, pero sin perder la referencia del mismo.</p>
<p>Si hacemos la comparación con el canto, al analizar un cantante profesional con una computadora, nos daremos cuenta de que cada nota no está perfectamente afinada (por esta razón el efecto autotune tiene una textura tan poco natural).</p>
<p>En realidad nos daremos cuenta que tiende a &quot;desafinar&quot; o &quot;desviarse&quot; en ciertos momentos de la nota real, y esto justamente es lo que nos da la sensación de que el cantante tiene algo especial.</p>
<p>En el caso del ritmo y específicamente del groove, estas desviaciones se han estandarizado como tocar &quot;antes del pulso&quot; (behind the beat) o &quot;después del pulso&quot; (in front of the beat).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/216/Pulso.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/216/Pulso.png" alt="Pulso"></picture></figure>
<p>Como para escribir en notación real este tipo de efectos es tan complicado, por regla general se insiste a los estudiantes a escuchar e intentar emular este tipo de ejecuciones de oído, aprender cómo se siente es más importante que cómo se lee.</p>
<p>Tendemos a escuchar los ritmos después del pulso como relajados, pero también con un centro de gravedad muy fuerte, con peso, atraen el ritmo hacia ellos y casi lo llevan &quot;hacia atrás&quot; a un tempo más lento. Los ritmos antes del pulso los sentimos como elevados, llenos de energía, flotando y corriendo &quot;hacia delante&quot;.</p>


El término groove es amplio, subjetivo y está lleno de sinónimos a lo largo de la historia y géneros musicales, en este artículo ahondamos en él.

¿Qué es el groove?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/214/5th-Cover.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/214/5th-Cover.png" alt="5th Header"></picture></figure>
<p>Las alteraciones que se colocan al inicio del pentagrama las llamamos armadura de clave y nos dicen en qué tonalidad se encuentra la canción. Estas alteraciones siguen el famoso círculo de quintas o cuartas.</p>
<p>En el caso de los sostenidos el orden es:</p>
<h4>FA – DO – SOL – RE – LA – MI – SI</h4>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/209/OrdenSostenidos.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/209/OrdenSostenidos.png" alt="Orden Sostenidos"></picture></figure>
<p>Para los bemoles es exactamente inverso:</p>
<h4>SI – MI – LA – RE – SOL – DO – FA</h4>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/210/OrdenBemoles.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/210/OrdenBemoles.png" alt="Orden Bemoles"></picture></figure>
<p>Si memorizamos este orden, ya tendremos una herramienta para reconocer quintas.</p>
<hr />
<p>En el pentagrama, los intervalos de quintas los podemos ver como saltos de quintas y cuartas, ¿por qué? Un intervalo de quinta justa ascendente nos lleva a la misma nota que un intervalo de cuarta justa descendente, eso se llama invertir un intervalo.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/212/Inverted-5th.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/212/Inverted-5th.png" alt="Inverted 5th"></picture></figure>
<hr />
<p>Si te es más sencillo visualizar intervalos en el teclado del piano, las quintas justas siempre tienen el mismo color de tecla excepto Bb - F, B - F#.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/213/PianoKeyboard5ths.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/213/PianoKeyboard5ths.png" alt="Piano Keyboard 5ths"></picture></figure>
<p>Como las quintas justas invertidas se convierten en cuartas justas, el mismo principio aplica, todas las cuartas son teclas del mismo color excepto F - Bb, F# - B.</p>


Aprende algunos trucos para agilizar el reconocimiento del intervalo de quinta justa

Ejercicios para el reconocimiento de quintas

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/205/PowerChord.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/205/PowerChord.png" alt="Power Chord"></picture></figure>
<p>Un acorde de poder (power chord en inglés) o acorde de quinta, es un tipo de acorde que contiene dos notas de la escala, la raíz o tónica y la quinta o dominante. Es el acorde más simple para aprender a tocar y se utiliza ampliamente en géneros como el rock y metal.</p>
<p>Como generalmente en este tipo de géneros la distorsión es usual, con acordes de poder no corremos el riesgo de crear sonoridades extrañas. El intervalo de quinta es bastante contenido y ambas notas se complementan perfectamente, por lo que podremos tocar la misma figura a lo largo de todo el mástil del instrumento.</p>
<p>El acorde de poder es en realidad un tipo de acorde ambiguo ya que al no tener tercera no define si un acorde es mayor o menor. Esta ambigüedad es parte fundamental de la sonoridad de muchas agrupaciones de rock famosas de la historia, aunque casi siempre se podrán añadir más notas a lo acordes a manera de rearmonización.</p>
<h2>El intervalo de quinta</h2>
<p>Si nos fijamos en la serie armónica (o armónicos) que son los sonidos parciales que se desprenden de uno fundamental, obtenemos inicialmente dos intervalos, la octava y la quinta. Esta es una de las razones por las que se dice que el intervalo de quinta es el más consonante naturalmente luego de la octava (que no es más que la repetición de la misma nota, pero más aguda).</p>
<p>Esto quiere decir que a partir de una nota fundamental C3, el primer armónico sería C4, es decir la misma nota do pero una octava superior. El siguiente armónica sería G4, un sol una quinta por encima del do anterior, las notas que componen justamente el acorde de poder o acorde de quinta.</p>
<h2>Cómo se toca el acorde de quinta en la guitarra</h2>
<p>El círculo rojo indica la nota base o fundamental, la nota negra indica la quinta del acorde. Podemos tocarlo de dos maneras, únicamente la fundamental y la quinta, o duplicando la fundamental a la octava.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/201/PowerChord1.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/201/PowerChord1.png" alt="Power Chord 1"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/202/PowerChord2.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/202/PowerChord2.png" alt="Power Chord 2"></picture></figure>
<h2>Cómo se toca el acorde de quinta en el bajo</h2>
<p>En el bajo el acorde de quinta se ejecuta exactamente igual que en la guitarra.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/203/PowerChord3.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/203/PowerChord3.png" alt="Power Chord 3"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/204/PowerChord4.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/204/PowerChord4.png" alt="Power Chord 4"></picture></figure>


En este artículo conocerás todo lo que necesitas para tocar los acordes de poder famosos en los géneros de rock y metal

¿Qué es un acorde de poder?

<h1>Seven Nations Army - The White Stripes</h1>
<p>@youtube(0J2QdDbelmY)</p>
<p>Este dúo de músicos, conocidos principalmente por su sonoridad cruda y orgánica de batería/guitarra, tiene una de las líneas de bajo más sencillas. Consiste de una frase de siete notas que se tocan casi todas en la misma cuerda.</p>
<hr />
<h1>Wicked Game – Chris Isaak</h1>
<p>@youtube(jd-qI62gNJM)</p>
<p>Una de esas canciones que no fueron famosas en su lanzamiento sino un año más tarde, cuando se incorporó a la banda sonora de la película Wild at Heart. Una canción lenta y perfecta para controlar nuestro tempo, con un ritmo repetitivo.</p>
<hr />
<h1>Come As You Are – Nirvana</h1>
<p>@youtube(vabnZ9-ex7o)</p>
<p>Del género del grunge, vamos a sonoridades melancólicas con una canción de Nirvana. Un pequeño estudio sobre las notas de paso entre acordes.</p>
<hr />
<h1>You Really Got Me – The Kinks</h1>
<p>@youtube(fTTsY-oz6Go)</p>
<p>Un poco más exigente en cuanto a velocidad que las anteriores, pero emocionante para tocar, se basa en un motivo rítmico que va ascendiendo por el mástil.</p>
<hr />
<h1>Money – Pink Floyd</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/206/MikiMoney.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/206/MikiMoney.png" alt="Miki Money"></picture></figure>
<p><a href="https://escueladebajistas.com/repertorio/pink-floyd-money">Link a la lección</a></p>
<p>En esta lección Miki nos enseña a tocar y analiza la línea de bajo de este clásico de Pink Floyd “Money”. Un tema que está compuesto en un compás no muy típico, el compás de 7/4.</p>
<hr />
<h1>Billie Jean – Michael Jackson</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/207/MikiBillie.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/207/MikiBillie.png" alt="Miki Billie"></picture></figure>
<p><a href="https://escueladebajistas.com/repertorio/michael-jackson-billie-jean">Link a la lección</a></p>
<p>Miki analiza al detalle la línea de bajo de Billie Jean de Michael Jackson, un clásico de los años 80s que no puede faltar en nuestro repertorio.</p>
<hr />
<h1>Another One Bites The Dust – Queen</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/208/MikIAnother.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/208/MikIAnother.png" alt="Miki Another"></picture></figure>
<p><a href="https://escueladebajistas.com/repertorio/queen-another-one-bites-the-dust">Link a la lección</a></p>
<p>No podía faltar una de las líneas de bajo más memorables de la historia. Se trata de “Another One Bites The Dust”, una canción escrita por el bajista John Deacon, de Queen, incluida en el álbum The Game del año 1980.</p>
<hr />


Aprende a tocar bajo con las canciones más sencillas para los principiantes.

TOP canciones sencillas para empezar en el bajo

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/194/Inversiones.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/194/Inversiones.png" alt="Inversiones"></picture></figure>
<h2>¿Para qué se usan las inversiones?</h2>
<p>Una vez dominamos los acordes en su manera más básica, notaremos que suenan un tanto repetitivos. Las inversiones nos ayudan a conectar los acordes entre si de la manera más próxima posible, lo que resulta en general, agradable al oído.</p>
<p>Si dominamos las inversiones sonaremos más musicales al acompañar o embellecer una canción, sea cual sea el estilo que toquemos.</p>
<h2>Lo más básico</h2>
<p>Los acordes por regla teórica los creamos superponiendo intervalos de tercera a una nota específica de una escala. Por ejemplo, si nos basamos en la escala de do mayor:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/195/EstadoFundamentalC.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/195/EstadoFundamentalC.png" alt="Estado Fundamental C"></picture></figure>
<p>Para crear el primer acorde (que sería do mayor) empezamos con la nota C, agregamos una tercera y llegamos a E, agregamos otra tercera y llegamos a G.</p>
<p>El acorde de do mayor constaría de las notas C – E – G</p>
<p>Para crear el segundo acorde (que sería re menor) empezamos con la nota D, agregamos una tercera y llegamos a F, agregamos otra tercera y llegamos a A.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/196/EstadoFundamentalDm.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/196/EstadoFundamentalDm.png" alt="Estado Fundamental Dm"></picture></figure>
<p>El acorde de re menor se compone de las notas D – F – A
Podríamos continuar por las 7 notas de la escala de do mayor y tendríamos los 7 acordes que se forman en la escala de do mayor.</p>
<h2>Entonces, ¿qué son las inversiones?</h2>
<p>Como su nombre indica, no es más que invertir el orden de las notas de un acorde desde su estado fundamental. El acorde de do mayor está construido (o separado) en terceras, es decir, dejamos una nota de por medio entre cada nota del acorde, pero al hacer la primera inversión esta separación cambia un poco.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/197/PrimeraInversionC.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/197/PrimeraInversionC.png" alt="Primera inversión C"></picture></figure>
<p>Vemos que ahora la separación entre E – G sigue siendo una tercera, pero entre G – C ahora es más grande, es de una cuarta.</p>
<p>Por lo tanto no es un acorde en estado fundamental, ya que como vimos antes, los acordes en estado fundamental se separan siempre por una tercera.</p>
<p>La nota C que antes estaba al inicio, ahora se encuentra al final, y aunque las notas son exactamente las mismas, lo que cambia es su orden, disposición o inversión.</p>
<p>Las notas del acorde de do mayor en primera inversión son: E – G – C</p>
<h2>Intentemos hacer el acorde de re menor en segunda inversión</h2>
<p>• Sabemos que el acorde de re menor en estado fundamental posee las notas:</p>
<p>D – F – A</p>
<p>• Para la primera inversión, la nota del inicio debe pasar al final, quedaría:</p>
<p>F – A – D</p>
<p>• Para la segunda inversión, debemos invertir la primera inversión, quedaría entonces:</p>
<p>A – D – F</p>
<hr />
<h2>Confirmemos con la escala y las distancias</h2>
<h3>• Acorde de re menor en estado fundamental</h3>
<p>Las notas están separadas por una tercera:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/196/EstadoFundamentalDm.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/196/EstadoFundamentalDm.png" alt="Estado Fundamental Dm"></picture></figure>
<h3>• Acorde de re menor en primera inversión</h3>
<p>Las notas están separadas por una tercera + una cuarta:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/198/PrimeraInversionDm.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/198/PrimeraInversionDm.png" alt="Primera inversion Dm"></picture></figure>
<h3>• Acorde de re menor en segunda inversión</h3>
<p>Las notas están separadas por una cuarta + una tercera:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/199/SegundaInversionDm.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/199/SegundaInversionDm.png" alt="Segunda inversion Dm"></picture></figure>
<hr />
<h2>Conclusión</h2>
<p>Siempre que un acorde se encuentre en estado fundamental (ordenado o separado únicamente por terceras) la primera nota o la más grave le dará el nombre al acorde:</p>
<p>• C - E - G = do mayor (C)</p>
<p>• G - B - D = sol mayor (G)</p>
<p>• F - A - C = fa mayor (F)</p>
<p>• D - F - A = re menor (D)</p>
<p>Cuando el acorde esté en primera inversión la distancia entre sus notas será de tercera + cuarta y el nombre del acorde lo dará la nota más aguda (no la primera o más grave):</p>
<p>• E - G - C = do mayor (C)</p>
<p>• B - D - G = sol mayor (G)</p>
<p>• A - C - F = fa mayor (F)</p>
<p>• F - A - D = re menor (D)</p>
<p>Cuando el acorde esté en segunda inversión la distancia entre sus notas será de cuarta + tercera y el nombre del acorde lo dará la nota del medio (no la primera o más grave):</p>
<p>• G - C - E = do mayor (C)</p>
<p>• D - G - B= sol mayor (G)</p>
<p>• C - F - A = fa mayor (F)</p>
<p>• A - D - F = re menor (D)</p>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior explicamos <a href="https://escuelademusica.com/articulos/los-grados-de-la-escala">los grados de la escala y sus nombres</a> por si quieres echarle un vistazo.</p>


Las inversiones de acordes te ayudarán a sonar más musical y conectado en cualquier género musical que interpretes

Las inversiones

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/191/Scale-degrees-with-colors.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/191/Scale-degrees-with-colors.png" alt="Grados escala cover"></picture></figure>
<p>Cuando hablamos de grados en la música nos referimos a la posición particular de una nota en una escala, en relación a la nota central o fundamental, tambien llamada tónica.</p>
<p>En un sentido específico, los grados indican la función particular de una nota respecto a la escala a la que pertenecen, llamada función tonal.</p>
<p>Podemos darle un número a cada grado comenzando por el número 1 para la tónica:</p>
<h3>1 -	Tónica - Centro tonal o nota de resolución final</h3>
<h3>2 - Supertónica - Un tono arriba de la tónica</h3>
<h3>3 - Mediante - Nota a mitad de camino hacia la dominante</h3>
<h3>4 - Subdominante - Dominante inferior o dominante por debajo</h3>
<h3>5 - Dominante - La nota más importante después de la tónica</h3>
<h3>6 - Superdominante/Submediante - Nota arriba de la dominante/Nota a mitad de camino hacia la subdominante</h3>
<h3>7 - Subtónica (b7)/Sensible (7) - Un tono debajo de la tónica (modo menor)/Medio tono debajo de la tónica, melódicamente tiende hacia la tónica</h3>
<p>Utilicemos la escala de do mayor y do menor como ejemplo:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/192/Domayordomenor.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/192/Domayordomenor.png" alt="Do mayor do menor"></picture></figure>
<p>Los nombres de los grados están derivados de un esquema en donde la tónica se encuentra en el centro y el resto de grados se consiguen por notas superiores o inferiores a esta tónica.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/193/Grados-de-la-escala.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/193/Grados-de-la-escala.png" alt="Nombre grados"></picture></figure>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior discutimos tips para <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-leer-partituras-agilizar-la-lectura-de-intervalos-y-acordes">agilizar la lectura musical de intervalos y acordes</a> por si quieres echarle un vistazo.</p>


Conoce los grados de la escala y cómo podemos identificar la función tonal de los acordes que se construyen sobre ellos

Los grados de la escala

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/190/EricJohnson.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/190/EricJohnson.png" alt="Eric Johnson"></picture></figure>
<p>En la historia de la guitarra eléctrica, tenemos una lista creciente de héroes. Un nombre que no puede faltar es el de Eric Johnson que, sin ser tan conocido por el público general, es un personaje reconocido en el mundo guitarrístico por su sonido, tono y técnica.</p>
<p>Nacido en Texas, comenzó a tocar el piano a los 5 años y la guitarra a los 11 con una Fender Musicmaster. Desde entonces, desarrolló su estilo escuchando discos de diferentes géneros. La primera canción que se aprendió fue “Your Cheatin’ Heart” de Hank Williams. A partir de ahí empezó a sacar de oído temas de The Ventures, cuyo guitarrista, Nokie Edwards permanece como uno de sus primeros y mejores recuerdos al escuchar una guitarra. Ya con el paso del tiempo, empezó a escuchar otros sonidos más nuevos como los de Clapton y Hendrix.</p>
<p>Es un músico muy completo, multi-instrumentista y cantante. Los géneros que compone se agrupan en el rock, blues, jazz fusión, soul, folk, new-age, clásico y country. La revista Guitar Player lo llamó “uno de los guitarristas más respetados del planeta”. También ha sido nominado al Grammy en ocho ocasiones, ganándolo en 1991 con su canción insignia Cliffs of Dover.</p>
<p>Para Johnson, la búsqueda del tono y el sonido propios siempre ha sido su objetivo musical principal. En entrevistas comenta: “En mi caso, el sonido siempre ha sido lo que me atrapa primero, ya luego me intereso por el músico detrás del sonido”.</p>
<p>Al preguntarle por un consejo para quienes empiezan, dice: “Es importante conseguir dos o tres músicos que te gusten y tratar de emular su estilo. Al hacer eso aprendemos a escuchar el tono de un músico, aprendemos cómo crean su sonido y, al mismo tiempo, obtenemos una guía para hacer nuestro propio camino. Toma los pedazos que quedan del proceso y empieza a crear tu música”</p>
<hr />
<h2>Guitarras</h2>
<p>• 1954 Fender Stratocaster “Virginia”</p>
<p>• 1957 Fender Stratocaster</p>
<p>• 1958 Fender Stratocaster “Faye”</p>
<p>• 1962 Fender Stratocaster</p>
<p>• 1964 Gibson ES-335</p>
<p>• Fender Eric Johnson Signature Thinline Stratocaster</p>
<p>• Martin D-45</p>
<hr />
<h2>Efectos</h2>
<p>• B.K. Butler Tube Driver</p>
<p>• Dallas-Arbiter Fuzz Face</p>
<p>• Ibanez TS-808</p>
<p>• Maestro Echoplex EP-3</p>
<p>• TC Electronic Stereo Chorus/Flanger</p>
<hr />
<h2>Referencias seleccionadas</h2>
<h3>Cliffs Of Dover (1988)</h3>
<p>Del disco y DVD &quot;Eric Johnson Live from Austin, Texas&quot;</p>
<p>@youtube(5Nd7EZ3k39s)</p>
<h3>Manhattan (1996)</h3>
<p>Próximo a estrenarse, versión en vivo de 2023 también en Austin, Texas</p>
<p>@youtube(y6CTRFWa3DM)</p>
<h3>S.R.V. (1996)</h3>
<p>En honor a Stevie Ray Vaughan, de su disco &quot;Venus Isle&quot;</p>
<p>@youtube(n3EEFgeRs3k)</p>


Conoce un poco de la vida, pensamientos, equipos y discografía de Eric Johnson, un guitarrista eléctrico virtuoso y versátil

Conociendo a: Eric Johnson

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/189/Flea.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/189/Flea.jpg" alt="Flea"></picture></figure>
<p>Michael “Flea” Balzary nació en Australia, pero se mudó a California de pequeño. Obsesionado por el jazz y el punk-rock desde sus inicios, muchos lo consideran una mezcla a partes iguales de Larry Graham y Peter Hook. Esto se aprecia muy bien en el álbum Unlimited Love, la última producción de Red Hot Chili Peppers, donde Flea toca desde hace casi 40 años.</p>
<p>Este disco es el primer trabajo desde la reincorporación del guitarrista John Frusciante, que no pertenecía a la banda desde el 2009. Unlimited Love trae consigo una atmósfera un poco más tranquila y menos agresiva si la comparamos con los álbumes más conocidos de la banda.</p>
<p>Flea es un férreo admirador de bajistas como Billy Talbot, Jaco Pastorius, Stanley Clarke, Charlie Mingus y Marcus Miller. A pesar de todas estas influencias, siempre tuvo la obsesión de conseguir un sonido y estilo propios. Famoso por su slap rápido y agresivo, dice adorar las bandas con líneas de bajo simples como Gang of Four y Echo &amp; The Bunnymen, un estilo que se deja colar en temas como “Baby Appeal” del álbum debut de los Red Hot.</p>
<p>En una entrevista reciente para la revista Bass Player, nos cuenta cómo se siente actualmente:</p>
<p>“Espero ser mejor bajista ahora que hace 30 años. Al menos, yo me siento así. Siempre estoy descubriendo cosas nuevas y tratando de desarrollarlas. Quiero ser un buen bajista de jazz. Me gustaba desde niño y lo estudio siempre que tengo tiempo, aprendiendo temas mientras hago walking. No domino mucho el género, pero es algo que aspiro desarrollar. El sonido del contrabajo es el sonido más agradable que me puedo imaginar.”</p>
<p>“Siempre quiero ser mejor. En este momento quiero convertirme en un mejor solista, expandir mi conocimiento sobre progresiones de acordes, líneas de bajo, ser un mejor compañero de banda, conectar con mis compañeros y ayudarlos a llegar a ser lo mejor que pueden ser.”</p>
<p>Termina la entrevista hablando sobre lo que le hace más feliz:</p>
<p>“El amor me hace feliz, trato de vivir creando amor, construyendo puentes con distintas comunidades y personas (incluso con quienes no estoy de acuerdo). Esto es muy importante para mí. Espero que todos podamos construir puentes de amor donde sea que estemos. Creo que en un futuro es ahí donde encontraremos la felicidad.”</p>
<hr />
<h2>Bajos</h2>
<p>• Music Man Cutlass 1 (Descontinuado)</p>
<p>• Fender Precision Bass</p>
<p>• Spector NS-2 with 2 jazz pickups (Fight Like A Brave)</p>
<p>• Spector NS-2 (Taste The Pain)</p>
<p>• Teisco Del Ray NB-4 (Higher Ground)</p>
<p>• Wal Mk 2 (Suck My Kiss)</p>
<p>• Music Man Stingray 4 (Aeroplane)</p>
<p>• Music Man Stingray 5 string (Under The Bridge)</p>
<p>• Alembic Epic 4 (My Friends)</p>
<p>• Modulus Signature</p>
<p>• 1961 Fender Jazz Bass</p>
<p>• Fleabass (la marca de bajos de Flea, activa de 2009-2011)</p>
<hr />
<h2>Efectos</h2>
<p>• BOSS ODB-3 Bass Overdrive</p>
<p>• MXR Micro Amp M133</p>
<p>• Electro-Harmonix Q-Tron</p>
<p>• Dunlop 105Q Cry Baby Bass Wah</p>
<p>• Malekko B:assmaster</p>
<p>• Moog Moogerfooger MF-103 12-Stage Phaser</p>
<p>• Electro-Harmonix Big Muff π</p>
<p>• DOD FX25 Envelope Filter</p>
<p>• Boss GEB-7 Bass Equalizer</p>
<p>• Wilson Effects Freaker Wah</p>
<p>• Radial Engineering SGI-44</p>
<p>• Radial Engineering JX44</p>
<hr />
<h2>Referencias seleccionadas</h2>
<h3>I've Been Down (1995)</h3>
<p>Parte de la banda sonora de la película &quot;The Basketball Diaries&quot;</p>
<p>@youtube(cZFOTV_nvIc)</p>
<h3>Media Blitz (1996)</h3>
<p>Del álbum tributo a The Germs</p>
<p>@youtube(mZ4gZBRGj8k)</p>
<h3>Helen Burns (2012)</h3>
<p>Álbum solista de Flea</p>
<p>@youtube(5V-OtXN5QpI)</p>


Conoce un poco de la vida, pensamientos, equipos y discografía de Flea, bajista de Red Hot Chili Peppers.

Conociendo a: Flea

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/181/Cómo-leer-partituras-II.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/181/Cómo-leer-partituras-II.png" alt="Lectura Musical II"></picture></figure>
<p>El pentagrama nos da señales sobre los intervalos que están escritos gracias a la simetría de líneas y espacios que contienen.</p>
<p>Cuando aprendemos a reconocer estos intervalos de manera vertical o armónica, podremos aplicar el mismo principio al leer de manera horizontal o melódica.</p>
<h2>• Intervalos de 3era</h2>
<p>El primer intervalo es el que se da entre dos líneas continuas o dos espacios continuos, este truco funciona dentro del pentagrama o fuera del mismo utilizando las líneas adicionales.</p>
<p>En la siguiente imagen puedes ver que los cuatro intervalos que aparecen al inicio de manera armónica (vertical, uno nota encima de otra) aparecen luego de manera melódica (horizontal, una nota después de otra).</p>
<p>Lógicamente el orden en este caso no importa, si primero colocamos la nota superior o la nota inferior, no cambia el hecho de que es una distancia o intervalo de tercera.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/182/3ras.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/182/3ras.png" alt="Lectura 3eras"></picture></figure>
<p>Es importante recalcar que dependiendo de la tonalidad o alteraciones de las notas (sostenidos o bemoles) tendrás una tercera menor o mayor, en este caso solo estamos asegurando que siempre será una tercera, esto aplica también para el resto de intervalos y acordes de este artículo.</p>
<h2>• Intervalos de 5ta</h2>
<p>El segundo intervalo es el que se da entre tres líneas o tres espacios, es decir un intervalo con una línea o con un espacio de por medio, un intervalo de quinta.</p>
<p>En la siguiente imagen los cuatro intervalos al inicio de manera armónica (vertical, uno nota encima de otra) aparecen luego de manera melódica (horizontal, una nota después de otra).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/183/5tas.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/183/5tas.png" alt="Lectura de 5tas"></picture></figure>
<h2>• Intervalos de 7ma</h2>
<p>El tercer intervalo es el que se da entre cuatro líneas o cuatro espacios, es decir un intervalo con dos líneas o con dos espacio de por medio, un intervalo de séptima.</p>
<p>En la siguiente imagen los cuatro intervalos al inicio de manera armónica (vertical, uno nota encima de otra) aparecen luego de manera melódica (horizontal, una nota después de otra).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/184/7mas.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/184/7mas.png" alt="Lectura de 7mas"></picture></figure>
<h2>• Acordes en Estado Fundamental</h2>
<p>Los intervalos de tercera y quinta son de suma importancia ya que cuando los unimos creamos el acorde en su estado fundamental, es decir, en su forma original.</p>
<p>En la siguiente imagen tenemos cuatro acordes en estado fundamental que podemos reconocer rápidamente viendo el patrón de tres notas en líneas continuas o espacios continuos, lo que representa dos terceras superpuestas o una tercera y una quinta desde la nota inferior, como queramos verlo.</p>
<p>La pregunta que queda por responder ¿qué nombre tienen estos acordes? Al encontrarlos en estado fundamental, la única nota que debemos leer realmente es la nota inferior (raíz) para saber el nombre. Para saber el “apellido” (mayor, menor, disminuido, aumentado…) tenemos que saber las alteraciones del acorde o la escala en la que estamos, en este caso los acordes son:</p>
<h3>1.	Re menor (Dm)</h3>
<h3>2.	Sol mayor (G)</h3>
<h3>3.	Mi menor (Em)</h3>
<h3>4.	La menor (Am)</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/185/Estado-Fundamental.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/185/Estado-Fundamental.png" alt="Lectura Estado Fundamental"></picture></figure>
<h2>• Acordes en primera inversión</h2>
<p>Cuando hacemos la primera inversión de un acorde, la nota inferior del estado fundamental la convertimos en la nota superior, es decir la colocamos una octava más arriba.</p>
<p>En la siguiente imagen tenemos los mismos cuatro acordes, pero en primera inversión, en este caso los intervalos cambian un poco porque tenemos una tercera y una cuarta superpuesta. El intervalo de cuarto se da entre una línea y un espacio, un poco más amplio que el intervalo de tercera.</p>
<p>Para encontrar la raíz del acorde en primera inversión nos debemos fijar en la nota superior, es la nota que nos dará el nombre del acorde. Como en realidad son las mismas notas del ejercicio anterior pero en distinto orden, los acordes serán iguales:</p>
<h3>1.	Re menor (Dm)</h3>
<h3>2.	Sol mayor (G)</h3>
<h3>3.	Mi menor (Em)</h3>
<h3>4.	La menor (Am)</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/186/Primera-Inversión.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/186/Primera-Inversión.png" alt="Lectura Primera Inversión"></picture></figure>
<h2>• Acordes en segunda inversión</h2>
<p>Cuando hacemos la primera inversión de un acorde, la nota superior del estado fundamental la convertimos en la nota inferior, es decir la colocamos una octava más abajo.</p>
<p>En la siguiente imagen tenemos los mismos cuatro acordes, pero en segunda inversión, en este caso los intervalos cambian un poco porque tenemos una cuarta y una tercera superpuesta.</p>
<p>Para encontrar la raíz del acorde en la segunda inversión nos debemos fijar en la nota del medio del acorde, esa nota nos dará el nombre del acorde. Como en realidad son las mismas notas de los dos ejercicios anteriores pero en distinto orden, los acordes serán iguales:</p>
<h3>1.	Re menor (Dm)</h3>
<h3>2.	Sol mayor (G)</h3>
<h3>3.	Mi menor (Em)</h3>
<h3>4.	La menor (Am)</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/187/Segunda-Inversión.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/187/Segunda-Inversión.png" alt="Lectura Segunda Inversión"></picture></figure>
<h2>• Acordes de séptima</h2>
<p>El último acorde que veremos en este artículo es una extensión del acorde tríada en estado fundamental. Es el acorde de cuatro notas en estado fundamental, también llamado cuatríada, tétrada o de séptima.</p>
<p>Se trata simplemente de un acorde con notas situadas en cuatro líneas continuas o cuatro espacios continuos. Podemos verlo como un acorde de tres terceras superpuestas, o de una tercera más una quinta y una séptima desde la nota inferior.</p>
<p>Similar al acorde en estado fundamental, sólo debemos fijarnos en la nota inferior para saber cuál es el nombre del acorde, para el apellido debemos conocer la escala o alteraciones del mismo. En este caso particular el nombre completo de los acordes es:</p>
<h3>1.	Fa mayor séptima (FMaj7)</h3>
<h3>2.	La menor séptima (Am7)</h3>
<h3>3.	Mi menor séptima (Em7)</h3>
<h3>4.	Do mayor séptima (CMaj7)</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/188/Acordes-Séptima.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/188/Acordes-Séptima.png" alt="Lectura Acordes Séptima"></picture></figure>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, también enlazamos a nuestro primer artículo de lectura musical, <a href="https://escuelademusica.com/articulos/lectura-musical-i">ejercicios de lectura para principiantes</a> por si quieres echarle un vistazo.</p>


Agiliza la lectura de intervalos de tercera, quinta y séptima que nos facilitarán el reconocimiento de todos los acordes y arpegios

Cómo leer partituras: Agilizar la lectura de intervalos y acordes

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/176/Acorde-aumentado.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/176/Acorde-aumentado.png" alt="Acorde Aumentado"></picture></figure>
<p>Como ya debes saber, los acordes se construyen en intervalos de terceras (mayores y menores) a diferencia de las escalas, que se construyen en intervalos de segundas (mayores y menores también). En el caso del acorde aumentado entre cada nota siempre tendremos una tercera mayor o cuatro semitonos, la nomenclatura que se utiliza es el símbolo de adición o suma + o a veces la palabra en inglés augmented abreviada aug.</p>
<p>Como los acordes se escriben en terceras, si queremos representar por ejemplo un acorde tríada de mi, el acorde siempre tendrá las notas E (mi), G (sol), B (si), con las alteraciones correspondientes:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/177/acordestriadaE.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/177/acordestriadaE.png" alt="Acordes Tríada E"></picture></figure>
<h2>Enarmonía</h2>
<p>El concepto de enarmonía también nos será de utilidad al hablar de los acordes aumentados. La enarmonía es la relación que se da entre dos notas con distinto nombre pero que en la práctica de la música moderna son iguales.</p>
<p>A lo largo de este artículo colocaremos entre paréntesis las notas enarmónicas por ejemplo:</p>
<h4>B# = (C)</h4>
<h4>C# = (Db)</h4>
<h4>Fb = (E)</h4>
<h4>Dx = (E)</h4>
<p>(El signo x es una abreviatura para el doble sostenido ##)</p>
<h2>El aumentado es un acorde simétrico</h2>
<p>Cuando hablamos de un acorde simétrico significa que la distancia o intervalo entre las notas que lo componen es siempre igual. En el caso del acorde aumentado, si intentamos agregar una cuarta nota al acorde llegaremos a la nota inicial.</p>
<h4>C - E - G# - B# (C)</h4>
<p>Esto quiere decir además que cada nota que compone el acorde puede usarse como raíz y el resto de notas seguirán siendo las mismas que las del acorde original. Expliquemos lo anterior con el acorde de do aumentado (C+), las notas de C+ son do (C), mi (E), sol sostenido (G#).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/180/aumentadoscomposicion.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/180/aumentadoscomposicion.png" alt="Aumentados Composición"></picture></figure>
<p>Los cuatro acordes contienen las mismas notas.</p>
<h2>¿Cómo reconocer el acorde aumentado en el pentagrama?</h2>
<p>Así puedes encontrar los acordes aumentados en el pentagrama. Fíjate que usamos para el último acorde (B+) el signo x, que significa doble sostenido ##:</p>
<h4>B - D# - Fx (G)</h4>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/179/aumentadospentagrama.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/179/aumentadospentagrama.png" alt="Aumentados Pentagrama"></picture></figure>
<h2>Canciones donde escucharás el acorde disminuido</h2>
<h3>• Oh! Darling – The Beatles</h3>
<p>El acorde del intro es un E+</p>
<p>@youtube(9BznFjbcBVs)</p>
<h3>• School Days - Chuck Berry</h3>
<p>El acorde del intro es un D+</p>
<p>@youtube(o38AD9BBOFA)</p>
<h3>• For Once In My Life – Stevie Wonder</h3>
<p>En el verso conseguimos una línea cliché que asciende cromáticamente C - C# - D creando los acordes F - F+ - F6 (00:14)</p>
<p>@youtube(l3qi3E40aWE)</p>
<h3>• xanny - Billie Eilish</h3>
<p>Otra línea cliché pero ahora la raíz del acorde desciende cromáticamente F# - F - E - Eb creando los acordes F#m - F+ - A/E - Ebm7b5. La escuchamos en 02:31 y en 02:49.</p>
<p>@youtube(LZyybvVx-js)</p>
<h3>• Voiles - Claude Debussy</h3>
<p>Esta pieza para piano del mundo clásico/académico fue compuesta en el año 1909 por el francés Claude Debussy. Está compuesta casi enteramente de la escala de tonos completos, es decir, de acordes aumentados.</p>
<p>@youtube(1iUbZUBhbxE)</p>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre otro acorde simétrico, <a href="https://escuelademusica.com/articulos/todo-sobre-el-acorde-disminuido">el acorde disminuido</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


En este artículo conocerás la construcción, características, curiosidades y donde puedes escuchar e interiorizar la sonoridad de los acordes aumentados

Todo sobre el acorde aumentado

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/172/diminished-chord.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/172/diminished-chord.png" alt="Acordes disminuidos"></picture></figure>
<p>Como ya debes saber, los acordes se construyen en intervalos de terceras (mayores y menores) a diferencia de las escalas, que se construyen en intervalos de segundas (mayores y menores también). En el caso del acorde disminuido entre cada nota siempre tendremos una tercera menor o tres semitonos, la nomenclatura que se utiliza es el símbolo de grado y el número siete, º7.</p>
<p>Como los acordes se escriben en terceras, si queremos representar por ejemplo un acorde tétrada de re, el acorde siempre tendrá las notas D (re), F (fa), A (la), C (do) con las alteraciones correspondientes:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/174/acordestetradaD.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/174/acordestetradaD.png" alt="Acordes tétrada D"></picture></figure>
<h2>Enarmonía</h2>
<p>Vale introducir entonces el concepto de enarmonía ya que nos será de utilidad al hablar de los acordes disminuidos. La enarmonía es la relación que se da entre dos notas con distinto nombre pero que en la práctica de la música moderna son iguales.</p>
<p>A lo largo de este artículo colocaremos entre paréntesis las notas enarmónicas por ejemplo:</p>
<h4>B# = (C)</h4>
<h4>C# = (Db)</h4>
<h4>Fb = (E)</h4>
<h4>Abb = (G)</h4>
<h2>El disminuido es un acorde simétrico</h2>
<p>Cuando hablamos de un acorde simétrico significa que la distancia o intervalo entre las notas que lo componen es igual. En el caso del acorde disminuido, si intentamos agregar una quinta nota al acorde llegaremos a la nota inicial.</p>
<h4>C# - E - G - Bb - Db (C#)</h4>
<p>Esto quiere decir además que cada nota que compone el acorde puede usarse como raíz y el resto de notas seguirán siendo las mismas que las del acorde original. Expliquemos lo anterior con el acorde de mi disminuido séptima (Eº7), las notas de Eº7 son mi (E), sol (G), si bemol (Bb), re bemol (Db).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/173/disminuidoscomposicion.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/173/disminuidoscomposicion.png" alt="Composición disminuidos"></picture></figure>
<p>Los cuatro acordes contienen las mismas notas.
Si usamos los enarmónicos de algunos de estos acordes, obtendríamos aún más acordes con las mismas notas, por ejemplo:</p>
<h4>Fbº7 = (Eº7)</h4>
<h4>A#º7 = (Bbº7)</h4>
<h2>¿Cómo reconocer el acorde disminuido en el pentagrama?</h2>
<p>Así puedes encontrar los acordes disminuidos en el pentagrama. Fíjate que son usuales los dobles bemoles, esto es producto de que los acordes teóricamente se deben escribir siempre en terceras.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/175/disminuidospentagrama.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/175/disminuidospentagrama.png" alt="Disminuidos pentagrama"></picture></figure>
<h2>Canciones donde escucharás el acorde disminuido</h2>
<h3>• Thriller – Michael Jackson</h3>
<p>En la versión original de la canción, antes del ritmo principal escuchamos un acorde de Bbº7 (00:33)</p>
<p>@youtube(ZEHsIcsjtdI)</p>
<h3>• We Are The Champions - Queen</h3>
<p>En el coro luego de la frase “till the end” escuchamos un F#º7 (00:52) y seguidamente en el segundo “we are the champions” escuchamos un Eº7 (00:59)</p>
<p>@youtube(04854XqcfCY)</p>
<h3>• Road Trippin' - Red Hot Chili Peppers</h3>
<p>Los últimos cinco segundos del solo de guitarra se escucha un F#º7 (01:57)</p>
<p>@youtube(11GYvfYjyV0)</p>
<h3>• I Will Survive - Gloria Gaynor</h3>
<p>El piano de la introducción hace un arpegio de Fº7</p>
<p>@youtube(6dYWe1c3OyU)</p>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre cómo <a href="https://escuelademusica.com/articulos/la-forma-correcta-de-leer-tablaturas">leer tablaturas correctamente</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


En este artículo conocerás la construcción, características, curiosidades y donde puedes escuchar e interiorizar la sonoridad de los acordes disminuidos

Todo sobre el acorde disminuido

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/171/guitar-tabs.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/171/guitar-tabs.png" alt="Guitar Tabs"></picture></figure>
<h2>¿Qué son las tablaturas?</h2>
<p>Las tablaturas son una de las maneras en que escribimos y leemos música, específicamente para instrumentos de mástil con trastes, como el bajo o guitarra.</p>
<p>Para quienes se inician puede ser una manera más sencilla y directa que la notación musical tradicional, ya que en la guitarra o el bajo una misma nota  pueden tocarse en distintos lugares; al contrario de instrumentos como el piano donde una nota es específicamente una y solo una tecla.</p>
<p>Las tablaturas nos dicen la cuerda y el traste donde debemos tocar cada nota, toda la información que necesitamos en principio para aprendernos una canción. La desventaja es que a veces no nos muestran el ritmo que debemos seguir, pero escuchando la canción podemos intuir cuál es.</p>
<p>En las tablaturas encontrarás una representación visual del mástil de la guitarra: seis líneas horizontales, la más baja es la más gruesa, es decir la sexta cuerda; la más alta es la más delgada o primera cuerda. En el caso del bajo estándar, serán cuatro cuerdas en vez de seis.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/153/Tablatura.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/153/Tablatura.png" alt="Tablatura"></picture></figure>
<p>Aunque puede ser un poco confuso al inicio, la tablatura refleja nuestro punto de vista hacia la guitarra mientras la sostenemos, de esta forma podemos leer y tocar al mismo tiempo sin demasiada dificultad.</p>
<p>También verás números en la tablatura, estos representan los trastes o divisiones que tiene tu guitarra. El número representa el traste que debemos presionar para que suene la nota adecuada; el número más alto que tenemos por defecto es 24 (algunas guitarras tienen 19 trastes) y si nos aparece el cero “0” significa que debemos tocar esa cuerda al aire, es decir, sin presionar ningún traste con nuestro dedo.</p>
<p>Las tablaturas se leen como lo hacemos normalmente; de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo, en eso se parecen a las partituras o notación musical tradicional. Si tenemos números uno después de otros, debemos tocar cada traste o nota en ese orden, si tenemos los números apilados unos encima de otros, se tocan simultáneamente, lo que en música llamamos “acordes”.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/154/VerticalHorizontalTab.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/154/VerticalHorizontalTab.png" alt="TabArmoníaMelodía"></picture></figure>
<h3>Gráficos de acorde</h3>
<p>Los acordes también tienen una forma alternativa, más reducida para ser representados que podemos llamar gráfico de acorde. Este lo encontramos en partituras o en letras de canciones encima de las palabras donde hay que hacer un cambio de acorde.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/167/ChordChart.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/167/ChordChart.png" alt="Gráfico de Acorde"></picture></figure>
<p>En los gráficos de acorde en vez de horizontal, vemos el mástil de manera vertical, donde la cuerda más a la izquierda representa la más grave o gruesa y la de más a la derecha representa la más aguda o delgada. Además:</p>
<p>• Las letras C, D, E, F, G, A, B toman el lugar de las notas do, re, mi, fa, sol, la y si.</p>
<p>• El símbolo &quot;X&quot; significa que NO debemos tocar esa cuerda.</p>
<p>• El símbolo &quot;O&quot; significa que tocamos la cuerda al aire.</p>
<p>• Los números en este caso no significan el número de traste a tocar porque ya lo tenemos especificado gráficamente con los círculos; cuando se añaden números, estos representan los dedos de la mano izquierda con que debemos tocar cada nota: 1 para el índice, 2 para el anular, 3 para el medio y 4 para el meñique.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/170/frets-fingers-strings-hr.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/170/frets-fingers-strings-hr.png" alt="Guitar Fingers"></picture></figure>
<h3>Marcadores</h3>
<p>Para que te ubiques más fácilmente en el mástil, éste tiene unos marcadores en ciertos trastes. Estos marcadores los consigues generalmente en los trastes 3, 5, 7, 9, 12, 15, 17, 19, 21, 24 y tienen distintas formas, desde puntos y rectángulos hasta diseños muy elaborados.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/155/GibsonLesPaul.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/155/GibsonLesPaul.png" alt="Gibson Les Paul"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/156/AcousticGuitar.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/156/AcousticGuitar.png" alt="Guitarra Acústica"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/157/PBass.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/157/PBass.png" alt="Fender P Bass"></picture></figure>
<h2>Técnicas que aparecen en las tablaturas</h2>
<h3>• Mute - Muteado</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/159/mute.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/159/mute.png" alt="Mute"></picture></figure>
<p>A diferencia del gráfico de acorde, cuando aparece una X en la tablatura, significa que mutearemos la cuerda presionando levemente su superficie con las falanges de la mano izquierda. Esta técnica se utiliza por ejemplo en el reggae para lograr un sonido más percutivo.</p>
<h3>• Palm Mute - Muteado de Palma</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/160/palmmute.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/160/palmmute.png" alt="Palm mute"></picture></figure>
<p>Muteado de palma o palm mute en inglés, abreviado P.M. es una técnica que se utiliza mucho al tocar acordes de poder en la guitarra con distorsión. Colocamos sobre las cuerdas, la zona de la palma derecha que conduce al dedo meñique mientras tocamos.</p>
<h3>• Bend/Prebend - Estirar las cuerdas</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/161/bend.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/161/bend.png" alt="Bend"></picture></figure>
<p>Estirar las cuerdas con el bending es de las técnicas más famosas en la guitarra eléctrica y específicamente el rock. Cuando la línea del símbolo en la tablatura es curva se estira la cuerda después de habe tocado la nota; cuando la línea es recta se estira la cuerda antes de tocar la nota (prebend).</p>
<h3>• Slide - Deslizamientos</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/162/slide.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/162/slide.png" alt="Slide"></picture></figure>
<p>En esta técnica tocamos una nota y deslizamos el dedo sin levantarlo de la cuerda hacia otra nota más aguda o más grave. El símbolo en la tablatura es una línea recta que une ambas notas.</p>
<h3>• Hammer on/Pull off - Ligaduras</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/163/hammer-pull.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/163/hammer-pull.png" alt="Hammer on Pull off"></picture></figure>
<p>Las ligaduras son maneras de tocar notas para simular que están unidas, ya que al tocar la primera no se toca la cuerda de nuevo, sino que utilizando los mismos dedos de la mano izquierda se hace sonar la nueva nota.</p>
<p>Si la segunda nota es más aguda que la primer, se martillea (parecido al tapping pero de mano izquierda); si la segunda nota es más grave, se hala la cuerda hacia abajo para hacerla sonar. Los símbolos utilizados son H en el primer caso (hammer-on) y P en el segundo (pull-off).</p>
<h3>• Vibrato</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/164/vibrato.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/164/vibrato.png" alt="Vibrato"></picture></figure>
<p>Es la técnica que nos permite acercar el sonido de la guitarra o bajo al de una voz humana, al hacer &quot;temblar&quot; la voz y conseguir así líneas melódicas más expresivas. El símbolo es una línea curva ondulante.</p>
<h3>• Tapping</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/165/tapping.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/165/tapping.png" alt="Tapping"></picture></figure>
<p>Es una técnica que hizo famosa el virtuoso guitarrista Eddie Van Halen, donde se pueden utilizar ambas manos en el mástil de la guitarra. El rápido martilleo de los dedos de la mano derecha hacen sonar fácilmente las cuerdas en una guitarra eléctrica amplificada por lo que se pueden hacer licks muy rápidos.</p>
<p>Para lograr un buen tapping se debe ejercitar la coordinación entre ambas manos. El símbolo que se utiliza en este caso en la tablatura es una letra T.</p>
<h3>• Strum - Rasgueo</h3>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/166/strum.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/166/strum.png" alt="Strum"></picture></figure>
<p>El rasgueo es la técnica con la que todos iniciamos en la guitarra para poder tocar acordes, implica tocar todas las cuerdas hacia abajo o hacia arriba con un solo movimiento del brazo.</p>
<p>Existen varios maneras para notar en la tablatura: una flecha que indica la dirección o unos símbolos que se utilizan sobre todo en la música clásica o académica en instrumentos como el violín.</p>
<p>Te recordamos además leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/el-tutorial-definitivo-para-grabarte-desde-casa">cómo grabarte desde casa</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


En este artículo aprenderás todo lo que necesitas saber para leer tablaturas en la guitarra y bajo, las técnicas usadas y solucionarás dudas al respecto.

La forma correcta de leer tablaturas

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/121/grabardesdecasa.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/121/grabardesdecasa.jpg" alt="Graba desde casa"></picture></figure>
<p>Gracias al creciente acceso a la tecnología en el mundo y con la ayuda de programas gratuitos, podemos grabarnos desde la comodidad de nuestro hogar en poco tiempo. A continuación te damos los mejores consejos para que tus grabaciones de video queden lo mejor posible.</p>
<h2>Desde el celular o tablet</h2>
<p>Lo ideal es que consigas el balance entre buen volumen y calidad de sonido con una buena toma de video. ¿Pero cómo lo logramos?</p>
<h3>Respecto al audio</h3>
<p>• Encuentra la ubicación del micrófono (o micrófonos) de tu equipo para evitar taparlos mientras estés grabando.</p>
<p>• No coloques el equipo excesivamente cerca de la fuente de sonido ya que puedes distorsionar el audio de la grabación.</p>
<h3>Respecto al video</h3>
<p>• Podemos utilizar una base (stand) o paral, que nos permita maniobrar con los ángulos y alturas desde donde coloquemos el equipo. Existen distintos tipos, desde los más rígidos hasta los más flexibles:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/122/smarthphonestandcomparison.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/122/smarthphonestandcomparison.png" alt="Smartphone stands"></picture></figure>
<p>• Si no tienes uno, podemos usar sillas, mesas, escritorios, armarios, o cualquier superficie elevada que nos permita sostenerlo. ¡Tu creatividad es el límite!</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/124/camaratripodeimprovisado.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/124/camaratripodeimprovisado.jpg" alt="Camara tripode improvisado"></picture></figure>
<p>• Para la mayoría de las situaciones, es ideal grabar de manera horizontal (modo paisaje) y NO de manera vertical (modo retrato):</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/123/RetratoPaisaje.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/123/RetratoPaisaje.png" alt="Retrato paisaje"></picture></figure>
<p>• Es recomendable grabar en lo posible desde una posición igual o más alta que el sujeto, es decir con la cámara apuntando un tanto hacia abajo, en un ángulo picado, y no en contrapicado.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/125/PicadoContrapicado.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/125/PicadoContrapicado.png" alt="Picado contrapicado"></picture></figure>
<p>• Por último ya luego de grabar puedes utilizar algún programa gratuito de edición de video que te puedas descargar en tu equipo como PowerDirector que está disponible para Android/iOS:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/126/powerdirector.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/126/powerdirector.png" alt="Powerdirector"></picture></figure>
<p>• Cuando te encuentres en la última etapa de  edición de video puedes recortar el inicio y el final del video, que son secciones que generalmente no queremos en la toma final; no es necesario que te veas arreglando la toma o luego presionando el botón para finalizar la grabación.</p>
<p>• También puedes editar el brillo, contraste, color, darle un poco de saturación a los colores para que se vean más vivos y exportar el video final que enviarás o subirás a internet.</p>
<h2>Desde la computadora</h2>
<p>• Si grabas en una pc de escritorio necesitarás una cámara o webcam externa para capturar el video y lo ideal sería que pudieras utilizar una base o paral como hablamos en el apartado anterior para colocarla en la mejor posición para ti.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/131/camerause.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/131/camerause.png" alt="Webcam Use"></picture></figure>
<p>• Si utilizas una computadora portátil o laptop, puedes usar la cámara integrada pero al estar incrustada en el cuerpo del equipo, puede ser más complicado manejar la posición de la misma para lograr el ángulo correcto.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/130/LaptopWebcam.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/130/LaptopWebcam.png" alt="Laptop Webcam"></picture></figure>
<p>Una solución puede ser utilizar tu tablet o teléfono como cámara web desde la computadora, existen soluciones como DroidCam y OBS que te permiten hacerlo.</p>
<h2>Luz, luz y más luz</h2>
<p>• Al grabar importante es que consigas la mayor cantidad de luz natural o artificial como te sea posible. Cuando no existe suficiente luz, el video que graba tu cámara o equipo tendrá ruido o artefactos de color extraño como la siguiente imagen:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/128/noiseimage2.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/128/noiseimage2.png" alt="Imagen con ruido"></picture></figure>
<p>• Colócate en un lugar dentro de tu casa o habitación donde consigas más luz natural o exterior, abre las cortinas y evita colocar la cámara a contraluz porque el efecto será completamente opuesto al deseado:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/129/Contraluz.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/129/Contraluz.png" alt="Contraluz"></picture></figure>
<p>• Si no es posible o necesitas grabar de noche, enciende la mayor cantidad de luces que puedas, consigue algunos focos de luz artificial o utiliza el ISO de la cámara de tu equipo. Debes tener cuidado con este último, ya que al incrementarlo demasiado, puede generar mucho ruido en la imagen.</p>
<p>• Una posible solución para este exceso de ruido (pero más avanzada), es utilizar un programa que tenga DNR (Digital Noise Reduction) o reducción de ruido, logrando resultados como el siguiente:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/127/noiseimage.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/127/noiseimage.png" alt="Noise reduction image"></picture></figure>
<h2>Con una interfaz de audio</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/132/AudioInterface.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/132/AudioInterface.png" alt="Interfaz de Audio"></picture></figure>
<p>• Si tienes acceso a una interfaz, puedes conectar tu instrumento directamente a ella y grabar una señal de audio limpia de ruido externo. En ocasiones esta señal tan directa puede sonar un tanto seca, por lo que una opción es recrear el sonido de amplificadores reales con simuladores de amplificadores como Amplitube, Guitar Rig, Helix Native o Neural DSP. Te recordamos que en un <a href="https://escuelademusica.com/articulos/para-que-sirven-los-simuladores-de-amplificadores">artículo anterior hablamos sobre los simuladores de amplificadores</a>.</p>
<p>• Si tienes un micrófono puedes grabar el sonido ambiente que será más real pero posiblemente se filtre un poco del sonido ambiental o ruido externo (tráfico, alarmas, sonidos internos de la casa, etc…)</p>
<p>¡La mejor recomendación es que no te desanimes al intentar conseguir la mejor calidad de audio e imagen posibles! Verás que siguiendo nuestros consejos, conseguirás videos muy logrados sin necesidad de equipos costosos.</p>
<p>Puedes leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> de la web, te recordamos que la vez anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/mujeres-guitarristas-de-rock-que-debes-escuchar">mujeres guitarristas</a> y <a href="https://escuelademusica.com/articulos/mujeres-bajistas-de-rock-que-debes-escuchar">mujeres bajistas</a> de rock que debes escuchar</p>


Te damos los mejores consejos para que tus grabaciones de video queden lo mejor posible con el equipo que ya tienes en tu casa.

El tutorial definitivo para grabarte desde casa

<h1>Carmen Vandenberg</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/113/Carmen-Vanderberg.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/113/Carmen-Vanderberg.jpg" alt="Carmen Vanderberg"></picture></figure>
<p>Nominada al Grammy junto a su trío de rock Bones UK, también ha trabajado con artistas como Jeff Beck y Smashing Pumpkins. Sus influencias van desde Hendrix y Steve Vai hasta Jennifer Batten.</p>
<p>@youtube(l98iqIbftJQ)</p>
<hr />
<h1>Courtney Cox</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/114/Courtney-Cox.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/114/Courtney-Cox.jpg" alt="Courtney Cox"></picture></figure>
<p>Fundadora de Queen Diamond, una banda tributo a King Diamond conformada únicamente por mujeres, integrante de The Iron Maidens bajo el alias Adriana Smith y actualmente de la banda Burning Witches.</p>
<p>@youtube(0mA3koz5alQ)</p>
<hr />
<h1>Hannah Wicklund</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/115/Hannah-Wicklund.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/115/Hannah-Wicklund.jpg" alt="Hannah Wicklund"></picture></figure>
<p>Joven guitarrista de 25 años de edad que está a cargo por completo de su carrera musical, ha compartido gira con artistas como Greta Van Fleet y The Pretty Reckless. Cita como influencias grupos tan variados como Fletwood Mac, Tom Petty, Jimi Hendrix, Black Sabbath, Rolling Stones y Motown.</p>
<p>@youtube(TBu-MImv9eg)</p>
<hr />
<h1>Kanami Tōno</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/116/Kanami-Tōno.jpeg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/116/Kanami-Tōno.jpeg" alt="Kanami Tōno"></picture></figure>
<p>Guitarrista y principal compositora de la banda japonesa BAND-MAID, afirma que su guitarrista favorito es el mexico-estadounidense Carlos Santana. El llamativo atuendo de la banda se basa en un restaurante temático popular de Japón donde las camareras utilizan uniformes franceses.</p>
<p>@youtube(a6ZSvmnkS00)</p>
<hr />
<h1>Nili Brosh</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/117/Nili-Brosh.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/117/Nili-Brosh.jpg" alt="Nili Brosh"></picture></figure>
<p>Guitarrista multifacética que ha trabajado para Cirque du Soleil, la serie animada Dethklok, Steve Vai, Tony MacAlpine, Paul Gilbert, Andy Timmons, Guthrie Govan, DragonForce, Jeniffer Batten, Gretchen Menn y The Iron Maidens.</p>
<p>@youtube(JM9atQni1eM)</p>
<hr />
<h1>Sarah Longfield</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/118/Sarah-Longfield.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/118/Sarah-Longfield.png" alt="Sarah Longfield"></picture></figure>
<p>YouTuber americana y multi-instrumentista, famosa por su técnica de tapping a dos manos y el uso de guitarras eléctricas de ocho cuerdas. Fundadora de la banda Fine Constant con quienes ha lanzado dos álbumes; además de haber realizado giras junto a Marty Friedman y Polyphia.</p>
<p>@youtube(8rHO7NW-zH8)</p>
<hr />
<h1>Sarah Lipstate</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/120/Sarah-Lipstate.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/120/Sarah-Lipstate.jpg" alt="Sarah Lipstate"></picture></figure>
<p>Mejor conocida por el nombre artístico &quot;Noveller&quot; y con un estilo difícil de catalogar, pero sin duda merecedora de cualquier top de guitarristas. Su estilo se basa en la superposición de capas sonoras mediante el uso de pedales y e-bows.</p>
<p>@youtube(ARfyVGOptag)</p>
<hr />
<h1>Yvette Young</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/119/Yvette-Young.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/119/Yvette-Young.jpg" alt="Yvette Young"></picture></figure>
<p>Líder y fundadora de la banda de math-rock &quot;Covet&quot;, de origen chino y proveniente de una familia musical. De niña tomó clases de piano y violín, pero luego de ser hospitalizada usó la guitarra como medio para superar su aflicción. Es reconocida por tocar sin púa y usar afinaciones poco convencionales.</p>
<p>@youtube(_Q1-ETuBg5A)</p>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, también hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/mujeres-bajistas-de-rock-que-debes-escuchar">mujeres bajistas de rock y sus proyectos</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te damos un listado de ocho mujeres guitarristas con proyectos musicales geniales para que escuches

Mujeres guitarristas de rock que debes escuchar

<h1>Emma Anzai</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/105/Emma-Anzai.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/105/Emma-Anzai.jpg" alt="Emma Anzai"></picture></figure>
<p>Bajista cofundadora de la banda Sick Puppies además de integrar la famosa agrupación Evanescence con su instrumento y segundas voces. Cabe destacar que ha probado su eficiencia en tempos rápidos y lentos, una de las características diferenciadoras de las dos agrupaciones.</p>
<p>@youtube(9oHW8WdTOXQ)</p>
<hr />
<h1>Ida Nielsen</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/106/Ida-Nielsen.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/106/Ida-Nielsen.jpg" alt="Ida Nielsen"></picture></figure>
<p>Multi-instrumentista, cantante y compositora danesa, que ha pertenecido a bandas como Zap Mama, Michael Learns to Rock, The New Power Generation y 3RDEYEGIRL. Las últimas dos bandas, teloneras de los shows de Prince, con quien colaboró desde el año 2010 hasta su muerte en 2016.</p>
<p>@youtube(5-by4_jFQWU)</p>
<hr />
<h1>Laura Lee</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/107/Laura-Lee.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/107/Laura-Lee.jpg" alt="Laura Lee"></picture></figure>
<p>En el trio musical Khruangbin del cual es fundadora, actúa bajo el alter-ego “Leezy”. Su papel aparte de bajista y cantante, es el de directora creativa, generando ideas para la puesta en escena gracias a su formación en arte y arquitectura.</p>
<p>@youtube(q4xKvHANqjk)</p>
<hr />
<h1>MISA</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/112/MISA.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/112/MISA.jpg" alt="MISA"></picture></figure>
<p>Talentosa pianista y bajista integrante de la banda japonesa BAND-MAID. El llamativo atuendo de la banda se basa en un restaurante temático popular de Japón donde las camareras utilizan uniformes franceses.</p>
<p>@youtube(a6ZSvmnkS00)</p>
<hr />
<h1>Mohiny Dey</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/108/Mohiny-Dey.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/108/Mohiny-Dey.png" alt="Mohiny Dey"></picture></figure>
<p>Bajista eléctrica de origen indio proveniente de una familia musical, su padre es un bajista de jazz fusión, su madre una cantante clásica y su hermana menor guitarrista. Ha sido descrita como una de las bajistas más extraordinarias, creativas y versátiles de la india.</p>
<p>@youtube(eIlmR9fxX8A)</p>
<hr />
<h1>Nik West</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/109/Nik-West.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/109/Nik-West.jpg" alt="Nik West"></picture></figure>
<p>Bajista, cantante y compositora especializada en el funk que ha trabajado con artistas como Prince y John Mayer. Puede cantar desde el jazz más suave y comercial hasta las voces rockeras más agudas.</p>
<p>@youtube(EFYfbbZ-Om8)</p>
<hr />
<h1>Tal Winkenfeld</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/110/Tal-Wilkenfeld.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/110/Tal-Wilkenfeld.jpg" alt="Tal Winkenfeld"></picture></figure>
<p>Bajista y guitarrista, cantante y compositora australiana. Ha trabajado con artistas como Jeff Beck, Prince, Incubus, Eric Clapton, Herbie Hancock y Mick Jagger. Además es líder de sus propias bandas donde despliega toda su creatividad.</p>
<p>@youtube(CvGNiloum8s)</p>
<hr />
<h1>Victoria De Angelis</h1>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/111/Victoria-de-Angelis.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/111/Victoria-de-Angelis.jpg" alt="Victoria de Angelis"></picture></figure>
<p>Bajista italiana fundadora de la banda Måneskin, con los que pasó de tocar en las calles a ganar múltiples premios musicales europeos como el del show X Factor, Sanremo y Eurovisión. Cita entre sus influencias musicales a Nick O'Malley y Kim Gordon.</p>
<p>@youtube(XrsbfrFPATs)</p>
<p>Te recordamos leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, también hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/mujeres-guitarristas-de-rock-que-debes-escuchar">mujeres guitarristas de rock y sus proyectos</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te damos un listado de ocho mujeres bajistas con proyectos musicales geniales para que escuches

Mujeres bajistas de rock que debes escuchar

<p>La escala pentatónica como su nombre indica es una escala de cinco sonidos, alturas o notas distintas. Es la escala típica del rock y también es perfecta para quienes desean empezar a improvisar ya que contiene menos notas que las siete de las escalas mayores y menores.</p>
<p>A continuación te presentamos distintas maneras en que puedes construirlas por ti mismo.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica mayor desde cero</h2>
<h3>Usando semitonos o trastes</h3>
<p>Recuerda que cada traste en el bajo representa un semitono, por lo que la fórmula en este caso sería:</p>
<p>Nota Base + 2 + 2 + 3 + 2</p>
<p>Esa fórmula podemos aplicarla en cualquier traste de cualquier cuerda para escuchar las notas de la escala:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/99/BassPentaOneStringByFrets.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/99/BassPentaOneStringByFrets.png" alt="BassPentaOneString"></picture></figure>
<h3>Usando intervalos:</h3>
<p>Si manejas mejor los intervalos, dos semitonos constituyen una segunda mayor y tres semitonos una tercera menor, la fórmula sería:</p>
<p>Nota Base + 2da mayor + 2da mayor + 3 menor + 2da mayor</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/100/BassPentaOneStringByIntervals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/100/BassPentaOneStringByIntervals.png" alt="BassPentaOneStringIntervals"></picture></figure>
<h3>Usando acordes:</h3>
<p>Si ya eres un experto de los acordes, podemos pensar en que las notas de una escala pentatónica mayor son las mismas de un acorde sexta y novena ó acorde 6/9.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica mayor a partir de la escala mayor</h2>
<p>Si dominas el concepto de la escala mayor natural, puedes conseguir la escala pentatónica mayor al eliminar el cuarto y séptimo grados, por ejemplo en do mayor sería:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/89/ComparacionMayorPenta.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/89/ComparacionMayorPenta.png" alt="PentaComparison"></picture></figure>
<h2>Diagrama vertical</h2>
<p>En el bajo existen patrones que te ayudan a moverte de manera vertical con las escalas pentatónicas, para la pentatónica mayor puedes usar el siguiente. Recuerda que el color rojo es para la nota base o tónica, negro para el resto de notas de la escala.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/101/BassMajorPentaPatternOne.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/101/BassMajorPentaPatternOne.png" alt="BassMajorPenta"></picture></figure>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor desde cero</h2>
<h3>Usando semitonos o trastes</h3>
<p>Recuerda que cada traste en el bajo representa un semitono, la fórmula en este caso sería:</p>
<p>Nota Base + 3 + 2 + 2 + 3</p>
<p>De nuevo podemos aplicarla en cualquier traste de cualquier cuerda para escuchar las notas de la escala:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/102/BassMinorPentaOneStringByFrets.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/102/BassMinorPentaOneStringByFrets.png" alt="BassMinorPentaFrets"></picture></figure>
<h3>Usando intervalos:</h3>
<p>Si manejas mejor los intervalos, dos semitonos constituyen una segunda mayor y tres semitonos una tercera menor, la fórmula sería:</p>
<p>Nota Base + 3era menor + 2da mayor + 2da mayor + 3 menor</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/103/BassMinorPentaOneStringByIntervals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/103/BassMinorPentaOneStringByIntervals.png" alt="BassMinorPentaIntervals"></picture></figure>
<h3>Usando acordes:</h3>
<p>Si ya eres un experto de los acordes, podemos pensar en que las notas de una escala pentatónica mayor son las mismas de un acorde menor séptima con onceava ó m7add11.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor a partir de la escala menor</h2>
<p>Si dominas el concepto de la escala menor natural, puedes conseguir la escala pentatónica menor al eliminar el segundo y sexto grados, por ejemplo en la menor sería:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/92/ComparacionMenorPenta.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/92/ComparacionMenorPenta.png" alt="PentaMinorComparison"></picture></figure>
<h2>Diagrama vertical</h2>
<p>En el bajo existen patrones que te ayudan a moverte de manera vertical en las escalas pentatónicas, para la pentatónica menor puedes usar el siguiente. Recuerda que el color rojo es para la nota base o tónica, negro para el resto de notas de la escala.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/104/BassMinorPentaPatternOne.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/104/BassMinorPentaPatternOne.png" alt="BassMinorPentaPattern"></picture></figure>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor desde la pentatónica mayor</h2>
<p>Al igual que tenemos escala mayor y menor (que son relativas) tenemos también escalas pentatónicas mayor y menor (también relativas), esto quiere decir que contienen las mismas notas pero varían en su nota inicial.</p>
<p>Por ejemplo la escala pentatónica de do mayor y la menor son relativas, por lo que contienen las mismas notas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/93/ComparacionPentaMayorMenor.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/93/ComparacionPentaMayorMenor.png" alt="PentaMinorMajorRelative"></picture></figure>
<p>En Escuela de Bajistas tenemos un curso completo dedicado a la <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/pentatonica">escala pentatónica</a> ¡no dejes de verlo!</p>
<p>Te recordamos además leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-sacar-canciones-de-oido">cómo sacar canciones de oído</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te presentamos distintas maneras en que puedes construir la escala pentatónica por ti mismo en el bajo, lo aprenderás en minutos

Cómo tocar la escala pentatónica en el bajo

<p>La escala pentatónica como su nombre indica es una escala de cinco sonidos, alturas o notas distintas. Es la escala típica del rock y también es perfecta para quienes desean empezar a improvisar ya que contiene menos notas que las siete de las escalas mayores y menores.</p>
<p>A continuación te presentamos distintas maneras en que puedes construirlas por ti mismo.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica mayor desde cero</h2>
<h3>Usando semitonos o trastes</h3>
<p>Recuerda que cada traste en la guitarra representa un semitono, por lo que la fórmula en este caso sería:</p>
<p>Nota Base + 2 + 2 + 3 + 2</p>
<p>Esa fórmula podemos aplicarla en cualquier traste de cualquier cuerda para escuchar las notas de la escala:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/87/GuitarMajorPentaOneStringByFrets.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/87/GuitarMajorPentaOneStringByFrets.png" alt="GuitarPentaFrets"></picture></figure>
<h3>Usando intervalos:</h3>
<p>Si manejas mejor los intervalos, dos semitonos constituyen una segunda mayor y tres semitonos una tercera menor, la fórmula sería:</p>
<p>Nota Base + 2da mayor + 2da mayor + 3 menor + 2da mayor</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/88/GuitarMajorPentaOneStringByIntervals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/88/GuitarMajorPentaOneStringByIntervals.png" alt="GuitarMajorPentaIntervals"></picture></figure>
<h3>Usando acordes:</h3>
<p>Si ya eres un experto de los acordes, podemos pensar en que las notas de una escala pentatónica mayor son las mismas de un acorde sexta y novena ó acorde 6/9.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica mayor a partir de la escala mayor</h2>
<p>Si dominas el concepto de la escala mayor natural, puedes conseguir la escala pentatónica mayor al eliminar el cuarto y séptimo grados, por ejemplo en do mayor sería:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/89/ComparacionMayorPenta.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/89/ComparacionMayorPenta.png" alt="PentaComparison"></picture></figure>
<h2>Diagrama vertical</h2>
<p>En la guitarra existen patrones que te ayudan a moverte de manera vertical con las escalas pentatónicas, para la pentatónica mayor puedes usar el siguiente. Recuerda que el color rojo es para la nota base o tónica, negro para el resto de notas de la escala.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/98/GuitarMajorPentaPatternOne.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/98/GuitarMajorPentaPatternOne.png" alt="PentaMajorPattern"></picture></figure>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor desde cero</h2>
<h3>Usando semitonos o trastes</h3>
<p>Recuerda que cada traste en la guitarra representa un semitono, la fórmula en este caso sería:</p>
<p>Nota Base + 3 + 2 + 2 + 3</p>
<p>De nuevo podemos aplicarla en cualquier traste de cualquier cuerda para escuchar las notas de la escala:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/96/GuitarMinorPentaOneStringByFrets.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/96/GuitarMinorPentaOneStringByFrets.png" alt="GuitarPentaFrets"></picture></figure>
<h3>Usando intervalos:</h3>
<p>Si manejas mejor los intervalos, dos semitonos constituyen una segunda mayor y tres semitonos una tercera menor, la fórmula sería:</p>
<p>Nota Base + 3era menor + 2da mayor + 2da mayor + 3 menor</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/97/GuitarMinorPentaOneStringByIntervals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/97/GuitarMinorPentaOneStringByIntervals.png" alt="GuitarPentaMinorIntervals"></picture></figure>
<h3>Usando acordes:</h3>
<p>Si ya eres un experto de los acordes, podemos pensar en que las notas de una escala pentatónica mayor son las mismas de un acorde menor séptima con onceava ó m7add11.</p>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor a partir de la escala menor</h2>
<p>Si dominas el concepto de la escala menor natural, puedes conseguir la escala pentatónica menor al eliminar el segundo y sexto grados, por ejemplo en la menor sería:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/92/ComparacionMenorPenta.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/92/ComparacionMenorPenta.png" alt="PentaMinorComparison"></picture></figure>
<h2>Diagrama vertical</h2>
<p>En la guitarra existen patrones que te ayudan a moverte de manera vertical en las escalas pentatónicas, para la pentatónica menor puedes usar el siguiente. Recuerda que el color rojo es para la nota base o tónica, negro para el resto de notas de la escala.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/95/GuitarMinorPentaPatternOne.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/95/GuitarMinorPentaPatternOne.png" alt="GuitarPentaMinorPattern"></picture></figure>
<h2>Construcción de la escala pentatónica menor desde la pentatónica mayor</h2>
<p>Al igual que tenemos escala mayor y menor (que son relativas) tenemos también escalas pentatónicas mayor y menor (también relativas), esto quiere decir que contienen las mismas notas pero varían en su nota inicial.</p>
<p>Por ejemplo la escala pentatónica de do mayor y la menor son relativas, por lo que contienen las mismas notas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/93/ComparacionPentaMayorMenor.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/93/ComparacionPentaMayorMenor.png" alt="PentaMinorMajorRelative"></picture></figure>
<p>En Escuela de Guitarristas tenemos videos dedicados por completo a la <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/solista-1/pentatonica-menor-a">escala pentatónica</a> ¡no dejes de verlos!</p>
<p>Te recordamos además a leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-sacar-canciones-de-oido">cómo sacar canciones de oído</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te presentamos distintas maneras en que puedes construir la escala pentatónica por ti mismo en la guitarra, lo aprenderás en minutos

Cómo tocar la escala pentatónica en la guitarra

<h2>El orden de las cuerdas</h2>
<p>Lo primero que debes saber es el orden de las cuerdas, las cuales se nombran de la más aguda o delgada (1era), a la más grave o gruesa (4ta).</p>
<h2>El nombre de las cuerdas</h2>
<p>Luego el nombre de cada una de las cuerdas cuando se tocan al aire, es decir sin presionar ningún traste del mástil.</p>
<p>El nombre de las cuerdas de la más delgada (primera cuerda) a la más grave (cuarta cuerda) es el siguiente:</p>
<h3>G = sol</h3>
<h3>D = re</h3>
<h3>A = la</h3>
<h3>E = mi</h3>
<p>En la siguiente imagen verás el orden y nombre de las cuerdas como se representa comúnmente en las tablaturas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/83/BassStrings.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/83/BassStrings.png" alt="Bass Strings"></picture></figure>
<h2>Diagrama con todas las notas</h2>
<p>Con el siguiente diagrama podrás conseguir cualquier nota que necesites en el bajo. Recuerda que luego del traste 12, las notas se repiten desde el inicio:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/82/BassFretboardGrayBackground.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/82/BassFretboardGrayBackground.png" alt="Bass Fretboard"></picture></figure>
<p>Si necesitas ver el mástil con las notas ampliadas sólo debes hacer click <a href="https://api.escuelademusica.com/storage/82/BassFretboardGrayBackground.png">aqui</a></p>
<h3>Recuerda que en Escuela de Bajistas tenemos videos relacionados:</h3>
<p>• <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/fundamentos/notas">Las doce notas</a></p>
<p>• <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/fundamentos/ejercicios-visualizar-notas-mastil">Visualizar las doce notas en el mástil</a></p>
<p>Puedes revisar el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> de nuestra web, además tenemos otro diagrama donde podrás <a href="https://escuelademusica.com/articulos/conoce-todas-las-notas-en-el-mastil-de-la-guitarra">conocer todas las notas en el mástil de guitarra</a></p>


Con este diagrama podrás encontrar fácilmente todas las notas en el mástil del bajo

Conoce todas las notas en el mástil del bajo

<h2>El orden de las cuerdas</h2>
<p>Lo primero que debes saber es el orden de las cuerdas, las cuales se nombran de la más aguda o delgada (1era), a la más grave o gruesa (6ta).</p>
<h2>El nombre de las cuerdas</h2>
<p>Luego el nombre de cada una de las cuerdas cuando se tocan al aire, es decir sin presionar ningún traste del mástil.</p>
<p>El nombre de las cuerdas de la más delgada (primera cuerda) a la más grave (sexta cuerda) es el siguiente:</p>
<h3>E = mi</h3>
<h3>B = si</h3>
<h3>G = sol</h3>
<h3>D = re</h3>
<h3>A = la</h3>
<h3>E = mi</h3>
<p>En la siguiente imagen verás el orden y nombre de las cuerdas como se representa comúnmente en las tablaturas:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/81/GuitarStrings.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/81/GuitarStrings.png" alt="Guitar Strings"></picture></figure>
<h2>Diagrama con todas las notas</h2>
<p>Con el siguiente diagrama podrás conseguir cualquier nota que necesites en la guitarra. Recuerda que luego del traste 12, las notas se repiten desde el inicio:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/80/GuitarFretboardGrayBackground.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/80/GuitarFretboardGrayBackground.png" alt="Fretboard Grey"></picture></figure>
<p>Si necesitas ver el mástil con las notas ampliadas sólo debes hacer click <a href="https://api.escuelademusica.com/storage/80/GuitarFretboardGrayBackground.png">aqui</a></p>
<h3>Recuerda que en Escuela de Guitarristas tenemos videos relacionados:</h3>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/alfabeto-musical">El alfabeto musical</a></p>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/notas-mastil">Las notas en el mástil de la guitarra</a></p>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/notas-mastil">Cómo numerar dedos, cuerdas y trastes</a></p>
<p>• <a href="https://escueladeguitarristas.com/cursos/iniciacion/notas-mastil">Cómo leer diagramas del mástil</a></p>
<p>Visita nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> para más información, además tenemos otro diagrama donde podrás <a href="https://escuelademusica.com/articulos/conoce-todas-las-notas-en-el-mastil-del-bajo">conocer todas las notas en el mástil del bajo</a></p>


Con este diagrama podrás encontrar fácilmente todas las notas en el mástil de la guitarra

Conoce todas las notas en el mástil de la guitarra

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/68/PlayingByEar.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/68/PlayingByEar.jpg" alt="Playing By Ear Header"></picture></figure>
<h3>Escuchar</h3>
<p>Lo más importante es cultivar la escucha consciente. Así como enfocamos la vista para ver mejor un objeto en la distancia, los oídos tienen la capacidad de “enfocarse” en un instrumento específico para escuchar las sutilezas que realiza. Es una habilidad muy útil a la hora de aprender la parte de un instrumento cuando escuchamos al grupo en su totalidad.</p>
<h3>Concéntrate en la melodía</h3>
<p>En la música tonal la melodía es lo fundamental, y hacia lo que apunta todo lo demás que sucede en una canción. Trata de memorizar la melodía, cántala, tócala en el instrumento con distintas digitaciones y posiciones.</p>
<h3>Una nota a la vez</h3>
<p>No trates de hacer todo a la vez, una nota o un acorde a la vez es suficiente. Mejor dar un paso seguro que muchos en falso.</p>
<h3>Baja la velocidad</h3>
<p>Toca lento y si es posible reproduce la canción a menor velocidad. En la música si no tocas correctamente algo lento, difícilmente saldrá a más velocidad.</p>
<h3>Escribe las notas en un papel</h3>
<p>Puedes inventarte un método o aprender el cifrado americano, que es la manera más sencilla y universal de cifrar notas y acordes.</p>
<h3>Aprende a leer música</h3>
<p>Después de ejercitar el oído y desarrollar las habilidades anteriores en cierto grado, leer música en modo de tablatura o partituras te ayudará a ampliar tu repertorio de manera continua. Lo ideal es que leas lo necesario para aprender una canción en tu instrumento y dependas lo menos posible de algo escrito.</p>
<h3>Sé paciente</h3>
<p>La música es una de esas disciplinas donde nos equivocaremos muchas veces antes de lograr lo que deseamos. Es importante desarrollar la seguridad de que algo que no logramos hoy, lo lograremos más adelante con práctica constante. Lleva tiempo, pero te aseguramos que es así.</p>
<p>Una técnica consiste en escuchar la canción con atención muchas veces, específicamente el instrumento que toquemos y, luego, tratar de recrearla sin escuchar la canción. Este proceso es la analogía del pensamiento al lenguaje. Así la tendremos en la mente y podremos proceder al instrumento para sacar las partes.</p>
<h3>Aprender a escuchar intervalos</h3>
<p>Puedes escuchar notas de manera absoluta o relativa. De esta forma, la manera de escuchar cambia por completo.</p>
<h3>Identificar la tonalidad de la canción</h3>
<p>Hay muchas técnicas. Aprender algo de armonía ayudará a saber en qué tonalidad está una canción y qué acordes son los más usuales.</p>
<h3>Practica todo el tiempo que puedas</h3>
<p>Ten el instrumento en la mano el máximo tiempo posible y trata de descifrar lo que escuchas en la televisión o los trozos de música que escuchas en redes sociales en tiempo real.</p>
<h3>Usa las herramientas tecnológicas que tenemos a nuestro alcance</h3>
<p>Hoy en día existen programas como Transcribe que permiten reducir la velocidad de una canción sin deformar demasiado lo que escuchas. También hay programas como Moises, basados en inteligencia artificial, que permiten separar algunas de las pistas de una canción para escucharlas de manera aislada.</p>
<p>En Escuela de Guitarristas tenemos una sesión en vivo por parte de <a href="https://escueladeguitarristas.com/profesores/gnaposs">Gnaposs</a> dedicada a <a href="https://escueladeguitarristas.com/live/live-7-como-mejorar-nuestro-oido/repeticion">cómo educar nuestro oído</a></p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/140/gnapossoido.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/140/gnapossoido.png" alt="Gnaposs Live Oido"></picture></figure>
<p>Te recordamos que puedes leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> en la web, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/para-que-sirven-los-simuladores-de-amplificadores">los simuladores de amplificadores</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Te damos algunos consejos para que puedas sacar canciones de oído, como todo en la música ¡lo principal es la práctica!

¿Cómo sacar canciones de oído?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/133/AmpSims.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/133/AmpSims.png" alt="Amp simulators"></picture></figure>
<h2>¿Qué son?</h2>
<p>Como su nombre indica, los simuladores de amplificadores son programas o equipos que simulan el funcionamiento de un amplificador real. Generalmente, hablamos de modelar una gama de amplificadores y no de un solo tipo o marca específica.</p>
<p>Cabe destacar que estos simuladores no crean realmente el sonido. Lo que hacen es manipular el sonido que sale de nuestro instrumento, como si estuviese conectado directamente al amplificador en cuestión.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/134/ampwithbass.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/134/ampwithbass.png" alt="Amp with bass"></picture></figure>
<h2>Ventajas</h2>
<p>Pueden ser de mucha utilidad cuando no se cuenta con el dinero o espacio suficiente en el estudio de grabación para apilar varios tipos de amplificadores, compararlos y probarlos en el momento indicado.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/135/Ampsinstudio.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/135/Ampsinstudio.png" alt="Amps in studio"></picture></figure>
<p>En el mundo de los simuladores virtuales, el espacio se transforma en cantidad de gigas de requerimiento en disco duro. También existen versiones físicas similares a los pedales multiefectos como el Neural DSP Quad Cortex o el Kemper Profiler en el rango de 1000-2000 dólares.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/136/NeuralDSPQuadCortex.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/136/NeuralDSPQuadCortex.png" alt="Neural DSP Quad Cortex"></picture><figcaption><span>Neural DSP Quad Cortex</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/137/KemperProfiler.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/137/KemperProfiler.png" alt="Kemper Profiler"></picture><figcaption><span>Kemper Profiler</span></figcaption></figure>
<p>Las distintas combinaciones de cabezales y parlantes pueden llegar a ocupar mucho espacio, cuando te das cuenta de que debes añadir cables, parales, micrófonos y demás accesorios.</p>
<p>Este asunto se solventa también con los simuladores. Con ellos podemos experimentar distintas acústicas, disposición y cantidad de micrófonos, una colección diversa de sonidos y pedales fácilmente ajustables que nos permiten conseguir atmósferas sonoras difíciles o imposibles de conseguir con un amplificador real.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/138/Amplitubemicplacement.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/138/Amplitubemicplacement.png" alt="Amplitube Mic Placement"></picture><figcaption><span>Distintas acústicas y posicionamiento de micrófonos</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/139/Amplitubepedals.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/139/Amplitubepedals.png" alt="Amplitube pedales"></picture><figcaption><span>Pedales</span></figcaption></figure>
<p>Microfonear y grabar un amplificador real puede dar dolores de cabeza y es una tarea que generalmente consume mucho tiempo. Pero en el mundo virtual no se necesita de ningún esfuerzo físico y las posibilidades son casi infinitas.</p>
<h2>Desventajas</h2>
<p>• Como desventajas podemos nombrar que, a pesar de que las simulaciones se han ido perfeccionando con el paso de los años, difícilmente son recreaciones perfectas del mundo real. Podemos confirmar esto comparando el sonido de cualquier equipo analógico con su representación o modelo virtual.</p>
<p>• Pero esto no tiene necesariamente un gran impacto en el proceso creativo. Que algo no suene exactamente como el equipo real, no significa que suena mal o que no pueda ser un complemento valioso en tus creaciones.</p>
<p>• Existen por ejemplo ingenieros de mezcla que prefieren una técnica híbrida; usar una parte de la grabación real del amplificador y mezclarla con otra parte procesada mediante un simulador.</p>
<p>• Finalmente, el último uso que le podemos dar a estos simuladores es el de la saturación, una técnica se utiliza no solo en guitarras sino en otros instrumentos como baterías, bajos, sintetizadores o voces, para añadir una capa de dinámicas extra.</p>
<p>Te invitamos a leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, la vez anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/las-mejores-apps-de-musica-gratis">las mejores aplicaciones de música gratuitas</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


¿No sabes qué es un simulador de amplificador? Explicamos sus características y además las ventajas y desventajas comparándolos con amplificadores reales.

¿Para qué sirven los simuladores de amplificadores?

<p>Hay un montón de aplicaciones de música gratis en las tiendas online, sin embargo, muchas de ellas están llenas de anuncios y flaquean en sus funciones. A continuación te detallamos algunas apps de música gratis que sí son muy recomendables:</p>
<h2>Bandlab - DAW</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/70/bandlab.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/70/bandlab.png" alt="Bandlab"></picture></figure>
<p>Una aplicación que apuesta por la creación colaborativa de música entre personas de todo el mundo, con herramientas que permiten grabar y una red social para compartir ideas. También tiene la opción de una estación de trabajo de audio digital (DAW) sencilla, con una interfaz multipista.</p>
<h2>Boss Tuner - Afinador</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/71/bosstuner.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/71/bosstuner.png" alt="Boss Tuner"></picture></figure>
<p>El Boss TU-3 puede que sea el afinador más reconocido en el mundo y con esta aplicación lo tendrás en tu dispositivo. Tienes la opción de cambiar la apariencia de la app, la referencia de 440hz si lo necesitas o escuchar un tono específico para afinar. Tiene notificaciones actualizadas de Boss que pueden ser un tanto molestas, pero al ser gratis, es entendible.</p>
<h2>Ear Gym - Entrenamiento Auditivo</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/72/EarGym.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/72/EarGym.png" alt="Ear Gym"></picture></figure>
<p>Con esta aplicación podrás aprender a identificar intervalos, acordes y cadencias. Podrás elegir específicamente qué acordes o intervalos deseas identificar, comparar, cantar, leer, construir o invertir. Integra 29 tipos de acordes y también incluye lectura en distintas claves y niveles de dificultad para todo tipo de usuario.</p>
<h2>Metronome Soundbrenner - Metrónomo</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/73/SoundbrennerMetronome.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/73/SoundbrennerMetronome.png" alt="Soundbrenner Metronome"></picture></figure>
<p>En nuestra opinión, el mejor metrónomo. Cuenta con un amplio rango de velocidades, tap tempo, indicaciones de compás complejas y mucho más.  Ya lo habíamos recomendado antes en <a href="https://escuelademusica.com/articulos/el-metronomo">nuestro artículo sobre el metrónomo</a>.</p>
<h2>Moises - Separador de Pistas</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/74/MoisesAI.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/74/MoisesAI.png" alt="Moises AI"></picture></figure>
<p>Es una aplicación utilizada para aislar y extraer los instrumentos o voces de una canción mediante inteligencia artificial para poder crear remixes, pistas o karaokes. En la versión gratuita se pueden cargar 5 canciones al mes de hasta 5 minutos cada una. Además, tiene solo dos algoritmos de separación: en 2 pistas (voz, instrumental) o 4 pistas (voz, batería, bajo, otros).</p>
<h2>MusicVolume EQ - Ecualizador</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/75/MusicVolume-EQ-app.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/75/MusicVolume-EQ-app.jpg" alt="Music Volume App"></picture></figure>
<p>Existe una cantidad enorme de aplicaciones de ecualización gratuitas, pero esta tiene todo lo necesario: ecualizador de cinco bandas con nueve presets, control de volumen y potenciador de bajos.</p>
<h2>RealDrum - Batería Electrónica</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/76/RealDrum.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/76/RealDrum.png" alt="Real Drum"></picture></figure>
<p>Una simpática aplicación que simula una batería real que podrás tocar con la punta de tus dedos. Permite personalizar con imágenes y sonidos, grabar y exportar las grabaciones en formato MP3.</p>
<h2>Real Piano - Piano Electrónico</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/77/RealPiano.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/77/RealPiano.png" alt="Real Piano"></picture></figure>
<p>Existen muchas aplicaciones de piano, pero esta funciona completa y rápidamente. El único problema es que está únicamente en inglés. Si necesitas confirmar notas o escuchar un acorde específico rápidamente, esta app es más que suficiente.</p>
<p>Te recordamos que puedes revisar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre algunos consejos para <a href="https://escuelademusica.com/articulos/que-auriculares-me-compro">elegir nuevos auriculares</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Hay un montón de aplicaciones de música, muchas de ellas llenas de anuncios y flaquean en sus funciones, aquí te recomendamos algunas

Las mejores apps de música gratis

<p>En el día a día tendemos a consumir música en reproductores de muy mala calidad como auriculares o parlantes genéricos de computadoras y speakers de laptops. Si eres un melómano y quieres elevar el nivel de tu escucha, ha llegado el momento de que inviertas en un buen equipo.</p>
<p>La primera gran diferencia que podemos hacer va en la clasificación de los auriculares:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/78/InearOnearOverear.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/78/InearOnearOverear.png" alt="Inear-onear-overear"></picture></figure>
<h2>In-Ear</h2>
<p>Los músicos profesionales tienden a utilizarlos como monitores para las presentaciones en vivo. Son los más pequeños de tamaño por lo que la reproducción de frecuencias graves tiende a ser menos fiel, además pueden crear incomodidad al ser introducidos en la cavidad auditiva y deben limpiarse regularmente para procurar una buena higiene.</p>
<h2>On-Ear</h2>
<p>Tienden a ser más cómodos que los in-ear y la reproducción de bajos generalmente es mejor, permiten ajustar su posición y elongación.</p>
<h2>Over-Ear</h2>
<p>Es la elección preferida por los profesionales del audio ya que reproducen mejor la escena sonora de música, película o gaming. Son los más cómodos por regla general lo que permite largas sesiones de escucha. Al no ser intrusivos favorecen la higiene y la escucha social.</p>
<p>Los over-ear podemos dividirlos a su vez en abiertos y cerrados: los cerrados aíslan mejor el sonido interno y externo, por lo que se prefieren para sesiones de grabación; los abiertos dan una sensación más “natural” o “real” de lo que escuchamos, por lo que se prefieren para sesiones de mezcla o mastering.</p>
<p>Si te das cuenta, usamos palabras como “generalmente” y “tienden a” para diferenciar las categorías. La razón es que no necesariamente unos sean mejor que otros solo por su categoría, hay distintas características que pueden hacer a in-ears de 1000 USD reproducir frecuencias y tener una escena sonora mejor que over-ears de 200 USD.</p>
<p>Algunas características para tener en cuenta:</p>
<h3>Tamaño del driver</h3>
<p>Generalmente no es tan importante. En equipos de la misma gama, un mayor tamaño del driver puede ser mejor, pero si un equipo de menor gama tiene un driver grande, seguramente producirá más distorsión armónica.</p>
<h3>Tipo de driver</h3>
<p>Cada tipo de driver tiene sus pro y contras, precio incluido.
Los dinámicos tienden a tener más distorsión en las frecuencias agudas. Los electroestáticos son los más costosos y realistas.
Los planares magnéticos u ortodinámicos generalmente requieren de un amplificador y son más costosos pero producen menos distorsión a volúmenes altos.
Los balanceados típicos en los in-ear, no reproducen bien las frecuencias bajas.</p>
<h3>Impedancia</h3>
<p>Se mide en OHMS (Ω), a menor cantidad de OHMS se necesita menos energía para reproducir el sonido, a mayor cantidad de OHMS se necesita más energía. El rango es tan amplio como desde 16 OHMS a 600 OHMS, la calidad de sonido incrementa con la cantidad de OHMS.
Si se necesita usar un amplificador, la impedancia de los audífonos debe ser al menos 8 veces la impedancia del amplificador, por ejemplo:
Impedancia del amplificador 10 Ohm, Impedancia de audífonos 80 Ohms o más.</p>
<p>Por regla general para auriculares de entre 1-32 OHMS un smartphone es suficiente para reproducir el sonido; entre 33-100 OHMS es posible desde un smartphone pero la potencia de volumen será menor; para más de 100 OHMS se recomienda el uso de un amplificador.</p>
<h3>Sensibilidad o SPL (Sound Pressure Level)</h3>
<p>100db es una sensibilidad relativamente alta, 80dB es una sensibilidad relativamente baja.
No es una característica útil ya que cada compañía realiza las medidas de distintas maneras, por lo que los resultados que se muestran no son objetivos. Una alta sensibilidad (que en principio es mejor) en un equipo de baja gama, causa un aumento en la cantidad de ruido que filtran los componentes del equipo. Si el auricular utiliza amplificador y no son de alta calidad, también pueden generar ruido extra.</p>
<h3>Distorsión armónica</h3>
<p>Menos distorsión siempre será mejor, 1% en 100 decibeles es una buena relación.</p>
<h3>Respuesta de frecuencia o rango de frecuencia</h3>
<p>El oido humano percibe frecuencias entre 20Hz a 20.000Hz, más grave o más agudo de ese rango es poco relevante.</p>
<p>A continuación una tabla de referencia con información cruzada entre la lista de In-Ears y Over-Ears de <a href="https://crinacle.com/">Crinacle</a> y Amazon. Para cada rango de precios se lista la opción preferida en ambos listados:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/79/AuricularesMedicion.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/79/AuricularesMedicion.png" alt="lista referencia auriculares"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/141/KOSSKSC75.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/141/KOSSKSC75.jpg" alt="Koss KSC75"></picture><figcaption><span>Koss KSC75</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/142/SONYMDRCD380.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/142/SONYMDRCD380.jpg" alt="Sony MDR-CD380"></picture><figcaption><span>Sony MDR-CD380</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/143/1MORE-MK801.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/143/1MORE-MK801.png" alt="1MORE MK801"></picture><figcaption><span>1MORE MK801</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/144/SHURE-SRH440.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/144/SHURE-SRH440.png" alt="Shure SRH440"></picture><figcaption><span>Shure SRH440</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/145/SHURE-SRH840.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/145/SHURE-SRH840.png" alt="Shure SRH840"></picture><figcaption><span>Shure SRH840</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/146/AKG-K612-PRO.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/146/AKG-K612-PRO.png" alt="AKG K612 PRO"></picture><figcaption><span>AKG K612 PRO</span></figcaption></figure>
<hr />
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/147/TRUTHEAR-HOLA.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/147/TRUTHEAR-HOLA.png" alt="Truthear Hola"></picture><figcaption><span>Truthear Hola</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/149/tinhifi-t3-plus-hifigo-341948_1000x1000.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/149/tinhifi-t3-plus-hifigo-341948_1000x1000.png" alt="Tin HiFi T2/T3 Plus"></picture><figcaption><span>Tin HiFi T2/T3 Plus</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/148/TRUTHEAR-HEXA.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/148/TRUTHEAR-HEXA.jpg" alt="Truthear Hexa"></picture><figcaption><span>Truthear Hexa</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/150/ETYMOTIC-ER2SE.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/150/ETYMOTIC-ER2SE.png" alt="Etymotic ER2SE/ER2XR"></picture><figcaption><span>Etymotic ER2SE/ER2XR</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/151/samsung-galaxy-buds-plus.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/151/samsung-galaxy-buds-plus.png" alt="Samsung Galaxy Buds+"></picture><figcaption><span>Samsung Galaxy Buds+</span></figcaption></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/152/7hztimeless.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/152/7hztimeless.jpg" alt="7hz Timeless"></picture><figcaption><span>7hz Timeless</span></figcaption></figure>
<p>Puedes revisar el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> y así complementar tu formación musical, la vez anterior hablamos sobre la vida del <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-ser-un-musico-de-sesion">músico de sesión</a></p>


Si eres un melómano y quieres elevar el nivel de tu escucha, ha llegado el momento de que inviertas en un buen equipo.

¿Qué auriculares me compro?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/169/sessionmusician.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/169/sessionmusician.png" alt="Session Musician"></picture></figure>
<h3>¿Qué es un músico de sesión?</h3>
<p>En pocas palabras es aquel músico que trabaja por sesión de grabación con un artista, generalmente el cantante, líder de una agrupación o productor. Este trabajo en ocasiones está planificado, lo que permite al sesionista prepararse con tiempo, pero a veces se trata de una reunión urgente, por lo que es ideal ser un músico versátil y estar preparado para cualquier imprevisto.</p>
<p>El trabajo básico para ser un músico de sesión no escapa al de un estudiante regular de música, pero tiene unos importantes añadidos que podríamos agrupar de la siguiente manera:</p>
<h3>Requisitos intelectuales</h3>
<p>•	Algo bastante obvio es que el trabajo del músico de sesión se basa mucho en la improvisación. Por lo tanto debes tener a tu disposición toda la cantidad de herramientas de conocimiento posibles, dominar la teoría, armonía, escalas, progresiones, modulaciones, etc.</p>
<p>•	El uso correcto de la tecnología es un factor importante, aprender a usar las estaciones de trabajo de audio digital (DAW) al máximo es algo que optimizará el uso del tiempo.</p>
<h3>Requisitos de grabación</h3>
<p>•	Además de dominar el proceso y conceptos de grabación como tracking y overdubs, debes conocer al extremo cuál es la función por regla general de tu instrumento específico. En algunos casos tendrás que desarrollar un estilo más rítmico, en otros casos atmosférico, melódico o de solo relleno dependiendo del artista y género musical.</p>
<p>•	Es necesario abarcar un amplio rango de posibilidades de ensamble, desde tocar a solas con un cantante o ser parte de una banda grande con más de 30 integrantes.</p>
<p>•	Debes preocuparte en conseguir un sonido versátil, desde el trabajo de los dedos mismos, independiente de cualquier elemento externo, hasta el uso de pedales y efectos sonoros que puedan incrementar tu flexibilidad en cuanto a distintos géneros musicales.</p>
<p>•	Algunos artistas pueden creer que si el resultado se obtiene demasiado rápido no es el correcto y pedirán hacer muchas variaciones. Trabaja a su ritmo, pero también graba las distintas etapas del proceso por si es necesario regresar a un momento anterior.</p>
<h3>Factores espaciales</h3>
<p>•	Debes decidir si el espacio de trabajo será en tu lugar propio o en un estudio de grabación ajeno. En el primer caso debes invertir tiempo, espacio físico y dinero en acondicionarlo correctamente para que el artista se sienta cómodo y puedan interactuar visualmente sin interrupciones. En el segundo caso debes acomodar tus equipos con suficiente tiempo en el estudio y tu posición de manera que tengas un campo de visión e interacción correctos a toda hora con el artista, productor e ingeniero de sonido.</p>
<p>•	Es importante poder comunicarse directamente y en tiempo real con el artista, poder ver sus cambios de expresión. Adaptarte si sientes que se emocionan o si lo ves incómodo.</p>
<h3>Factores psicológicos/sociales</h3>
<p>•	Como músico de sesión te encontrarás con distintas personalidades, algunos artistas querrán darte todas y cada una de las directrices, dejando el margen de improvisación al mínimo, mientras que otros te darán mucha libertad para que imprimas tu estilo a su producción.</p>
<p>•	Recuerda que cada proyecto es un mundo completamente distinto, es importante mantener la actitud de seguir intentando y profundizando en la canción.</p>
<p>•	Puede tener el caso de un artista joven que te diga que no le gusta lo que estás haciendo. En repetidas ocasiones será necesario dejar al lado el ego por un momento para recibir con serenidad críticas constructivas de quienes te rodean y proponer variaciones.</p>
<p>•	Una estrategia para mantener el ánimo del artista alto es por ejemplo comenzar trabajando en el coro de la canción. Si el coro suena grande, lleno y amplio, por ejemplo usando efectos de paneo, será más fácil conseguir el sentimiento de que se está avanzando en una canción, algo que generalmente requiere de mucho tiempo y esfuerzo.</p>
<p>Recuerda que tu objetivo final es el de descifrar exactamente lo que necesita el artista y entregárselo, que puede o no ser alguien que maneje a cabalidad la jerga musical.  Tendrás que traducir, preguntar, probar y reintentar las veces que sean necesarias, esta puede ser la clave para vivir como sesionista, por lo tanto ¡mucha paciencia!</p>
<p>Puedes visitar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> de la web y revisar el resto de información que tenemos para ti, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-prepararme-para-una-jam-session">cómo enfrentar una jam session</a></p>


Si quieres convertirte en un músico de sesión muy completo aquí te explicamos sus detalles y los requisitos que necesitas cumplir.

¿Cómo ser un músico de sesión?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/168/jamsession.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/168/jamsession.png" alt="Jam Session"></picture></figure>
<h3>Pero, ¿qué es una Jam Session?</h3>
<p>Las Jam son sesiones de improvisación que sirven para que los músicos de todo nivel interactúen con otros en base a ciertos lineamientos básicos como pueden ser una tonalidad, una idea rítmica base o un tema de referencia.</p>
<p>La ventaja principal de este tipo de sesiones es que te obligan a dominar tu instrumento de manera práctica, desarrollar ideas musicales al instante, al tiempo que ganas experiencia y conoces nuevos músicos.</p>
<h3>Estructura de una Jam Session</h3>
<p>Generalmente una banda abre el evento con un concierto corto y empieza la sesión, los músicos de la banda base podrán tocar si no hay otros músicos en el público que los releve.</p>
<p>Las melodías de los temas se sobreentiende que las tocará un instrumento melódico; si hay varios en escena se deben repartir las voces a común acuerdo, de lo contrario algún instrumento armónico tomará el papel.</p>
<h3>Antes de la Jam</h3>
<p>•	Antes de adentrarte en el mundo de las Jam Sessions, es recomendable que seas parte del público. Fíjate en el comportamiento de otros músicos con más experiencia. Observa con qué equipos puedes contar en escena y cuáles debes llevar.</p>
<p>•	Lleva tu propio instrumento, lo mínimo necesario para que puedas conectarte y desconectarte rápidamente y ceder tu espacio a otro músico sin ocasionar retrasos.</p>
<p>•	Conoce el género o géneros musicales que se tocan a lo largo de la Jam. Generalmente, todo gira en torno a un mismo tipo de música, por lo que es posible que cada día de la semana se enfoque en un estilo diferente.</p>
<p>•	Intenta tocar con gente de tu nivel y evalúa si la Jam está por encima de tus habilidades técnicas actuales. Por ejemplo, intentar tocar siguiendo una partitura no suele estar bien visto.</p>
<p>•	Aprende los temas clásicos o standards, las canciones típicas del repertorio. Cada género musical tiene un buen puñado de canciones que se consideran imprescindibles, aprende la melodía por separado y los acordes. Si no conoces ninguna, ¡pregunta cuáles son!</p>
<p>•	Estudia los temas a distintos tempos, más rápido y más lento de lo que son originalmente.</p>
<p>•	Incluye en tu rutina de estudios distintas maneras de terminar un solo, también de comenzar (intro) y terminar (outro) la canción entera. Practica cómo dar la entrada a los temas al resto de tus compañeros de una manera bastante obvia.</p>
<p>•	Es recomendable pero no imprescindible desarrollar la lectura a primera vista por si se da la ocasión.</p>
<p>•	Programas como iReal Pro permiten practicar en casa a solas en vísperas de la siguiente Jam.</p>
<h3>Durante la Jam</h3>
<p>•	Saluda a tus compañeros de Jam siempre con una sonrisa.</p>
<p>•	Acata siempre las normas que indique el organizador u organizadores de la Jam.</p>
<p>•	Trata de no imponer temas que conozcas sino de negociar, por esta razón es importante tener varias opciones bajo la manga.</p>
<p>•	Ajusta la ecualización y volumen rápidamente, trata de no sobresalir si eres principalmente acompañante.</p>
<p>•	Es muy recomendable que no toques más de dos temas las primeras veces que participes, permite todos los músicos tengan tiempo de intervenir y escucha atentamente lo que hace el resto.</p>
<p>•	Concéntrate en escuchar mucho lo que hace cada instrumento mientras no sea tu momento de tocar o solear, reacciona cuando hacen algo inesperado o también cuando mantienen un mismo patrón por mucho tiempo.</p>
<p>•	Si conoces la estructura del tema, al final de cada vuelta sucederá algo nuevo, una nueva improvisación, tú turno, o el verdadero final.</p>
<p>•	Haz tus solos preferiblemente cortos y no interrumpas el solo de otro músico, debes desarrollar la escucha para saber cuando ha terminado el solo de otra persona.</p>
<p>•	Es típico hacer citas de trozos o secciones de solos famosos de otros músicos legendarios, pero no está bien visto tocarlos enteramente iguales.</p>
<p>•	No es necesario que todos los integrantes de la Jam hagan solos en todos los temas, el silencio también es parte importante de la música.</p>
<p>•	A veces la labor de acompañante es más que suficiente si se realiza bien, aplicando las dinámicas y haciendo que el solista brille.</p>
<h3>Luego de la Jam</h3>
<p>•	Trabaja en ampliar poco a poco tu red de músicos, de esa forma tendrás con quien practicar y con quien compartir ideas y conocimiento. La música es un mundo social donde aprendemos y enseñamos a partes iguales en todo momento.</p>
<p>Puedes leer el resto de nuestros <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> en la sección de la página web, te recordamos que la vez anterior te enseñamos a <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-conseguir-un-buen-profesor-de-musica">conseguir un buen profesor de música</a></p>


¡Aquí encontrarás los mejores consejos para adentrarte en el mundo de las Jam Sessions y salir ileso!

¿Cómo prepararme para una Jam Session?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/50/TeacherHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/50/TeacherHeader.jpg" alt="Music Teacher"></picture></figure>
<h2>Prólogo personal</h2>
<p>Una persona allegada, pianista graduado de conservatorio, logró ver una clase presencial y personal luego de muchos intentos con un pianista clásico/académico de muy alto nivel, concertista, bastante conocido en el medio a nivel internacional. Mi curiosidad de qué había aprendido durante la sesión me hizo preguntarle al respecto, a lo que me respondió que había sido la peor, si no una de las peores clases de música que había recibido en su vida.</p>
<h2>El error común</h2>
<p>Creer que porque un músico es buen ejecutante será inmediatamente un buen profesor, es algo que muchos novatos y padres asumen por error. Generalmente luego de ver a un músico lucirse en escena, el aspirante querrá lograr ese mismo nivel para también cautivar al público. Es más común de lo esperado que músicos con una habilidad muy alta e innata, generalmente no sean buenos profesores, pero ¿por qué?</p>
<p>Esos músicos que consideramos virtuosos o que tienen un control muy alto de su instrumento, tienden desde muy jóvenes a desarrollar habilidades poco comunes, con las cuales evitan los problemas técnicos a los que la mayoría de las personas nos enfrentamos en nuestro camino musical. Generalmente resolvieron muy rápidamente estas dificultades por lo que no recuerdan qué fue lo que hicieron exactamente para mejorar.</p>
<p>Por el contrario, aquellas personas que han llegado a dominar su instrumento mediante muchísimas más horas de estudio, práctica y errores, generalmente podrán compartir contigo su camino, el que les funcionó a ellos, que puede o no, funcionarte a ti.</p>
<p>Siguiendo esta lógica, los mejores profesores de música podrían ser quienes te den distintos caminos a elegir para resolver un problema y a su vez, aquellos que expliquen con paciencia conceptos que parecen muy complejos de distintas maneras hasta que logres entenderlos. Puede que no te enamores de su forma de tocar, pero seguramente sí lo harás de su forma de enseñar.</p>
<p>Es decir, hay que tener en cuenta que un buen ejecutante no necesariamente será un buen profesor y aún menos ese profesor que estás buscando. Es importante que tu personalidad y la del profesor hagan “match”, que sientas cómodo y divertido el proceso de aprender música, a veces solo lo sabrás experimentando al menos una clase.</p>
<p>Si consigues un profesor al que admiras por su forma de tocar y de enseñar ¡considérate una persona muy afortunada!</p>
<h2>¿Qué recomendamos?</h2>
<p>No temer a preguntar mucho. Recuerda que estás pagando por servicios profesionales y que el profesor trabaja para ti, no al contrario. Toma las primeras lecciones como una entrevista o un período de prueba, y fíjate como te sientes con el método que comparte esta persona.</p>
<p>No asumas que el profesor que ha funcionado para tus amigos, servirá para ti.No pierdas tiempo con un instructor con el que no te sientes bien, solo por la presión de haber sido referido por una persona en común.</p>
<p>Consigue alguien que pueda ayudarte a cumplir tus objetivos. Si quieres aprender un género musical específico, busca al profesor que lo conozca a fondo. Si quieres saber un poco de todo, también, sé directo y pregunta quién puede guiarte durante todo el camino. Si no sabes por donde quieres empezar ¡También debes decirlo! Si la respuesta del educador te hace sentir bien, de seguro has encontrado una buena opción.</p>
<p>Es importante que se especialice en tu nivel, no cualquier persona puede enseñar a principiantes, intermedios y avanzados de la mejor manera. Un profesor casi siempre se especializa en solo uno de estos grupos, y debería crear un plan de acción que se ajuste a tus necesidades.</p>
<p>No pierdas de vista que hay cosas fundamentales que todos debemos saber, no evadas las críticas de un profesor que quiere enseñarte las bases universales de tu instrumento. Mientras un profesor muy estricto puede hacer que abandones la música por completo, con uno muy descuidado tampoco llegarás lejos. Un buen profesor te explicará por qué aprender tal cuestión técnica es relevante ahora y en el futuro para que seas un mejor ejecutante.</p>
<p>Por último busca alguien que te haga disfrutar de la música, que se alegre por tu crecimiento personal y espiritual al tiempo que te empuja a romper tus propios límites.</p>
<h3>Antes de conseguir un buen profesor,  ¿qué deberías saber de ti?</h3>
<p>Tu nivel musical: principiante, intermedio o avanzado.</p>
<p>Lo que deseas aprender: leer partituras, aprender teoría, armonía, sacar canciones de oído…</p>
<p>El género musical que quieres aprender: jazz, clásica, rock, soul, blues, metal, latino, funk…</p>
<p>El lugar donde deseas aprender: en un ambiente grupal, en una institución o escuela, lecciones particulares presenciales…</p>
<p>Transporte: ¿el profesor debe ir a tu domicilio o te desplazas? De ser así ¿qué tan lejos estás dispuesto a movilizarte?</p>
<p>Online: ¿quieres aprender desde casa?</p>
<p>Frecuencia: quieres clases cada semana, mes, trimestre…</p>
<h3>¿Qué puedes preguntar a un (futuro) profesor de música?</h3>
<p>¿Cuál es su historia musical?</p>
<p>¿Prefiere enseñar estudiantes de qué edad?</p>
<p>¿Cómo ha sido su experiencia musical?</p>
<p>¿Cuánta práctica requiere diariamente?</p>
<p>¿Requiere que sus estudiantes hagan presentaciones en público?</p>
<p>¿Usa algún tipo de tecnología para sus clases?</p>
<p>¿Cuál es el costo y método/plan de pago preferido?</p>
<p>¿Ofrece una clase introductoria o período de prueba?</p>
<h3>Preguntas adicionales para los padres</h3>
<p>¿El profesor enseña varios instrumentos?</p>
<p>Muchos grandes músicos tocaron varios instrumentos hasta encontrar el que realmente querían, tu hijo puede empezar a tocar el violín porque fue el primer instrumento que tuvo a disposición o porque estaba en casa o porque lo vio en un concierto. Pero con el tiempo puede que prefiera el timbre de un instrumento “semejante” como el violonchelo, o uno completamente distinto como la guitarra eléctrica. ¡Tampoco está de más saber si el profesor incluye la voz como instrumento en sus clases! Posiblemente tu hijo quiera ser un cantante profesional.</p>
<p>¿Cómo enseña a los niños la práctica musical?</p>
<p>Preferiblemente la respuesta a esta pregunta deba estar ligada a cómo el niño aprende activamente y no a cómo los padres tienen que vigilar el tiempo de práctica del estudiante. Es importante establecer el interés del niño y lo que lo motiva a hacer música, conseguir la manera ideal de resolver los problemas técnicos y no enfocarse en la lectura musical sino en la práctica, mediante el canto, el movimiento y el baile.</p>
<h2>La visión de Lore Paz</h2>
<p>Hace poco Miki realizó una entrevista en EDB a Lore Paz, una reconocida guitarrista/bajista que comparte la labor de educación musical con nosotros. Su punto de vista es bastante claro al respecto:</p>
<p>“Las clases online están para quedarse, hasta las compañías más grandes se han concentrado en el teletrabajo. En el tiempo de pandemia hubo músicos que se especializaron en clases a distancia, tenemos muchos ejemplos de buenos profesores y plataformas entregando conocimiento y habilidades. La ventaja de esta metodología es que puedes tomar solo una, dos o tres clases, o pagar un mes de suscripción y atreverte, ya no tienes la obligación de engancharte con alguien, ir hasta su casa o sentirte esclavizado por un profesor. Puedes saltar entre páginas o profesores y eso es lo más lindo de este nuevo espacio en línea”</p>
<p>@youtube(F_ziOqQPykE)</p>
<p>Te recordamos que puedes visitar y revisar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, el que publicamos anteriormente te daba pautas para <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-crear-una-rutina-de-estudios">construir una rutina de estudios</a></p>


Te regalamos algunos consejos para conseguir el profesor perfecto y puedas disfrutar durante todo el proceso de aprendizaje de música.

Cómo conseguir un buen profesor de música

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/54/StudyHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/54/StudyHeader.jpg" alt="Study Header"></picture></figure>
<p>La rutina de estudios musicales, como muchas otras rutinas de vida, dependen mucho de nuestra personalidad y actividades diarias. Es complicado imponer una serie de reglas que sirvan universalmente ya que cada persona tiene objetivos musicales distintos, disponibilidad de tiempo distinta, resistencia física y mental distintas.</p>
<p>Además, estas variables se modifican con el pasar del tiempo y nuestro progreso como ejecutantes, es distinto el nivel de exigencia para un principiante que para alguien con habilidades intermedias-avanzadas.
Lo que sí es inevitable es la necesidad de ser constantes; toda clase de músico, desde los instrumentistas, cantantes, compositores, arreglistas, deben estudiar de manera regular para alcanzar nuevos niveles técnicos, musicales o de entendimiento en general.</p>
<p>Con constancia y regularidad no hablamos necesariamente de estudiar todos los días a toda hora. Para algunas personas funciona mejor estudiar media hora al día o por bloques de diez minutos; lo importante es procurar una concentración del 100% en este período, evitando al máximo cualquier distracción. Recientes estudios hechos en el Reino Unido concluyen que el ser humano promedio puede mantener su atención enfocada por un período de aproximadamente 15 a 20 minutos.</p>
<p>Una técnica que puedes utilizar para aprovechar este período es colocar una alarma a 20 minutos y concentrarte en un único objetivo durante este tiempo. Al terminar de practicar haz un descanso donde permitas a la mente divagar y vuelve a repetir con el mismo objetivo o con uno distinto si ya cumpliste el anterior. Esto entrena a la mente a enfocarse en completar una tarea antes de continuar con otras.</p>
<h2>Rutina de ejemplo: Steve Vai</h2>
<p>En 1990 el virtuoso guitarrista eléctrico Steve Vai dio a conocer al mundo su régimen de ejercicios de manera muy detallada, donde explicó una extensa rutina de 10 horas diarias que mantuvo por años y cómo la distribuía.</p>
<h3>1.	La primera hora consistía de ejercicios técnicamente incómodos:</h3>
<p>Tocar tres o cuatro notas en una cuerda y repetir en otra, pero evitando siempre las cuerdas contiguas.</p>
<p>Repetir el ejercicio a una velocidad extremadamente lenta con la ayuda del metrónomo y hacerlo a lo largo de todo el mástil del instrumento.</p>
<p>Desarrollar elasticidad al tocar notas que estén muy separadas en el mástil, dejando la menor separación posible entre el sonido de una y otra. Aquí es importante evitar cualquier sensación de dolor; el dolor siempre es una advertencia de que debemos pausar la sesión.</p>
<p>A veces trabajaría en otras técnicas como el vibrato, hammer-on y pull-offs, trinos, etc…</p>
<h3>2.	La segunda hora es de escalas.</h3>
<p>Tocar las 12 escalas mayores a distintas velocidades.</p>
<p>Tocar los modos griegos con distintos patrones de intervalos. Aquí sugiero escuchar la nota base de la escala como nota pedal mientras se realiza este ejercicio, para así interiorizar al máximo el sonido del modo en cuestión.</p>
<p>Tocar las escalas desde la nota más grave hasta la más aguda posible del mástil, pero sin seguir una posición ni una secuencia en particular. De esta manera se desarrolla el movimiento en diagonal en vez de vertical y una conexión estrecha entre el oído y los dedos.</p>
<h3>3.	La tercera hora es de acordes.</h3>
<p>Tocar standards del real book.</p>
<p>Experimentar con acordes y voicings inusuales.</p>
<p>Crear un groove rítmico sobre un solo acorde e improvisar encima.</p>
<p>Estas tres horas eran repetidas tres veces al día para completar 9 horas, haciendo de vez en cuando algunas variaciones.</p>
<h3>4.	La última hora del día era de sensibilidad.</h3>
<p>Lo primero que hacía era olvidar todo lo que había estudiado durante el día.</p>
<p>Improvisar, tratando de tocar con la mayor sensibilidad posible.</p>
<p>Tratar de reproducir frases habladas con la guitarra (un ejemplo fenomenal de esto puede escucharse en la canción “The Dangerous Kitchen” de Frank Zappa)</p>
<p>@youtube(RPR149vOsls)</p>
<p>Al emular la voz con el instrumento, podemos llegar al punto de hablar con nosotros mismos, de decirnos cosas que solo nosotros podemos comprender, que pertenecen a nuestro mundo interno, y exteriorizarlas mediante nuestro instrumento. Esto sin duda ayuda a desarrollar un lenguaje propio, uno que no se produce desde la pura intelectualidad musical.</p>
<h2>¿Qué piensan al respecto otros músicos profesionales?</h2>
<p>A continuación, compartimos algunas reflexiones de distintos músicos consagrados sobre la importancia de la práctica y de cómo afrontar una rutina de estudios saludable. Al contrastarlas te darás cuenta de que hay elementos en común pero no todos comparten exactamente el mismo enfoque.</p>
<h2>Víctor Wooten (bajista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/55/Wooten.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/55/Wooten.jpg" alt="Wooten"></picture></figure>
<p>“Es más importante disfrutar de lo que estás aprendiendo y practicando, que lograrlo más rápido que los demás”</p>
<p>“La belleza del alfabeto musical A, B, C, D, E, F, G, no es usarlo en orden, sino en desorden. Ahí es donde viene el crecimiento, en la exploración y mezcla de estas letras. Al igual que tomamos las letras del alfabeto y creamos palabras para expresarnos, lo hacemos con la música.”</p>
<p>“No aprendes a hablar estudiando en un cuarto, aprendes a hablar literalmente haciéndolo, junto a otras personas, igual con la música”</p>
<p>“La ciencia defiende la posibilidad de que estudiar por períodos cortos sea mejor, porque el momento real en el que aprendes, es en el descanso, cuando dejas de estudiar”</p>
<p>“Algunas de las preguntas que me hago al estudiar conceptos básicos como escalas son: ¿Puedo hacer que una escala mayor suene funky? ¿Puedo hacer que una escala suene a swing? ¿Puedo hacer que suene a blues? ¿Puedo hacer que suene a metal o progresivo? Así te darás cuenta de que los géneros musicales no tienen tanto que ver con qué notas tocas sino como se siente o haces sentir a los demás con ellas”</p>
<h2>Joe Dart (bajista - Vulfpeck)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/56/Dart.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/56/Dart.png" alt="Dart"></picture></figure>
<p>“Trabajo regularmente algo de velocidad, destreza y resistencia, pero siempre pienso en el pulso y el groove. Cuando me preguntan acerca de un rudimento importante para practicar, es el pulso, trato de pensar como un baterista mientras toco”</p>
<p>“Al ser bajista siento cierta responsabilidad, porque mientras otros instrumentos pueden parar y continuar, el bajo tiene que seguir sonando; si el bajo se detiene, todos lo notan. Mi trabajo es groovear y mantener la base para el resto de la banda, algo que me encanta”</p>
<h2>Jaco Pastorious (bajista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/57/Jaco.jpeg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/57/Jaco.jpeg" alt="Pastorius"></picture></figure>
<p>“Mantengan sus mentes abiertas, la primera vez que vine a New York, todos querían tocar jazz, nadie sabía de rock n' roll, de funk, de nada, ahora en New York está bien tocar de todo. En Florida donde crecí tuve la oportunidad de tocar con todo tipo de músicos, toqué hasta en bandas de country y me encantó. Mantengan los oídos abiertos, es mi único consejo”</p>
<h2>Flea (bajista – Red Hot Chili Peppers)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/58/Flea.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/58/Flea.jpg" alt="Flea"></picture></figure>
<p>“Algo que trato de emular de los bajistas que admiro es que, aunque estén tocando líneas simples siempre puedes escuchar sutilezas que hacen toda la diferencia. Estoy seguro de que no lo hacen por el simple hecho de lucirse, sino porque reaccionan a lo que hace el resto de la banda, y logran que el todo se escuche mucho mejor”</p>
<h2>Michael Brecker (saxofonista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/59/Brecker.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/59/Brecker.png" alt="Brecker"></picture></figure>
<p>“Tomo cualquier idea melódica y la toco en todas las tonalidades, empiezo en la nota más grave del instrumento y llego tan agudo como puedo. Es posible que las frases no suenen bien en todas las tonalidades, o en el registro agudo o grave, pero igualmente las estudio, me parece productivo practicar de esa manera”</p>
<p>“Si tienes que escribir la frase o idea, hazlo en una sola tonalidad. Apréndela de oído, relacionándola con la escala o grados de los acordes; si la escribes en cada tonalidad nunca te la aprenderás realmente”</p>
<p>“No soy de esas personas que tiene una memoria perfecta de lo que estudio, a veces me aprendo un lick de algún músico que admiro, y luego de dos meses lo olvido. Pero luego reaparece en mis improvisaciones de una manera completamente modificada. Me convencí a mí mismo de que a pesar de no recordar exactamente muchas frases, se manifestarían en mi psique. La música para mí es muy intuitiva, no soy un ejecutante intelectual, mi mente no funciona así”</p>
<h2>Chris Potter (saxofonista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/60/Potter.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/60/Potter.jpg" alt="Potter"></picture></figure>
<p>“No soy del tipo de persona que dice, voy a estudiar por 2 horas, 15 minutos esto, después esto, después esto. Nunca lo he hecho así, para mí se trata más de un flujo de ideas, busco mis limitaciones e invento cualquier manera de sobrepasarlas”</p>
<p>“El proceso más duradero por el que he pasado implicó escuchar muchos discos una y otra vez, tratando de imitar lo que escuchaba lo más parecido posible, así de simple. Desde discos de jazz hasta la consagración de la primavera de Stravinsky o ritmos de tabla india, siempre trato de hacer música a partir de cualquier fuente”</p>
<p>“No recuerdo haber transcrito muchos solos, simplemente tocaba una y otra vez encima de las pistas, tratando de adoptar el lenguaje como hace cualquier niño. No hablas pensando ‘debo decir este verbo en participio pasado’, simplemente lo haces, porque si lo piensas mucho se te escapa la oportunidad de hablar”</p>
<h2>Steve Vai (guitarrista)</h2>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/61/Vai.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/61/Vai.jpg" alt="Vai"></picture></figure>
<p>“No creo que exista una regla de oro, si tratas de hacer lo que alguien más dice que es una regla de oro, puede que actúes en contra de tu buen juicio, la mayoría del tiempo la innovación aparece cuando las personas rompen las reglas”</p>
<p>“Si tuviera que dar una regla de oro sería: no tomes lo que nadie te dice por sentado, la música es una forma de arte, una expresión propia, debes hacer las cosas a tu manera. Es muy importante escuchar lo que otros han aprendido y les ha funcionado, pero no debes dejarte llevar por completo, porque empezarás a sonar como alguien más y perderás tu identidad musical en el proceso”</p>
<p>“Podría decirte ‘toca desde el corazón’, pero eso ¿qué significa? Creo que significa ‘toca desde tu propio corazón’. Para conocer que hay en tu corazón, tienes que conocerte a ti mismo, y para conocerte tienes que ser tú mismo”</p>
<p>“El trabajo técnico es muy importante, siempre he tratado de balancear lo técnico con lo emocional y me he dado cuenta de que, una vez que mis habilidades motoras están pulidas, es mucho más fácil expresarme. Lo que debes evitar es dejarte llevar únicamente por estas habilidades, de lo contrario se pierde de vista la razón por la cual estudias técnica en un principio, que es la de comunicar”</p>
<p>Te recordamos que puedes revisar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a> de la web, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/en-que-se-diferencia-un-bajo-activo-de-un-bajo-pasivo">la diferencia entre el bajo pasivo y activo</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


Comparamos aproximaciones de distintos músicos consagrados sobre la práctica y el estudio de la música en general.

Cómo crear una rutina de estudios

<p>Hay una serie de preguntas muy comunes entre personas que se inician en el mundo del bajo eléctrico: ¿Cuál es la diferencia entre un bajo pasivo y un bajo con sistema activo? ¿En qué afecta esto a la hora de elegir un bajo? ¿Afecta mi manera de tocar? A continuación resolveremos todas estas dudas.</p>
<h2>El bajo con sistema pasivo</h2>
<p>Al hablar de un sistema o circuito pasivo, nos referimos al primer sistema interno que tenían los bajos eléctricos en su construcción hasta los años 70. Usamos el adjetivo pasivo específicamente cuando el sistema no necesita de energía externa para funcionar.</p>
<p>El sistema pasivo tiene un control de volumen y uno de tono. Esto no es más que un filtro pasa-bajos o low pass que permite reducir agudos, una especie de ecualización sustractiva sencilla. En algunos sistemas pasivos como el PTB de Fender existe además un filtro pasa-altos o high pass que permitiría elegir entre reducir agudos o reducir bajos. La palabra clave en este caso es “reducir”.</p>
<p>El modelo Fender Precision es un ejemplo típico de un bajo con sistema pasivo, con un micrófono (aunque esté dividido, es un solo micrófono), un control de volumen y un control de tono.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/64/precisionbass.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/64/precisionbass.png" alt="Fender Precision"></picture></figure>
<p>El modelo Fender Jazz Bass también es un bajo con sistema pasivo. En este caso posee dos micrófonos, un control de volumen por cada micrófono y un control de tono que afecta en paralelo o simultáneamente ambos micrófonos.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/65/jazzbass.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/65/jazzbass.png" alt="Fender Jazz Bass"></picture></figure>
<p>Como curiosidad, existe un sistema pasivo de la compañía Villex que puede aumentar frecuencias. El truco está en que para poder aumentar de manera pasiva alguna frecuencia, debe “robar” energía de otras frecuencias cercanas. Por lo que, en realidad, el rango tonal del instrumento se reduce de alguna manera.</p>
<h2>¿Cómo es el bajo con sistema activo?</h2>
<p>El sistema activo se empezó a popularizar a partir de 1972, gracias a la compañía Alembic. Tal sistema permite una mejor ecualización y pre-amplificación del sonido desde el mismo instrumento. Usamos el adjetivo activo para todo lo que necesite energía externa para funcionar, en el caso del bajo eléctrico se utilizan baterías de 9V.</p>
<p>La recomendación principal al usar este tipo de sistema es desconectar el cable del instrumento cuando no lo usemos porque consume la batería mientras se encuentre conectado, aunque no lo estemos tocando.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/62/9v.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/62/9v.jpg" alt="Batería 9V"></picture></figure>
<p>La principal diferencia respecto al bajo con sistema pasivo es que además de reducir frecuencias, permite aumentarlas. Esta modificación permite mayor control en la ecualización que en el sistema pasivo. Se realiza mediante otros controles (por eso tendremos más controles en el cuerpo del bajo) y podrá ser generalmente de dos bandas, graves y agudos; o de tres bandas, graves, medios y agudos.</p>
<p>Hay dos configuraciones básicas del bajo con sistema activo:</p>
<p>Micrófonos pasivos + preamplificador activo: es por norma general lo que se conoce como bajo activo, el preamplificador se encuentra dentro del instrumento pero aparte de los micrófonos. Pueden tener un botón para cambiar del sistema pasivo al sistema activo o viceversa.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/67/IbanezSR300E.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/67/IbanezSR300E.jpg" alt="Bajo micrófono pasivo"></picture></figure>
<p>Micrófonos activos: donde el preamplificador está incluido dentro del armazón del micrófono. No tienen el switch para cambiar del sistema pasivo al sistema activo o viceversa. Típicamente, producen mayores frecuencias graves y agudas que los micrófonos pasivos, además de compresión.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/66/Dead4EMG.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/66/Dead4EMG.png" alt="Bajo micrófono activo"></picture></figure>
<p>Cabe destacar que el sonido del bajo siempre se tornará activo en algún momento de la cadena de sonido (ya sea en el punto en que se utilice un buffer, algún otro pedal o al llegar al amplificador), ya que todos estos equipos necesitan de energía externa para funcionar. Cuando hablamos de sistema pasivo o activo, hablamos del sistema interno del bajo.</p>
<h2>Ventajas y desventajas del bajo pasivo y del bajo con sistema activo</h2>
<h3>Ventajas del bajo con sistema pasivo</h3>
<p>No tendrás problemas con baterías para que funcione.</p>
<p>A niveles de señal altos, el clipeo o distorsión no es tan agresivo como en el sistema activo.</p>
<p>La interacción entre los micrófonos, el cable y el amplificador crea un tono particularmente deseable para algunas personas.</p>
<p>Es perfecto si deseas recrear un estilo musical donde se utilizaban este tipo de bajos.</p>
<h3>Desventajas del bajo con sistema pasivo</h3>
<p>Puedes perder agudos, especialmente al utilizar cables de más de tres metros de longitud (se puede utilizar un cable corto y un buffer para resolverlo).</p>
<p>Es posible que la señal llegue a su destino débil y con cierto nivel de ruido.</p>
<p>Un solo control de tono no permite gran modificación de las frecuencias.</p>
<h3>Ventajas del bajo con sistema activo</h3>
<p>No hay problemas con cables largos</p>
<p>Si posee switch para cambiar entre los sistemas, puedes cambiar drásticamente el sonido sin cambiar la ecualización.</p>
<p>Además, podrás cambiar la ecualización del instrumento sin utilizar los controles del amplificador.</p>
<p>El nivel de ruido que genera la señal es más bajo que en el sistema pasivo.</p>
<p>Ofrece un mayor rango de frecuencias a modificar, preferible para la música moderna.</p>
<h3>Desventajas del bajo con sistema activo</h3>
<p>Necesitas baterías y conocer el nivel de carga de las mismas (por lo general dan múltiples avisos en los niveles bajos de carga).</p>
<p>Algunos pedales sin ganancia de entrada o input gain pueden no reaccionar bien a la señal de estos sistemas.</p>
<h2>Curiosidad</h2>
<p>¿Qué crees que se puede hacer con los controles de este bajo?</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/63/knobfest.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/63/knobfest.png" alt="Bajo Alembic"></picture></figure>
<p>Te recordamos que puedes revisar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, la vez pasada hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/tutorial-para-crear-archivos-ireal-pro">cómo crear archivos para la apliación iReal Pro</a> por si quieres echarle un vistazo</p>


¿Cuál es la diferencia entre un bajo pasivo y un bajo con sistema activo? ¿En qué afecta esto a la hora de elegir un bajo? ¿Afecta mi manera de tocar?

Diferencia bajo activo y pasivo

¿En qué se diferencia un bajo activo de un bajo pasivo?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/47/iRealProHeader.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/47/iRealProHeader.png" alt="iRealPro"></picture></figure>
<p>iReal Pro es una aplicación de la compañía Technimo utilizada por muchos músicos en sus rutinas de estudio. La app permite crear y coleccionar partituras de acordes y es utilizada por miles de estudiantes de música en todo el mundo.</p>
<p>Hoy te traemos un tutorial para crear archivos iReal Pro y sacarle el mayor partido a esta app.</p>
<h2>¿Qué son los archivos iReal Pro?</h2>
<p>Los archivos iReal Pro contienen lenguaje HTML, el mismo que se utiliza en la creación de páginas web. En este lenguaje se utilizan etiquetas para comenzar y para finalizar instrucciones.
La etiqueta principal en este tipo de archivos es la “a” que define un hipervínculo, se utiliza &lt; a &gt; para abrir el hipervínculo y &lt;/ a &gt; para cerrarlo. El texto que se encuentre entre las dos etiquetas será el texto del hipervínculo:</p>
<p>&lt; a &gt;Hipervínculo&lt;/ a &gt;</p>
<p>Para añadir un destino al hipervínculo, necesitamos añadir el atributo href. Por ejemplo, hagamos un hipervínculo que nos lleve a la página de Escuela de Música:</p>
<p>&lt; a href=&quot;https://www.escuelademusica.com&quot;&gt;Escuela de Música&lt;/ a &gt;</p>
<p>Para poder visualizar este archivo tenemos que guardarlo como un archivo HTML. La explicación está al final de este artículo en la sección “Crear el archivo HTML”.</p>
<p>Para que el hipervínculo no se dirija a una página web sino al programa iReal Pro debemos modificar el atributo href de la siguiente manera:</p>
<p>&lt; a href=&quot;irealbook://Título=Apellido Nombre=Estilo=Tonalidad=n=Progresión&quot;&gt;Título&lt;/ a &gt;</p>
<p>¿Demasiado complicado? No te preocupes, ¡vamos a examinarlo por partes!</p>
<h2>La estructura de los archivos iReal Pro</h2>
<p>Después del identificador irealbook://, tenemos seis componentes separados por el signo de igual “=”:</p>
<h3>Título</h3>
<p>El título de la canción.</p>
<h3>Apellido Nombre</h3>
<p>Apellido y nombre del compositor con un espacio de por medio, se coloca el apellido primero porque es como lo clasifica iReal Pro internamente.</p>
<h3>Estilo</h3>
<p>escripción corta del estilo para clasificarlo dentro de iReal Pro.
Tonalidad: tonalidad de la canción.</p>
<h3>n</h3>
<p>n es un parámetro que ya no se usa, pero necesario para que el programa identifique correctamente el archivo.</p>
<h3>Progresión</h3>
<p>La progresión de acordes de la canción, aquí se encuentra el grueso del archivo.</p>
<p>Para el primer ejemplo, utilizaremos la lección <a href="https://escueladebajistas.com/cursos/blues/estructura-basica-blues">Estructura Básica del Blues</a> de Escuela de Bajistas, donde tenemos una estructura de 12 compases, cada compás de 4 pulsos. Sin la progresión de acordes, el archivo quedaría:</p>
<p>&lt; a href=&quot;irealbook://Estructura Básica del Blues=Santamaria Miki=Blues=C=n=&quot;&gt;Estructura Básica del Blues&lt;/ a &gt;</p>
<h2>Cómo crear la progresión de acordes</h2>
<p>La mayor parte de nuestro archivo iReal Pro contiene la progresión de acordes, con las siguientes simbologías:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/20/conversions/irealbarradecompas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/20/irealbarradecompas.png" alt="iReal barras de compás"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/21/conversions/irealindicacioncompas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/21/irealindicacioncompas.png" alt="iReal indicación compás"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/22/conversions/irealacordes-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/22/irealacordes.png" alt="iReal acordes permitidos"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/23/conversions/irealrepeticion-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/23/irealrepeticion.png" alt="iReal símbolos de repetición"></picture></figure>
<p>Para crear nuestra estructura de blues, tendríamos que insertar la siguiente progresión en el archivo:</p>
<p>{T44C7   |C7   |C7   |C7   |F7   |F7   |C7   |C7   |G7   |G7   |C7   |C7   }</p>
<p>Otra alternativa utilizando los símbolos de repetición, sería la siguiente:</p>
<p>{T44C7   |x   |x   |x   |F7   |x   |C7   |x   |G7   |x   |C7   |x   }</p>
<p>Es importante dejar cierta cantidad de espacios entre el acorde y la barra de compás para visualizar correctamente la partitura. En este caso hemos dejado tres (3) espacios en blanco siempre.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/24/conversions/irealbienmal-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/24/irealbienmal.png" alt="iReal correcto - incorrecto"></picture></figure>
<p>El archivo HTML completo tendría la siguiente cadena de texto:
&lt; a href=&quot;irealbook://Estructura Básica del Blues=Santamaria Miki=Blues=C=n={T44C7   |C7   |C7   |C7   |F7   |F7   |C7   |C7   |G7   |G7   |C7   |C7   }&quot;&gt;Estructura Básica del Blues&lt;/ a &gt;</p>
<p>La manera alternativa es:</p>
<p>&lt; a href=&quot;irealbook://Estructura Básica del Blues=Santamaria Miki=Blues=C=n={T44C7   |x   |x   |x   |F7   |x   |C7   |x   |G7   |x   |C7   |x   }&quot;&gt;Estructura Básica del Blues&lt;/ a &gt;</p>
<h2>Cómo crear el archivo HTML</h2>
<p>En Windows, podemos abrir el bloc de notas, escribir el código y al guardar cambiamos en la sección tipo de Documento de texto (<em>.txt), a Todos los archivos (</em>.*). Escribimos el nombre del archivo y al final agregamos “.html” sin las comillas.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/85/blocdenotasguardar.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/85/blocdenotasguardar.png" alt="Guardar sin formato Windows"></picture></figure>
<p>En Mac, abrimos TextEdit, seleccionamos Archivo &gt; Nuevo y luego Formato &gt; Convertir a texto sin formato. Escribimos el código, guardamos el archivo con el nombre del archivo seguido de la extensión “.html” sin las comillas. Cuando se te pregunte sobre la extensión, haz clic en “Usar .html”.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/86/textosinformatomac.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/86/textosinformatomac.png" alt="Guardar sin formato MAC"></picture></figure>
<p>Después de crear el archivo, podemos copiarlo en el dispositivo donde tengamos instalada la aplicación iReal Pro. Al abrirlo, por regla general, el dispositivo nos dará la opción de verlo directamente en iReal Pro.</p>
<p>Esperamos que te haya sido de utilidad este tutorial para crear archivos iReal Pro y que le saques todo el partido a la app en tu aprendizaje como músico.</p>
<p>Te invitamos a darle un vistazo a nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior te enseñamos a <a href="https://escuelademusica.com/articulos/lectura-musical-i">leer partituras por primera vez</a></p>


Hoy te traemos un tutorial para crear archivos iReal Pro y sacarle el mayor partido a esta app.

Tutorial para crear archivos iReal Pro

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/49/ReadMusicHeader.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/49/ReadMusicHeader.png" alt="Read Music"></picture></figure>
<p>Saber leer partituras no es algo imprescindible a la hora de tocar un instrumento, pero sí es una de las tantas habilidades que nos hará ser músicos más completos.</p>
<p>Al desarrollar suficientemente la lectura musical, podremos tocar un tema a primera vista, componer y transmitir de manera más fiel nuestras ideas a otro músico o grupo musical. En general, la lectura musical nos posibilita comunicarnos con otros músicos con la menor ambigüedad posible.</p>
<h2>El lenguaje de la música</h2>
<p>Para comenzar a aprender sobre lectura musical, repasaremos algunos conceptos básicos: el pentagrama, las figuras musicales, las claves de sol y fa, etc.</p>
<p>El pentagrama es como un lienzo de cinco líneas horizontales donde se escribe la música:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/10/conversions/pentagrama-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/10/pentagrama.png" alt="Pentagrama"></picture></figure>
<p>El pentagrama se conforma de 5 líneas y 4 espacios interiores:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/9/conversions/pentagrama2-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/9/pentagrama2.png" alt="lineasyespacios"></picture></figure>
<p>En este pentagrama podemos escribir distintas figuras musicales que, dependiendo de su aspecto, tienen distintas duraciones:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/11/conversions/figuras-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/11/figuras.png" alt="Figuras de notas"></picture></figure>
<p>Si nos damos cuenta, todas las figuras musicales tienen algo en común, un círculo que llamamos núcleo. Este núcleo puede situarse en el pentagrama, tanto en las líneas como en los espacios y dependiendo de esa altura cambia su nombre:</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/12/conversions/figurasenpentagrama-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/12/figurasenpentagrama.png" alt="Figuras en pentagrama"></picture></figure>
<p>El último detalle para conocer el nombre exacto de las notas sobre el pentagrama son unos símbolos que llamamos claves y se colocan al inicio del pentagrama, en el extremo izquierdo.</p>
<p>Típicamente usamos la clave de sol para instrumentos agudos (guitarra, flauta, violín) y la clave de fa para instrumentos graves (bajo, trombón, fagot).</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/13/conversions/claves-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/13/claves.png" alt="Claves de sol y fa"></picture></figure>
<p>En instrumentos como el piano que tienen ambos registros, usamos dos pentagramas, el superior con clave de sol para la mano derecha y el inferior con clave de fa para la mano izquierda.</p>
<p>El “apellido” de las claves (fa, sol) se debe a que le dan este nombre a la línea donde se escriben, y a partir de allí toman el nombre el resto de líneas y espacios (ascendentes y descendentes).</p>
<p>Por esta razón es muy importante aprender y dominar el nombre de las notas de manera ascendente:</p>
<p>Do, re, mi, fa, sol, la, si, do, re, mi…</p>
<p>Pero también de manera descendente:</p>
<p>Do, si, la, sol, fa, mi, re, do, si, la…</p>
<h2>Ejercicios de lectura músical</h2>
<p>Ejercicio #1: di el nombre de las notas en orden ascendente, empezando desde do. Luego empezando desde sol. Después desde re, desde la, desde mi, desde si y desde fa.</p>
<p>Ejercicio #2: ahora di el nombre de las notas en orden descendente desde do, desde sol, desde re, desde la, desde mi, desde si y desde fa. Este puede ser más complicado que el primero, pero es solo cuestión de práctica.</p>
<h3>Nombre de las notas en la clave de sol</h3>
<p>Si ya conoces el nombre de las notas ascendentes y descendentes desde sol, podemos leer las notas del pentagrama en la clave de sol. Fíjate que la nota base, está escrita en la segunda línea del pentagrama y de ahí toman el nombre las demás.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/14/conversions/clavesolnombres-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/14/clavesolnombres.png" alt="Notas clave de sol"></picture></figure>
<h3>Nombre de las notas en la clave de fa</h3>
<p>Después de practicar las notas ascendentes y descendentes desde fa, podemos leer las notas del pentagrama en la clave de fa. La nota base, está escrita en la cuarta línea del pentagrama y de ahí toman el nombre las demás.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/15/conversions/clavefanombres-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/15/clavefanombres.png" alt="Notas en clave de fa"></picture></figure>
<p>Reconoce que para movernos entre dos notas inmediatas, ya sea de manera ascendente o descendente, alternamos entre figuras escritas en las líneas y figuras escritas en los espacios.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/16/conversions/notasalternadas-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/16/notasalternadas.png" alt="Notas alternadas"></picture></figure>
<p>Además, podemos escribir notas fuera de los límites del pentagrama usando líneas adicionales.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/17/conversions/lineasadicionales-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/17/lineasadicionales.png" alt="Líneas adicionales"></picture></figure>
<p>Para cerrar esta primera lección de lectura podemos concluir que para saber el nombre de una nota en el pentagrama, necesitamos saber al menos dos cosas: en qué línea o espacio se encuentra y qué clave se ha utilizado. Por lo tanto, en un pentagrama sin clave al inicio las notas no tienen nombre.</p>
<p>Ejercicio #3: escribe los nombres de las siguientes notas, trata de ver lo menos posible la referencia de arriba, concéntrate mientras cuentas la distancia entre las notas.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/18/conversions/ejercicioclavefa-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/18/ejercicioclavefa.png" alt="Ejercicio clave de fa"></picture></figure>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/19/conversions/ejercicioclavesol-default_webp.webp" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/19/ejercicioclavesol.png" alt="Ejercicio clave de sol"></picture></figure>
<p>¡En la próxima sesión de lectura te enseñaremos algunos trucos para leer más rápidamente, pero no dejes de repetir estos tres ejercicios hasta que los domines! Mientras tanto te invitamos a revisar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a></p>


Saber leer partituras no es algo completamente necesario para tocar música, pero sí es una de tantas habilidades que nos hacen ser músicos más completos.

Lectura Musical I

Cómo leer partituras: Ejercicios de lectura musical para principiantes

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/254/MetronomeHeader.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/254/MetronomeHeader.jpg" alt="Metrónomo Animado"></picture></figure>
<h2>¿Qué es el metrónomo?</h2>
<p>El metrónomo es un instrumento que utilizamos para medir el tiempo o el pulso en la música. En el pasado, era un aparato con una especie de péndulo que se encendía directamente al moverse hacia un costado y oscilaba de manera regular, produciendo un “tic” o sonido corto y brillante con cada oscilación.</p>
<p>En el cuerpo del metrónomo había una leyenda que indicaba la altura a la que debíamos mover verticalmente el peso para aumentar o disminuir la velocidad de la oscilación. Esta velocidad está medida en BPM o Beats Per Minute, o Batidos Por Minuto.</p>
<p>En la actualidad, los metrónomos han evolucionado a la era digital y se pueden descargar en ordenadores o teléfonos móviles, donde su funcionamiento es idéntico al de un reloj digital, pero con la ventaja de que podemos variar la velocidad de cada “tic”.</p>
<p>La relación es sencilla: 60 BPM significa 60 tics o 60 sonidos regulares por minuto, lo que es igual a la duración de un segundo. Si aumentamos los BPM tendríamos más tics por minuto o una velocidad más rápida. Si disminuimos los BPM tendríamos menos tics por minuto o una velocidad más lenta.</p>
<p>Para tener una referencia muy superficial, podemos decir que la música de velocidades más lentas se sitúa hasta los 80BPM. La música de velocidades medias oscila entre 80 y 120BPM y la música de velocidades más rápidas va de 120BPM en adelante. Hay géneros como la música electrónica donde la diferencia de BPM puede ser la diferencia entre un subgénero y otro.</p>
<p>CURIOSIDAD: en condiciones normales, los latidos del corazón de un ser humano se encuentran entre los 60 y 100 BPM. Se ha demostrado que la velocidad de la música que escuchamos o tocamos puede afectar nuestra frecuencia cardíaca. ¡Todo está conectado!</p>
<h2>¿Para qué sirve el metrónomo?</h2>
<p>La práctica musical incluye varios procesos simultáneos. Por ejemplo: sincronizar el movimiento de brazos, dedos, enfocar la vista y, a veces, moderar la velocidad de nuestra respiración al interpretar una pieza musical.</p>
<p>Para cualquier persona principiante en la música, es complicado estar completamente alerta de todo lo que sucede en el cuerpo al practicar. En estos casos, el metrónomo representa una ayuda que permite que un elemento externo nos “diga” con exactitud si estamos en el lugar correcto del compás, o si estamos acentuando correctamente un ritmo.</p>
<p>Por lo tanto, es completamente normal que al usar el metrónomo las primeras veces toquemos más rápido o más lento de lo que debemos. Nuestra mente y cuerpo se deben acostumbrar a predecir lo más exactamente posible cuando caerá el próximo “tic”, y esto se logra después de mucho tiempo de práctica.</p>
<p>La velocidad con que toquemos puede depender de nuestro estado de ánimo y de la velocidad de los latidos del corazón. El metrónomo nos ayuda a recordar la velocidad exacta a la que regularmente tocamos una canción para poder evaluar internamente si estamos acelerados o aletargados.</p>
<p>La práctica con metrónomo es comparable a presentarnos en público, donde solo tenemos una oportunidad de tocar nuestra canción lo mejor posible. El metrónomo nos produce la sensación de que cuando empezamos el pasaje, tenemos que terminarlo a como dé lugar.</p>
<p>Cuando no controlamos la velocidad, tendemos a tocar las notas rápidas con menos duración de lo que realmente son y las notas largas con mayor duración de la que deberían tener. El metrónomo nos ayuda a conseguir un punto medio, a equilibrar y controlar este problema, pudiendo estudiar una pieza rápida desde una velocidad lenta y subir los BPM muy poco a poco.</p>
<h2>Precauciones al usar el metrónomo</h2>
<p>Todos tenemos ciertas velocidades con las que nos sentimos más cómodos. Por lo tanto, en un principio es mejor no forzar velocidades muy rápidas o muy lentas, ambas son bastante difíciles de controlar.</p>
<p>El metrónomo puede generar un sentimiento de nerviosismo o ansiedad, esto es algo normal que con la práctica toleraremos cada vez mejor.</p>
<p>Las velocidades rápidas tienden a tensar los músculos, por lo que es muy importante ser conscientes del estado de nuestro cuerpo en cuanto a la tensión que generamos. Para esto, podríamos aplicar rutinas como la técnica de Jacobson (relajación muscular progresiva).</p>
<h2>Consejos para practicar con metrónomo</h2>
<h3>Conocer la pieza que vamos a tocar</h3>
<p>Antes de practicar cualquier pieza con metrónomo, debemos saber qué notas vamos a tocar, en qué orden, y poder movernos fluidamente entre cada una de ellas. El papel del metrónomo es obligarnos a tocar un pasaje de principio a fin sin dudar, donde cada nota se mantenga sonando durante su valor exacto. Si nos equivocamos, debemos volver al inicio hasta lograr tocar el pasaje sin interrupciones y sin tensión muscular.</p>
<h3>Practicar las canciones a la velocidad correcta</h3>
<p>Practicar las canciones a la velocidad en que podamos tocar de manera fluida la parte más complicada de la pieza. Esto nos obligará a que, si deseamos aumentar la velocidad, debamos poner más empeño en la parte técnicamente más exigente</p>
<h3>Usar distintas acentuaciones del metrónomo</h3>
<p>Después de usar el metrónomo con el acento en el pulso 1 del compás (el pulso fuerte), es recomendable usar distintas acentuaciones del metrónomo. Por ejemplo, en los pulsos 1 y 3, solo en el pulso 3, y uno más complejo con acentos en los pulsos 2 y 4.</p>
<h3>Aprender a tocar a una velocidad más rápida de lo que la pieza requiere</h3>
<p>Si nuestra técnica y relajación nos lo permiten, aprender la pieza musical a una velocidad más rápida de lo que debería ser es una buena opción. De esta manera, cuando la toquemos más lenta, psicológicamente todo cambiará. Sentiremos que los reflejos de nuestra mente y cuerpo se agudizan.</p>
<h3>Practica este ejercicio de alto nivel</h3>
<p>Inicia el metrónomo, internaliza la velocidad y luego baja el volumen del mismo hasta que no escuches los tics. Sigue contando mentalmente por unos 5 segundos, sube el volumen y comprueba si lo has hecho bien. Cada vez que lo controles, aumenta el rango de tiempo en silencio lo máximo que puedas.</p>
<h2>¿Qué metrónomo recomendamos?</h2>
<p>El metrónomo de la compañía <a href="https://www.soundbrenner.com/the-metronome-app/">Soundbrenner</a> es gratuito y se puede utilizar en dispositivos Windows, Apple y Android. Tiene un amplio rango de velocidades, desde 20bpm hasta 400bpm y tap tempo. Permite usar cualquier clase de indicación de compás, desde la típica 4/4 hasta otras más complejas como 15/8, añadiendo más que suficientes opciones de subdivisión. Por último, permite guardar los ritmos, agruparlos en listas de reproducción y cargarlos en el momento que necesitemos.</p>
<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/253/SoundbrennerMetronome.png" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/253/SoundbrennerMetronome.png" alt="Metrónomo de Soundbrenner"></picture></figure>
<h2>Reflexión final</h2>
<p>El fin último del estudio con metrónomo no es otro que el de internalizar el pulso musical y desprendernos de él. En la mayoría de situaciones de la vida real, un músico empleará el metrónomo en contadas ocasiones. Además, la música necesita de ciertas variaciones de velocidad para que se sienta viva y real. Es mucho más importante y valiosa la conexión entre los integrantes de un grupo musical (ya sea que aceleren o desaceleren el pulso, siempre juntos) que la rigidez robótica de un metrónomo. Esas pequeñas variaciones de velocidades y dinámicas son las que llenan de humanidad a la música, separándonos de la música hecha exclusivamente por computadoras.</p>
<p>Te recordamos que puedes revisar nuestra sección de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, en el anterior hablamos sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-superar-miedo-escenico">el miedo escénico y técnicas que usan distintos músicos para superarlo</a></p>


¡Te damos todos los tips para que uses el metrónomo de manera correcta y sea tu mejor amigo de ahora en adelante!

¿Qué es y para qué sirve el metrónomo?

<figure><picture><source srcset="https://api.escuelademusica.com/storage/250/Miedo-escenico.jpg" type="image/webp" /><img loading="lazy" src="https://api.escuelademusica.com/storage/250/Miedo-escenico.jpg" alt="Miedo escenico"></picture></figure>
<h2>¿Eres músico y sufres miedo escénico?</h2>
<p>Si es así, no estás solo. El miedo escénico puede afectar a cualquier músico en cualquier momento de su carrera, independientemente de las habilidades o de la experiencia que tenga. Por lo general, es consecuencia de la ansiedad social o la falta de preparación al enfrentarse a un escenario.</p>
<p>A algunas personas no les gusta actuar frente a otros ni hacer contacto visual. Esto se puede llegar a somatizar en síntomas físicos como sequedad en la boca, sudor en las manos, temblores, ¡y hasta vómitos! En ciertos casos podemos estar hablando de un desorden de ansiedad que puede llegar a afectar hasta a los artistas consagrados.</p>
<p>En otras ocasiones, el miedo escénico puede ser producto de la falta de confianza por una escasa preparación. Hasta los músicos más virtuosos, los que parecen no tener que esforzarse en los pasajes musicales más acrobáticos, han tenido que ensayar durante mucho tiempo antes de poder presentarse en público.</p>
<p>Cuando sufrimos de miedo escénico, podemos creer que hay algo que está mal en nosotros, pero es justamente lo contrario. La respuesta de tu cuerpo a la presión es parte de la evolución del ser humano desde hace millones de años. Puede que no sea lo que esperabas, pero es perfectamente <strong>normal y saludable sentir miedo escénico como músico</strong>. De hecho, deberías preocuparte si tu cuerpo <strong>no</strong> reaccionara de esta manera. Ten en cuenta que para tener esa presentación perfecta y estar “en la zona” se necesita al menos sentir un poco de ansiedad.</p>
<p>Si crees que en un momento de presión debes sentir calma absoluta, puedes caer en una espiral destructiva donde fallarás al intentar tranquilizarte y generarás aún más ansiedad. Cuando aceptas que el miedo escénico es parte del proceso de todo músico al enfrentarse al público, ¡todo cambia! Imagina que <strong>esos nervios que sientes son en realidad emoción</strong> porque estás más cerca de lograr lo que quieres.</p>
<p>A continuación encontrarás una serie de consejos para superar el miedo escénico al tocar.</p>
<h2>Consejos para superar el miedo escénico en la música</h2>
<p>Uno de los consejos típicos para músicos que sufren de miedo escénico, consiste en ensayar y prepararse mentalmente para el peor caso posible, identificando esa situación que genera el miedo:</p>
<h3>Practica en casa</h3>
<p>Uno de los mejores consejos para superar el miedo escénico es practicar frente al espejo como si estuvieses en escena, mientras visualizas lo que podría salir mal en vivo. A medida que se crean nuevas situaciones problemáticas en tu cabeza, imagina también la manera de solucionarlas. Esta simple rutina te hará sentir más confianza y autoestima al saber que has practicado de antemano cómo resolver un escenario inesperado.</p>
<h3>Visualízate en escena</h3>
<p>Visualiza también que todo sale bien: imagínate disfrutando en el escenario, haciendo todo de la mejor manera, tocando todas las notas, conectando con el resto de músicos de la banda. Las visualizaciones positivas también son de gran ayuda para superar el miedo escénico y te traerán calma.</p>
<h3>Repasa lentamente las partes más complicadas</h3>
<p>Practica muy lentamente esas secciones que son técnicamente más complicadas de las piezas que vas a tocar. No es necesario que las practiques a la velocidad real y mucho menos más rápido de lo que son.</p>
<h3>Conecta con la música al practicar en privado</h3>
<p>Conectando con la música en privado, también conectarás con ella cuando te presentes en escena. No creas que mágicamente todo cambiará cuando estés en vivo frente a otras personas.</p>
<h3>Piensa en lo que el público quiere</h3>
<p>Imagínate siendo parte de la audiencia y entrega lo que te gustaría recibir. Si cambias la perspectiva será bueno para ellos y para ti, porque estarás pensando en lo <strong>bueno</strong> que puedes ofrecer, y evitarás los pensamientos negativos.</p>
<h3>Reemplaza los pensamientos negativos</h3>
<p>Es completamente normal que con los nervios aparezcan pensamientos pesimistas. Pero no te los quedes. Cada vez que lleguen, repítete a ti mismo: “todo estará bien” y sonríe. El hecho de sonreír, aunque no lo sintamos del todo, hace creer a nuestro cuerpo y mente que todo está realmente bien.</p>
<p>También puede ayudarte mirar algo gracioso que te haga reír, hacer bromas con tus compañeros músicos o escribirle a ese amigo que siempre te pone de buen humor. La risa es un buen remedio contra la ansiedad.</p>
<h3>Recuerda que no eres tan importante</h3>
<p>El público no presta tanta atención como tú crees. Como artistas tendemos a sobreestimar la cantidad de atención que los demás nos dan. Pero lo cierto es que las personas no están 100% concentradas en cada nota que tocamos. Durante la mayor parte de nuestra presentación, sus pensamientos estarán en otra parte.</p>
<h3>Haz una lista mental de expectativas realistas</h3>
<p>No seas tan duro contigo, no todas tus presentaciones pueden ser perfectas. Al tener objetivos que no son realistas, aumentarás los nervios exponencialmente. Ten en cuenta que estas expectativas pueden generarse de manera inconsciente. Medita un momento y pregúntate qué esperas conseguir. Si bajas las expectativas, seguro te divertirás más y tocarás o cantarás mejor.</p>
<h3>Respira hondo y lento</h3>
<p>Recuerda que muchos artistas salen a escena sintiendo las mismas dudas y nervios que sientes y salen victoriosos. Es decir, si ellos pueden, ¡tú también! No tienes que romper el récord de la respiración más lenta, hazlo a tu ritmo. Respira con todo el cuerpo, con el estómago y los pulmones. Toma conciencia de tu respiración, de cuándo inhalas y exhalas y cómo se siente en todo tu cuerpo. Esto te ayudará a enfocar tu atención en otra cosa.</p>
<h3>Deja fluir la adrenalina</h3>
<p>Para algunas personas puede ser mejor dejar fluir un poco de adrenalina, pero no demasiada. Si eres así, date un par de minutos antes de salir a escena para sentir todos esos nervios. Inmediatamente después, salta y sacude el cuerpo desde una extremidad hasta la otra. Algo de movimiento puede ayudar a calmarte.</p>
<h3>Crea una rutina de ejercicios antes de salir al escenario</h3>
<p>Inventa una rutina de ejercicios previa a la presentación y con el tiempo y la experiencia, la mejorarás. Los rituales nos ayudan a superar el miedo escénico, y mantenernos enfocados. Calienta la voz, los dedos, la respiración y lo que necesites. Puedes leer nuestro  artículo para <a href="https://escuelademusica.com/articulos/como-crear-una-rutina-de-estudios">crear una buena rutina de ejercicios</a>.</p>
<h3>Hazlo con nervios, pero hazlo</h3>
<p>Aprovecha todas las oportunidades posibles para hacer una presentación y plantarle cara al miedo escénico. Practica con tu familia, amigos, pareja o compañeros de trabajo. ¡Ponte nervioso hasta que te familiarices con ese sentimiento!</p>
<p>Por último, no te olvides de celebrar al final de cada presentación y hacerte un regalo. Has logrado superar el miedo escénico. ¡Lo has hecho! Date la enhorabuena por todas las cosas que salieron bien, por todo lo que has aprendido, haz un balance de lo positivo que te dejó la experiencia mientras disfrutas de una buena cena y relájate.</p>
<p>Si quieres seguir leyéndonos tenemos una sección completa de <a href="https://escuelademusica.com/articulos">artículos</a>, a continuación te presentamos uno sobre <a href="https://escuelademusica.com/articulos/el-metronomo">la historia e importancia del metrónomo para los músicos</a></p>


El miedo escénico puede afectar a cualquier músico en cualquier momento de su carrera, independientemente de las habilidades o de la experiencia que tenga.

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